下面是小编帮大家整理的工笔画说课稿，本文共16篇，欢迎阅读，希望大家能够喜欢。
篇1：工笔画教案八
工笔画教案（八）
第八单元 工笔人物画写生――构图 一、教学目的 通过讲授构图的有关知识，使学生在写生、创作中加强构图意识，深入了解到构图是一帐画成败的关键之一。 二、教学要求 1、了解中国画中的常用构图形式 2、认识均衡、对比、节奏这些形式法则在构图中的作用以及产生的不同美感。 3、深入了解中国画的构图的特点 三、教学重点及难点 1、构图的骨架 2、构图的形式法则 3、平面性构图 四、教学内容 1、构图的作用 传统画讲究“经营位置”，亦称“章法”或“布局”，现代称“构图”、“构成”。 构图是画面的内在构架，决定着画面的整体效果，决定着画面内在结构的张力，使画面既有形式美，又符合内容需要，是创意形成的第一个步骤。所以必须深入研究构图的规律及特点，创造“有意味”的构图形式，使作品产生独具的创意和高雅的格调来。 2、构图的骨架 骨架是整个画面结构的基本形状，决定着构图的基本形式，突出的骨架感是经过了刻意的组织安排、提炼和选择的，表现出构图中的势态和趋向。 在中国画中构图常以川、由、工、之等汉字作为骨架的基本样式，另外还有一些被概括为几何形体的基本结构形式，三角形、正方形、圆型、垂直线、斜线等以及如同英文字母S、V、X、T的基本形状。它们以多样的差异变化，表现出不同的画面气势和意境。我们可以把骨架的形态分为静态形态构成和动态形态构成来介绍。 （1）静态形态构成，包括垂直线和水平线以及T形构图。 垂直线：向上，挺拔，庄重，静寂。 水平线：平静，安祥，开阔，有安宁感。 正置的三角形及方形：平正严肃，坚实稳固。 正置的长三角形：向上，飞驰，崇高。 （2）动态形态构成：包括曲线、斜线、螺旋线、S形、V形等骨架。 曲线：柔美而流畅，轻盈且自由。 抛物线：具有速度感。 双曲线：给人秩序和韵律感。 斜线：倾斜角度愈大，运动感愈强。 螺旋线：回旋升腾，给人以节奏和重复感。 S形：宛然盘旋，迂回上升，有向心力和张力。 V形：向上、向外扩张，爆发之感，又有冲刺、集中的意味。 圆形：旋转、滚动、饱满、柔和的亲切感。 总之，利用动态形态骨架构图可调节、活泼画面，使形式节奏明确、韵律流畅，而利用静态形态骨架构图却让人觉得安定、稳固，无论利用怎样的骨架规律，都应蕴藏于所描绘的自然物象之中，不露痕迹，同时要合理利用不同骨架的构图在画面中所产生的不同的视觉心理反应，免得任意滥加套用，使画面产生的感觉适得其反。 3、构图中的形式法则 构图中的形象或符号对空间占有的状况，都必须从整个局面出发，最终达到协调统一，即在统一中求变化，在变化中求统一，变化产生生动美，统一产生和谐美，下面我们从三个方面研究构图中的形式。 4、均衡 均衡是指物象、黑白、色块等造型因素虽形态相异而量感等同，呈现出和谐统一的视觉效果。它比简单的对称效果更能体现出对立统一形式的法则。 形成画面均衡的因素多种多样，处理均衡的方法千变万化，如利用色块大小、深浅、聚散进行的均衡分布；利用肌理及材质产生的对照与平衡；利用运动与倾向或呼应关系的结果。 对画面中均衡和秩序因素的探究，会有助于处理和把握各表现要素之间的协调关系。 （2）对比 对比是增强表现力的有效手段，在构图中如只强调均衡感，会过于平静、和谐，使画面单调呆板，适当地运用对比手法可增加画的情趣。 所谓对比是有差别的对比，相对的在一定程度上的比较，如大与小，长与短，疏与密，方与圆，冷与暖，深与浅等。一般在构图形式中多采用点、线、面的对比，色彩明度、纯度、色相的对比，以及动与静、刚与柔、实与主，不同肌理及材质的对比。 通过对比，可使画面醒目，使观念印象鲜明，但在同一件艺术品中，忌使用太多的对比手法，将各种对比多集中于主体部分或将某些具有破坏性的对比因素减弱，保持画面的主体性。 （3）节奏 节奏是指画面中各个对比矛盾之间的变化序列。 节奏意味着产生力的动感，有规律的形或线的重复以及色彩明度、纯度的变化，会产生一种节奏的'韵律感，形成一种势。绘画中的节奏感，便是度和量有规律地变化所形成的规则或不规则的运动，有的画面中的高潮，即视觉中心，就是节奏变化最强的部位，画面中的其它部分是为引导观者的视线，逐渐趋向这一中心，使视线移动的过程中有延宕，从而增强视觉审美趣味。 （4）均衡、对比和节奏这些形式法则，在绘画中互为补充，彼此渗透，在构图中如有选择、有侧重地加以运用，会形成千变万化的格局，并且达到变化统一的目的，呈现出完美和谐，动人神魄的整体艺术力量。 4、平面性构图平面性构图是中国画构图的特点。 在构图时采用一点透视，强调在构图上的自然序列，不求物象的光影变化，并弱化透视空间，把复杂的立体起伏作平面化处理，将层次丰富的色彩提炼成色块，将多维的立体空间转化为二维的平面空间，仅靠各物象所处的前后空间位置来确定画面的空间感和虚实感，因此，在构图中需充分地考虑物象的主次关系。注意形体与形体之间在走向、位置、态势上的关系。平面性构图多采用散点透视和多点透视的方法，这种构图观念不求再现自然和视觉的真实，而是经过观察领悟自然物象之后，强调绘画者的主观感受和意念的表达。绘画者的视点是多角度的，可上下左右，可远可近的游动，然后有取舍、有选择。画面中可出现多空间、多情节、多时间的状态。平面性构图不求表现客观物象存在的完整性，而在于画面自身整体构成和形式语言的完整性。因而可以运用构图中的形式法则，将物象有规律、有条理、有主次地组织在画面中，通过疏密、方向等关系的安排，使画面成为一个形式完整、结构严谨、手法统一的有机整体。 5、中国传统绘画样式及理论 中国传统绘画样式很多，如条幅、中堂、横披、手卷、册页、通景屏、扇面等等，为工笔人物画构图提供了多种框架，还有众多构图完美的作品可借鉴。传统绘画构图理论有“大小相同，高下相倾，聚散相宜，前后相通”，“稀处可以跑马，密处不能插针”等。 人物造型在绘画构图中可视为各种不同形态的几何平面形和立体形或可视为各种点、线、面、块。在一定的框架范围内，将各种复杂形体归纳为简单的几何形并组成协和、美丽的画面。 6、小结 构图与绘画的形式美感紧密相连，这已引起现代工笔人物画家的高度重视，同学们应将这些构图中的形式法则巧妙地运用到画面中去，创作出审美，趣味较高的作品来。篇2：工笔画教案十
工笔画教案（十）
第十单元 工笔人物画写生――作画步骤示范 一、教学目的 1、通过示范让学生了解工笔人物画写生步骤 2、让学生体会工笔人物画与工笔花鸟画绘制过程中的相同与不同 3、引导学生正确、规范操作 二、教学重点及以点 1、分染、罩染、统染、接染的概念及设色过程中应注意的问题 2、勾线的重要性 三、教学内容： 工笔人物画写生步骤： 起稿――勾线――设色――深入刻画――调整完成 1、起稿 起稿阶段，对表现的主题、形象、构图的确定，需经反复推敲，起稿时用铅笔、炭笔或木炭条均可，只要方便修改。在这一阶段中， 勾些小构图，对画面中线、色、空间、构图进行设计是很有必要的。既注意形象的性格特征能否体现主题思想，也同时考虑形象的造型处理及服装、道具、背景的配合。起稿时形象塑造要从形体结构出发，用线条来表达对象的轮廓、结构穿插，通常在正面平光下写生时，利于用线塑造对象，不为光源和阴影所干扰，在底稿上可有适当的调子帮助起伏结构，前后层次的显现，画面气氛基调的确定，可以参照光影关系，更重要的是根据对象本身的结构关系。这些调子往往是将来渲染的一种模拟和提示。 2、过稿 当底稿上的线条都已组织合理且线条起止有数，就可以用铅笔把它拷贝到熟宣纸或熟绢上，若纸（熟绢）较薄较透明，可直接覆盖在底稿上拷贝；若其较厚，则最好在拷贝台（玻璃台面，下面有灯光透上）上进行拷贝，拷贝时应沿底稿所示线条轻轻画出，之后再对照底稿（如写生最好能对照摸特）修正和加工补充，尤其是五官的细微处，如眼角、嘴角等部位。 3、勾线 勾线是工笔人物画中的关键步骤，因墨线在熟宣纸（绢）上无法修改，故勾线时要很谨慎，墨线要求准确肯定，而执笔时讲究“五指齐力”“指实掌虚”笔在手中进退自如，操作灵活。用笔的方法可归纳为：中锋（笔锋在点画的中间运行，笔杆往往垂直，画出的线条深厚、沉稳、是工笔人物画中主要的勾线方法），侧锋（即笔锋在点画的一侧运行，笔杆往往倾斜向一边线条活泼多变），逆锋（笔锋向前逆行）。 勾短线只需运指运腕，够长线就要运肘运臂。勾线前应对画面中的用线用墨有整体设计，从不同的对象中寻找一种和谐又有变化的线条间的粗细刚柔干湿浓淡的关系，如人物面部的线条与服装上或背景上用线可从质感或固有色等角度加以区别，可以是粗细之别，也可以有浓淡之分，但不宜对比太悬殊而难以统一。 勾线可从人物的主要部位开始，也可在画面其他的次要的部位开始，按各人习惯不分先后。 勾眼、嘴、鼻等颜面五官部位的线须特别慎重，力求严谨到位。这些部位的形稍有偏差就会改变对象的神情，直接影响人物形象的塑造。 4、渲染上色 勾完线后，就可以进行渲染上色。渲染多用水色，包括半透明的赭石、朱，而不用石色，以防止罩色时颜色泛出。渲染时要从结构出发，根据对象的凹凸、浓淡、转折、遮叠等变化，用不同程度的淡墨或水色调墨，染在鼻翼、眼角、嘴角、头发等处。渲染一般用两支笔，分别蘸色和蘸清水。蘸色笔先上色，接着用水笔沿色的边缘染开，使色自然晕开。“色以清用而无痕”，要求不露笔痕，过渡自然为好。上了色后马上就用水笔染一般不易留下笔痕。进行大面积的渲染，可先将画面稍稍喷湿，在水分将干未干时上色，以避免笔痕水迹留下。 渲染就其所染位置不同，可分为低染法和高染法。低染法主要沿物象的边缘，凹入处和前后重叠处向一侧染开，来衬托前后层次，增加体积感。高染法则对物象凸出部位进行渲染，有浮雕的效果，易厚重。一般一幅画中只采用一种染法或以一种染法为主。 人物皮肤颜色的处理，要因人而异。少女皮肤细腻，肤色调合时可以稍加粉质颜料，以期达到娇嫩滋润的效果。画老汉的肤色以水色为佳，色彩易沉重厚实。 渲染较深色的部位时，可分数次染成，逐步加深，便于把握整体关系。如须发层层渲染，发际处过渡就易自然。 渲染时用色的深度与墨线的深度要相宜，既要发挥线在画中的形式美和主导作用，又要让色与墨线协调统一。在墨线上，尤其是在轮廓线上稍加渲染，可以使线浑圆而有厚度。 渲染完成了底色的铺陈，在此基础上就可用色彩覆盖其上，通常以平涂的手法，称为罩色。罩色不可过厚，以略能透见底色为宜。罩水色和半透明石色时较容易，而罩覆盖力强的石色，也应层层薄涂罩色。石色太厚，不易涂匀，且色彩易灰暗无光。 罩色用的颜料应一次调足，宁多勿少，尤其罩大面积的色块时，涂色时一笔接一笔地展开，以免先涂过色的局部先干而出现笔痕，使色块不平整。以水色罩色，底色的渲染要恰如其分，不宜过火；罩以石色，底色渲染可以稍过一点，罩色后就恰到好处。如石色罩得较厚，使渲染的底色的作用不明显时，还可以等石色干透后涂上胶矾水，用以固定颜色，防止泛色，再进行渲染。 上不透明的'石色也可采用填色法，用色较厚，突出墨线，使色不碍墨，墨不碍色。色与墨线之间最好不要留下空隙，免得影响画面的工整。填色时可以用色挤压墨线来校正墨线的缺陷。填色法多用于描绘服装道具。 在整个设色过程中，往往渲染与罩色交替进行。罩色时，可以用同一种颜色多次罩色，也可以不同的色彩交替罩色来达到所追求的色调。在薄纸或绢的背面可衬一块颜色或墨色使画面正面的形象色彩更加沉稳饱满而有厚度，且保持色彩的鲜明、透气。一般背面衬托用的颜色相对比正面用色厚些。 5、深入刻画 渲染罩色这一整个设色过程也是画面不断深入的过程。人物的脸部，尤其是眼、嘴、鼻、眉、耳等传神部位，还有富于动作表情的手足，都要仔细深入刻画。细微的刻画服从于整体，不必处处面面俱到。在罩石色后，墨线因被覆盖不如原先清晰明确，就需要重新勾线，叫做“勒”。勒线常用比该着色区域稍深的同类色的线，依原有墨线重勾。在皮肤外露部分可用与肤色协调的颜色如赭石类颜色重勾，增加厚实感。在重勾时不必刻意一丝不差地描在原有墨线上，避免线显得过于刻板无生气。 画中的白色常最后上色。 6、调整完成 深入刻画后，对画面整体进行审视是不可少的。人物形象神情表现是否到位，色调是否协调，渲染着色有无遗漏等等均需细心检查并加以调整。整个画面、人物、背景关系统一和谐，人物神采能恰当体现，这幅画才算完成。 36.7精品艺术画廊篇3：工笔画教案七
工笔画教案（七）
第七单元 工笔人物画写生――造型 教学重点及难点 1、理解人物画造型能力的两个方面：即写生对象的能力，主观造型的能力。 2、如何组织线条，使线条更准确，更具美感。 教学内容 1、工笔人物画的造型能力要求。 工笔人物画造型能力的要求，与其他画种人物造型能力要求基本相同；包括两个方面：一是写生对象的能力；二是主观造型的能力。 （1）、写生对象能力：指面对具体的人物和其他形象能准确描绘的能力。 （2）主观造型能力：指根据具体形象和主观意想重新塑造形象的能力。 以上两方面的能力是统一的，前者是后者的基础，它们都是可以通过课堂教学的训练而达到一定水平的。 此外，在生活中对人民生活的各个方面以及生活中的各类形象做经常的深入细微的观察，默写，心记，研究各类形象的特点（包括内在、外在特点）和形体的运动规律，并成速写习惯，对提高自身的造型能力有很大的帮助。 2、如何用线造型 工笔人物画用线条造型称为“白描”，白描就是线描，即用尖细而挺的毛笔单线用线勾勒形体。线是中国画的特点之一，也是工笔画的特点之一。 工笔画的线与意笔画的线 工笔画的线，细而均匀 意笔画的线，粗细不同，变化多端。 （2）素描与白描 素描：以块面认识和表现形体，（表现手法不同） 白描：以线条认识和表现形体。 二者都要求充分理解形体的解剖结构，形体的`空间、虚实、体积、质感等，但白描在表现上更微妙，更概括、更理性。 （3）要求 先用铅笔起稿，便于修改，白描与速写差不多，只是要求更准确，更细致，在用线的基础上也可以辅助一些光影表现形式的结构。 欲将形体概括或抽象为线的组合需要认真地研究人物的形体、运动规律、姿态等，更需要理解人物的结构与解剖，深入地研究形体与衣着的关系以及服装的结构等等。 3、线条的组织 白描除要求造型准确外，另一个重要问题就是要处理好线条之间的组织关系，其中含着一些绘画艺术上的和审美方面的要求。 在表现形体时并不是看见对象有几条线（尤其是衣纹）就画几条线，而要有选择的画，首先是准确，同时要有美感，在形体的重要部位，即所有的关节处，如肩、肘、腰、膝盖等都有线条，各组线条之间还有联系，因面形成线条之间的组合疏密关系。 在写生过程中，忌画肘不看腰，画肩不看肘，应注意整个形体各部位的线条都是有联系的，在画一个部位的线条时要眼观整体，在审美上，对线的组合还要求有韵律和节奏感。 4、小结 白描也是一门独立的艺术。就整个中国画来说，线条的运用考究极多，但作为工笔画的线条，大多变化不太大。因为工笔画绝大部分是以色彩为主，为了突出色彩，古今工笔画的线条或为铁线描，或为高古游丝描，是粗细比较均匀的线条，为敷色留有更大的余地。篇4：CDR临摹工笔画教程
这篇教程教三联教程的朋友们用CDR临摹工笔画，教程难度中等偏上，最有难度的其实是耐性，现在很多的软件学习者都显得浮躁，要学到真功夫还得静下心，沉下去才行，好了，话不多说。一起来学习吧。先上效果图：
1、先来看看这堆草，这类东西如果先做一棵然后复制，会费很多时间;当然你可以自定义艺术笔工具的对象喷罐笔触来做。这里我用的是另外的一个方法，我们先来做个练习：
交互式调和工具大家都知道怎么用，但是默认拖出来都是直线过渡，如图：
重新来过，这次事先按住了键盘上的Alt键，然后再开始拖动鼠标从一个对象到另一个对象，可以画出曲线连接路径进行调和(这和先画好路径然后鼠标右键拖动调和图形到路径线弹出快捷菜单执行“使调和适合路径”以及属性栏上的路径属性中的新路径命令是一样的)
下面来正式制作，画两组叶子(或画好一个复制出来，大小、颜色等变动 一下)，用上述方法使用交互式调和工具(按住Alt键拖出曲线路径)，从而产生了一堆乱草(使用调和工具制作的优点是可以通过调节步长改变数量和疏密，出来的对象也有大小的随机变化，如果你对整堆草形态不满意的话还可以到视图/简单线框下选择路径线进行调整)
最后一步就是要加上一层虚化的阴影来柔和整堆植物的边缘：使用交互式阴影工具在预设下拉列表中选择小型辉光，再把阴影颜色改成墨绿色。
注：要对一组应用了调和工具的图形添加整体的阴影，必须先框选这组图形(它包括原始的调和图形、中间的过渡图形和路径线)进行Ctrl+G成组，否则只对局部有效)
交互式阴影工具在其它几处地方也有用到，这里就不截图了，各位应该能看明白!
阴影工具产生的阴影已经不是纯粹的矢量图形，下面做个实验来了解一下：画个圆形，给它应用交互式阴影效果，然后Ctrl+K打散;选中这个打散的阴影，切换到交互式透明工具，可以在属性栏上看到它的属性(它就是一个被黑白位图像蒙板一样遮罩了的矩形)
交互式透明工具里面的透明度类型下拉列表里选择一个合适的底纹样本可以模拟出风化的效果，下面的图章就是这样应用的
再来看这堆小草，你可以用上面那堆草的做法去完成，这里再介绍一种方法：就是先画一棵小草，然后，按住鼠标左键拖动它的同时按住键盘上的空格键，这样就出现了像illustrator里面的符号喷射工具以及CorelDRAW里面艺术笔工具的喷罐功能一样的喷射效果(原理是不断地快速复制)
注：我是用X4做的，在X4里你可以长按空格键不放配合鼠标左键拖动对象去快速批量复制!X5要不断地按空格键，每按一次才能复制一个
树叶的轮廓线是使用贝塞尔工具画出路径然后加载艺术笔工具的预设笔触;如果你有数位板的话就直接使用艺术笔工具的压力功能来绘制(艺术笔线条的颜色是填充色，不是轮廓色，鼠标右键点击色板只会在艺术笔图形的外边缘加上轮廓)
顺便介绍一下贝塞尔工具的使用技巧：单击鼠标左键拖出一段曲线后不要松开然后按下键盘上的C键拖动鼠标可以只操纵一个控制手柄实现“尖突”的转折曲线，想要回到“平滑”的转折就按下S键，而按住Alt键拖动鼠标是移动节点，
想下一个线段是直线你就双击刚创建的节点，在目标处再单击一个点就可以生成(原理是双击后下一个即将创建的线段的控制手柄就没有了，就可以生成直线)
奇怪的是在CorelDRAW中，应用了艺术笔工具中的效果的对象想要移除效果，在属性栏上是没有清除的按钮的，原有的路径线已经被它绑架了(在线框模式下可以看到在艺术笔形成的线框中间有原始的路径线框)，要想清除它只有Ctrl+K打散它和路径之间的捆绑，然后手工删除已经失去编辑意义的艺术笔产生的效果图形
作品中很多地方都用到了艺术笔工具，还有交互式网状填充工具，就不一一介绍了，使用网状填充工具时候加入新的细分时会生成很多多余的节点，必须在属性栏中拖动曲线平滑度滑块来精简这些废点(CorelDRAWX5的网状填充工具就没有这种问题)
额头边缘的头发，如果使用手工一根一根地画，会很费事，而且还要保证每根的间距和方向变化，做到这点很难，调整更难!下面介绍我用的方法(主要使用交互式调和工具)：
先画两根头发，把长短，方向调整好
使用调和工具形成之间的过渡图形
画一根路径用于调和的轨迹
鼠标右键拖动调和图形到路径线弹出快捷菜单执行“使调和适合路径”或执行调和工具属性栏上的路径属性中的新路径命令
使用选择工具把调和的起始对象移动到路径线的两端
选择路径线(如果不方便选择就进入视图/简单线框去选择)，鼠标右键单击调色板上的X方格取消线的着色
把调和步长调多一些
最后分别选择调和的两个主图形使用交互式透明工具进行由中心向两端的射线透明，这样头发就柔和多了
人物服饰的褶皱的明暗变化是使用交互式透明工具刻画的，这些色块是使用智能填充工具得到的，所以和轮廓线吻合得很好(最烦的就是要临时建个封闭的范围用来智能填充工具正确生成一个个的色块，要打开Alt+Z贴齐对象不断地加线，色块形成后再删除多余的线)，这部分截图说明比较麻烦，有机会录视频的话再说!需要讲的制作方法就介绍这么多，谢谢大家!
篇5：浅谈中国工笔画装饰性语言特点
摘 要：中国传统工笔画本身具有装饰性，现代的工笔画装饰性受多元化的影响，在用线、结构、色彩等方面有更强的装饰性。没必要讨论工笔画装饰过度问题，怎样更好的运用装饰性语言表达内心情感才是重要的。
关键词：中国工笔画 装饰性语言 特点
中国工笔画有着两千多年的悠久历史，已经形成了独特的艺术风貌，有着严谨、细腻、工整的视觉效果和冷静、理性的心理感受。随着时代的发展，传统的工笔画已经不能满足广大人民群众的视觉需求。 现代的工笔画顺应时代潮流，引入大量的新题材、新形式、新造型、新材料、新技法，来描绘丰富的社会生活和艺术家的内心感受。现代工笔画受到各方面文化的冲击，其视觉元素的装饰性特点越来越明显。
传统工笔画本身就具有装饰性，线的提炼和精道、极致的运用，色彩的单纯、平涂、浑厚而强烈，都使画面具有装饰效果。如永乐宫壁画，众多的神像均具有鲜明的个性，重彩勾填的传统方法，立粉贴金的运用，长袖的突出，长达数米的流畅线条，设色的绚丽纯朴而浑厚，都富有装饰性。传统的工笔画大都用的俯视法和散点透视法，来表现层山叠岭、千里江河、深宅广院，这样才能把画面表现的更庞大,气魄而宏伟,内容更充分。然而用焦点透视则无法表现，如果在俯视构图的山水庭院之中，那么人物只看见头顶,不但有碍画面的美观,更无法表现人物的动态表情。现代的工笔画，受到平面构成的影响，受到色彩构成的影响，受到中国传统工艺美术的影响，受到西方绘画的的影响，越来越表现出极其强烈的独特装饰性特点。
在用线方面，传统的工笔画有很高的要求，要求造型准确,体现出“气、骨、韵、力”的品位，但又显得单一、拘谨、太理性了。而装饰性的工笔画的用线不全在于造型，而是突出表意性。运用装饰性语言使形象更加突出，造型更加生动，具有更强的感染力。运用夸张、变形的手法对形状有目的的调整。对客观事物进行规整、归纳、夸张、强化、主观化处理，运用平面构成原理表现画家的不同审美观，文化积淀和艺术素养，从而形成不同的装饰性风格流派。
在现代工笔画创作中，平面构成得到广泛的运用。平面构成是将基本形象在二维平面上按照一定秩序和法则进行分解、重组，从而构成理想形态。它在形式构成中，强调变化与统一，讲究形态的对称、均衡、对比、比例、调和，讲究点、线、面的运用，讲究节奏感和韵律感，探求视觉规律，形象的建立，骨架的组织，各形象位置的确定和完整性。各种透视法则都能在画面中灵活运用，如焦点透视，平等透视，平摊透视，散点透视，混合透视，任意透视，从而使画面产生某种特定的艺术空间效果。各种构图形式的灵活运用，如平视体构图，立视体构图，综合体构图，自由体构图。构图中形象组合成各种骨架形式的运用，如重复式构图使画面有更强的秩序美，渐次式构图能在静止的画面中产生动的幻觉，重叠式构图使物象层次关系产生丰富感，还有对称式、均衡式、适形式、单纯式、散构式构图，这都能使现代的工笔画给人以耳目一新的视觉感受。
在色彩方面，装饰性的工笔画有的采用较为单纯的色彩关系，有的采用繁缛的色彩关系。色彩的平面化表现，层层渲染，使物体产生凸凹感，不要求三度空间和受光、背光、高光、反光的区别，着意于二度空间式的绘画语言的表达，着重于物象间色彩组合形式与构成关系。色块的大小和色相的对比、协调、区别、呼应都使画面产生不同的效果和强烈的视觉感染力。工笔画家灵活的运用各种技法，通过重彩、淡彩、勾填、描金、沥粉堆金、打底烘托等形式，使画面更具生动效果，更具完美装饰性。传统的工笔画用色强调“随类赋彩”,多采用分染，实起虚收，色块的边缘也不太明确，这就大大消弱了色彩的视觉冲击力和结构整体感。而现代工笔画的色彩运用多是“随心赋彩，随情赋彩”,大胆的运用色彩构成，使画面更具有感染力和视觉冲击力。同时各种肌理技法广泛运用，如积、撞、染、堆、冲、洗等来加强画面的视觉效果。工笔画颜料运用也从国画颜料、矿物质颜料扩展到水彩、水粉，丙烯、日本颜料等，纸也从单纯的熟宣扩展到生宣、皮纸、高丽纸、水彩纸、布等。这都使中国工笔画的装饰性有更加广阔的发展空间，使自我的性情得到更广阔的展现，激发更多的情感，创作出更多新生命力的作品。
有人会不停的说，不要把工笔画画得装饰性过度，这样就变成了装饰画，而不是工笔画了。然而谁来划分怎样划分装饰性的工笔画和装饰画呢？怎样才算是装饰过度，怎样才是不过渡呢？好像美术史中从来没有划分过，谁也说不清楚这个界限在哪里。我觉得没有必要浪费时间去分的那么清楚，绘画本来就是画家内心感受的表达，而不应被那么多的条条框框所限制。中国工笔画就是应该勇于突破、创新，运用自己独特的绘画语言画出独特的情感，而不是去计较装饰是否过度，重要的是画家内心思想的表达，对社会事物的深刻理解和感悟，把装饰性与思想性融和,创造出独特意味、感人至深的优秀工笔画作品。
参考文献：
[1]王伯敏.中国绘画史.上海：上海人民美术出版社.1982年版.
[2]李泽厚.美的历程.北京：中国社会科学出版社.1984年版.
[3]邬烈炎.装饰语意设计.南京：江苏美术出版社.版.
篇6：工笔画集训心得作文700字
工笔画集训心得作文700字
用一支画笔，你可以画花草，画飞鸟，画一切你想得到的与你想不到的；用一支画笔，你可以放飞自己的想象，在想象王国中自由飞翔；用一支画笔，你可以获得无限快乐、无限遐想。我爱画画！
有时候，我会有点不专注，可我会马上回过神来，继续画。每当我看到自己完工的作品时，总会感到一些不满意。“咦？怎么会把线条画得那么粗？”“哎！我怎么没有画出阴暗面呢？”“嗯？我怎么画这线画得那么斜呢？”我内心深处会不断提问自己，然后会用心去改正。只有这样我才拥有了一幅幅精美的作品！当然我更是在每一个老师的用心指导下画画技能提高很快，收获了很多很多！
这次暑期是工笔画集训，是我最喜欢的课程。我还停留在初期画花鸟，这一次挑战白芍药和红牡丹，花我几乎可以画得淋漓尽致、栩栩如生，甚至能让人闻到那股清香……
谁都知道红花需要绿叶衬托，可我怎么也画不好那做陪衬的叶子。我很焦虑，好几次还哭鼻子。“金无足赤，人无完人”安慰了小心脏，我必须去学会挑战更高更完美的画风。老师给我耐心讲解方法时候，我的思路能完全跟上节奏也非常清晰，可是一提画笔，我的手仿佛被钉住了……我心里很清楚树叶脉络需要画得精神些，每片叶子要有正反色调，叶子位置要有层次，要有遮挡……可是我下笔时候这些常识就在脑子里短路了，根本无法输送到手指上。老师敲打我脑袋说：“要多练习，还要多观察生活中的点点滴滴，这样才能画出活灵活现的.画呢！”
是啊！老师敲醒了我古板的想法，任何学习知识都是要“熟能生巧，巧能生精”的道理！画画不仅仅简单的喜欢就能收获，更多的是需要坚持，不断去练手，去观察身边美的事物，用身心去感受美的世界，才能画出越来越美的作品！给自己加油吧！我更加喜欢那美的画一样的花鸟了！下学期我还要挑战古代四大美人的画风呢！
篇7：教你用PS打造工笔画效果
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最终效果图
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2、再复制图层一层，得图层副本2，点击图像－调整－去色，把去色的图层，复制一层。得图层副本3。
3、选择在副本图层3，图像－调整－反相，然后把混合模式改“颜色减淡”，这时一片空白，再选择滤镜－其它－最小值，参数自定，再双击副本图层3，选择混合选项，如下图，按住ALT同时用鼠标，选下一图层中的右边的小三角往右拉，直到自己满意，
4、再新建图层，按住Ctrl shift ALt E盖印图层，删掉下面副本2和3，选择图像－调整－曲线，拉到这个自己满意的效果为止，图层混合模式选柔光。
5、新建一层，填充颜色为：#E1B18B，不透明度60%，图层混合模式为正片叠底。
6、最后加以修饰，新建一个图层，用画笔描嘴唇，混合模式为柔光，画了二个红腮，用滤镜－模糊－高斯模糊，数值自定。最终效果图
篇8：中国工笔画的艺术格调论文
中国工笔画的艺术格调论文
格调对于中国画来说是至关重要的，它是衡量一幅作品艺术价值的重要标准，体现着作者的艺术造诣、学识修养和审美追求的品位。作品的格调高，即为高雅，反之则为低俗。绘画作品高格调的追求，是作者思想境界的升华。只有不为物欲所驱，方能在胸中生成清静情怀，在画面上进入“表里俱澄澈”之妙境。
历代都视高逸之品为高格调。然而历代的发展也使“逸品”带有清冷之意。唐，宋时期，“逸”字并非是“冷”的，而是一种“自然”，甚至是一种“热”。“自然”和“热”姑且称之为“热逸”。“热逸”和“冷逸”结合而为一，这才是中国画尤其是工笔人物画高格调的全部面貌。 唐代是工笔人物画高格调的典型。唐代是中国绘画的高峰期，工笔人物画是主体，而工笔仕女画又是人物画中的佼佼者，以大气松快的线描和暖色系为主要基调，大度而热烈。在这种线色系统中没有火气、燥气，是一种新鲜而清丽的线色组合，尤其在色彩运用中，无论是饱和色还是调合的灰色都给人以“劲健”的力度，色彩在热度中依然有着雅致。
这种健而雅的线色组合既温馨可人又超凡脱俗，是当然的高格调。唐代张彦远在《历代名画记》中说此时的绘画风格是“焕烂而求备”，“热雅”是唐代绘画的重要特征，“热雅”是一种“高逸”。
南朝梁元帝萧绎在《山水松石格》中提出“格高而思逸”，唐代朱景玄在《唐朝名画录》中提出“上、中、下”三品之外，又有“不拘常法”的“逸品”；张彦远在《历代名画记》中提出“自然、神、妙、精、谨细”，其中的“自然者为上品之上”，相当于“逸品”。宋代黄休复在《益州名画录》中提出“逸、神、妙、能”四格，其逸格之义是：“画之逸格，最难其俦。拙规矩于方圆，鄙精研于彩绘。笔简形具，得之自然。莫可楷模，出于意表。故目之曰‘逸格>尔”。
考“逸”字之义，《说文》：“逸，失也。从辵、兔。兔谩訑善逃也”。(“辵”音啜)，《说文》：“辵，乍行乍止也”，《六书故>人九》“辵，循道疾行也”。《左传>桓公八年》中有逃逸之意：“随师败绩，随候逸”。《国语>晋语五》有奔跑之意：“马逸不能止”。《三国志>蜀志>诸葛亮传》有超绝之意：“亮少有逸群之才”。《尚书>无逸》有闲适之意：“生则逸，不知稼穑之艰难”。《尚书>大禹谟》有：“罔迈于逸，罔淫于乐”。孔颖达疏：“逸为纵体”。 以上可以看出，“逸”的意思主要是动，不一般，从心所欲，进而就是自然而然，超凡脱俗，这样就和绘画标准中的“逸”有了联系。
从张彦远和黄休复的标准来看，逸格是神格的.最高层面的精华，神格是逸格的顶端支撑。逸格与神格有时交混在一起，不是截然分开的。宋代苏轼在《书蒲永升画后》中记载唐代画家孙位画水“尽水之变，号称神逸”，“神”和“逸”二字是并用的。明代董其昌在《画旨》中说：“画家以神品为宗极，又有以逸品加于神品之上者，日出于自然而后神也。此诚笃论，恐护短者窜入其中。士大夫当穷工极妍，师友造化，能为摩诘而后为王洽之泼墨，能为营丘而后为二米之云山。
乃足关画师之口，而供赏音之耳目。”足见最为推崇士大夫画、并有“精工之极”一派画“殊不可习”，因“其术亦近苦矣”言论的董其昌，也认为“神品为宗极”，丝毫没有小瞧之意。明代高濂在《燕闲清赏笺．论画》中说：“唐人主画，庄重律严，不求工巧而自多妙处，思所不及。后人之画，刻意工巧，而物趣悉到，殊乏唐人天趣混成。>>余自唐人画中赏其神具画前，故画成神足。”这也就是说，“逸”和“神”是不可分开的一对范畴。 虽然明代唐志契在《绘事微言》中提出了“清逸，有雅逸，有俊逸，有隐逸，有沉逸”五种偏冷的“逸”，但是我们从唐代朱景玄，张彦远和宋代黄休复三家的“逸”中感受到的多是超脱和自然之意：朱景玄的“逸品三人王墨、李灵省、张志和”，王墨用“泼墨画山水”。“>>应手随意，倏若造化。”
辛灵省则“画山水竹树，皆一点一抹，便得其象，物势皆出自然。”张彦远相当于“逸”的自然品是，“夫失于自然而后神，失于神而后妙，失于妙而后精，精之为病也，而成谨细。自然者为上品之上>>”黄休复的“逸格”是：“拙规矩干方圆，鄙精研于彩绘。
笔简形具，得之自然。莫可楷模，出于意表。故目之曰逸格尔。”
在论到“逸格”的唯一画家孙位时，说他“性情疏野，襟抱超然”，“天王部众，人鬼相杂，>>鹰犬之类，皆三五笔而成”。我们从这三家中不难看出是儒道两家思想交织在一起的，此时没有强调道家的“静气”而是强调“自然”和“动”，我们更能感受到汉代儒家思想笼罩下的绘画面貌热力感强的意味。
从唐以前的工笔人物画实迹看，可以说线色基调上是热系统，如汉代帛画大红大绿透着热感：顾恺之的《洛神赋图》、《女史箴图》、《列女仁智传》等色彩虽然不多。但暖绢的背景使得这些画也呈热貌。只是唐代之后才逐渐偏“冷”，如五代以顾闳中《韩熙载夜宴图》为代表的绘画虽在色彩上更加丰富，但冷色运用的面积很多，和唐代的绘画相比总体倾向偏于“清丽”，之后的绘画色彩倾向基本如此。清代的大画家兼理论家恽南田在《南田画跋》中对“逸”从热变冷的过程作了描述：“不落畦径，谓之士气；不入时趋，谓之逸格。其创制风流，昉(始起之意)于二米，盛于元季。泛滥明初，称其笔墨，则以逸宕为上，咀其风味，则以幽淡为工，虽离方遁圆，而极妍尽态，故荡以孤弦，和以太羹，憩于闽风之上，泳于泬寥之野，斯可想其神趣也。”
随着唐代以后山水画的整体崛起，“逸”品也由评人物画转到了评山水画。宋代米芾在《画史》中说：“董源平淡天真多。唐无此品，在毕宏上。近世神品。格高无与比也。”苏东坡则提倡“萧散简远，妙在笔画之外”。元代的大画家赵孟頫提倡复古，但元代的钱选、黄公望，王蒙，倪璜、吴历等还是继承了这种“士气”的审美观和绘画风格。被认为“逸品”代表画家的倪瓒说：“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳。”把笔简形具的文人画推向了顶点。及至清代，障南田在《南田画跋》中所形容“逸品其意难言之矣，殆如卢敖之游太清，列子之御冷风也。”此时文人超凡脱俗观念中带有“清冷”之意的“逸品”为首，神、妙、能居次的排列法已经被确立起来，对整个绘画的格调尤其是工笔画格调偏于“冷逸”的影响至今，而使工笔画表现当今火热而异彩纷呈的生活有不便之处。
我们当今应深层次地探索工笔画的历史原生态，更本质地理解这一民族传统文化载体中的丰富内涵，更准确地把握绘画本体的发展，进而，面对当今火热而丰富多彩的生活能够大胆追求、放手表现。
篇9：CorelDRAW绘制人物工笔画美女人物教程
在上一节的实例中，我们学习了工笔花鸟画的制作技法，接下来我们使用另一种绘制方法来制作一幅工笔人物画，人物工笔画画面线条简练，人物造型趋向写实风格，立体效果虽然并不特别突出，但层次分明。画面整体色彩淡雅，虚实结合，带给人一种柔和淡雅的美感。如图7-36所示，为本实例的完成效果。
图7-36 本实例完成效果
7.2.1 技术提示
实例在制作时，要注意把握人物轮廓的准确性、画面的层次感以及整体色调的关系。整个绘制过程可以划分为两个环节，分别为制作人物整体轮廓和添加细节。绘制人物轮廓时，一般使用“贝塞尔”工具绘制路径，在下面的实例操作中，还加入了“手绘”工具绘制路径的技巧。细节刻画是提亮画面的有效手段，在本实例中，清晰可见的发丝，眼睫毛，眉毛等细节刻画，体现出了工笔画的特有的手绘效果。如图7-37所示，为本实例的制作流程。
图7-37 本实例制作流程
7.2.2 制作步骤：绘制人物轮廓
(1)运行CorelDRAW，新建一个空白文档，参照图7-38所示设置页面大小。
图7-38 设置文档
(2)双击工具箱中的“矩形”工具，创建一个与页面等大且重合的矩形，并填充为土黄色，如图7-39所示，
图7-39 绘制矩形并填充
(3)使用工具箱中的“贝塞尔”工具，参照图7-40所示绘制人物头部和身体轮廓图形，并填充颜色。另外读者可以执行“文件”→“导入”命令，将本书附带光盘Chapter-07“人物轮廓.cdr”文件导入至文档中使用。
技巧：在绘制人物头部和身体轮廓图形时，可以使用“手绘”工具，在其属性栏中设置“手给平滑”为50。绘制图形然后使用“形状”工具，框选所有节点在其属性栏中依次单击“转换直线为曲线”按钮和“使节点成为尖突”按钮，对图形进行编辑调整图形。
图7-40 绘制人物图形
7.2.3 制作步骤：刻画人物头发
(1)将绘制的人物图形轮廓色均设置为无，然后参照图7-41所示绘制头 廓图形，接着使用“交互式透明”工具，为头发图形添加透明效果。
图7-41 绘制头发图形并添加透明效果
篇10：CorelDRAW绘制漂亮的花朵工笔画效果
先看看最终效果图：
1.勾出大致的轮廓
2.给花瓣填充颜色，顺便按一下小键盘的+号复制一个，底层去掉轮廓 ，顶层轮廓转为对象(CTRL+SHIFT+Q)，用形状工具F10将轮廓处理成工笔画的笔触.
3.用交互式网状填充工具处理花瓣的虚实，使其更像工笔画的效果，(我处理得不好，网状工具其实和形状工具是一个道理，可增和删节点，选中节点右击色板，暗部填深于底色的色，亮部填淡于底色的色，网格节点顺着花的形状而调试，这是个细活，慢慢来)
4.依此方法，画出其它部分，看看局部，还是有点像工笔画的效果，呵呵，没白费工夫
完成图.由于没那恒心，做得不好，我相信各位有恒心，肯定能做出很好的作品
呵呵，我不善言语，有的地方肯定没说清楚，还请见谅，在此谢谢版主和各位昵友的支持，
篇11：试析唐代工笔画的表达与传播论文
试析唐代工笔画的表达与传播论文
摘要 本文从传播的信息源、传播渠道以及受众等角度分析了唐代工笔画的主要特征及其对东南亚地区的绘画的影响。
关键词 工笔画 表达 传播 媒介 符号
工笔画是一种有着独特魅力的中国传统艺术形态，它的表达与传播渗透着艺术传播的独特过程和状态，值得我们去认真研究。工笔画是中国绘画艺术当中的传统画法之一。相对于“写意画”工笔画用笔工整细致，敷色层层渲染，细节刚彻入微要用极细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。
一、从传播者发出的信息源来看，唐代工笔画的身份都较特殊
唐末，宫廷里设立了画院，罗织名家，培养专业的画家队伍，这给工笔画的创作内容带来了不同的变化。其创作内容大多反映贵族们的生活状况，以一个生活场景作为创作内容。其中，我们可以看出，不同的个人经历、思想动向、学识涵养等等都将直接决定作画者选择的题材和内容。不同的生活圈子的人不可能创作出超出本阶层的作品，而他传达给受众的不仅是他的作品内容。品画者也许可以从画作中推测出作画者本身的经历和所处的环境特征、以及他的性格和学识品性。“阎立本(601～673)，雍州万年(今陕西西安)人，大约656年阎立本代阎立德为工部尚书，又凭其门第和政治才能，于668年出任宰相。其传世作品有《步辇图》、《历代帝王图》。《步辇图》描写唐太宗接见文成公主的吐蕃使臣；《历代帝王图》描绘从汉昭帝至隋炀帝13个帝王之像。在作品中，他对不同人物的身份、气质、仪态和相互关系，表现得十分精到。人物主从关系处理为主大从小，容貌神态有着肖像画态度。”我们设想如果他不是朝中大臣，也许就根本不会知道唐太宗接见文成公主的吐蕃使臣当时的情景，当然就不会创作出这样的作品；如果他不是朝中大臣，也许他根本就不知道皇帝的威严和常态神情如何，当然也不会创作出这样的名画了。而如果让阎立本创作一个老农的劳作情景，也许他就很难把握住老农的举止神情了。由此可见，一个人的生活环境对其的创作有着十分重要的影响。
二、工笔画传播渠道多样，载体多样，流传范围广泛
工笔画的传播载体有许多种类。如，古代的扇子是另一种最常见的形式。唐代妇女大多都会有团扇，而团扇上或者便是一个工笔画女子，或者便是家禽宠物；屏风也是一个重要的载体，唐代的官邸中有很多摆设是一个大屏风，而屏风上或者是富贵的牡丹花，或者是一幅趣味图等等；壁画也是重要的载体，留传至今的敦煌莫高窟中精美绝伦的许多画作，不仅传播了重要的佛教思想，而且展现了唐代工笔画的精湛技术，工笔画的传播载体多种多样，虽不及现代大众传播的手段，但在古代社会通过多种生活日用品也传播的很盛。
三、唐代工笔画的受众依然是贵族阶层，而非大众
中国的工笔画几乎只是文人雅士、宫廷贵族的`专利品。唐朝流传下来的工笔画作一般都是一些达官贵人、或者是宫廷里的一些专职画家。例如，边鸾就是十分出色的花鸟画画家，他本身的出身就很显贵，官至右卫长史。它的画作以善于设色而闻名于世。“精于写生，妙于设色，下笔轻利，用色鲜明，把唐代花鸟画提高到一个新水平。”而一些民间的画家虽然也有画作流传，但其影响都不及当时处于主流地位的宫廷工笔画的画作。工笔画的欣赏群体大多也只是文人雅士，宫廷贵人，而民间的平民却鲜少有众多的受众群。 工笔画的传播和传承方式也几乎都是直线式。工笔画作为一种符号，早就在唐朝发展到繁荣时期并一直传承至今，不断有发展，不断有创新。自古至今，我们总是强调继承传统。工笔画的代代相传，不仅在技术传承上有许多中国特色，而且还不断突破。它们的传播方式即使在不断的变化，但根本的东西却基本未变。“以张萱和周仿为的代表的唐代工笔仕女画对后世的影响很大，特别是后期的周仿以其“周家样”的绘画样式影响深远。可以说。唐代各阶段，包括文人和官员之间师承关系的各阶层这种师傅带徒弟、代代相传的具体方式，才是唐代工笔仕女画传播和影响的根源之一。同样，外的派人来学和派画家交流以及带画买画等方式也如师傅带徒弟一样有效地传播了唐代工笔仕女画的影响。”这种直线传播的方式在中国传统的手工艺活动中尤其见的比较多。这种传播方式在古代的中国社会代代相传，虽然保证了其艺术精髓的纯正性，但是除非徒弟有着非凡的创作性，这样的传承方式一般都是较死板的技术传授，在历史上看来，中国许多艺术种类发展突破都较缓慢，而且从长期的保存和传承方式上都不利于其发展，一旦发生意外，这样的传承方式必将遭到毁灭性的破坏。
工笔画作为一种传播符号，无论是对作画者来讲，还是观众来讲，都有着各自不同的意义。绘画作为符号传播，必然有其意义，在具体的社会传播活动中，参与或介入进来的并不仅仅是符号本身的意义，还有传播者的意义、受传者的意义及传播情景所形成的意义等等。工笔画虽然比较能够直观准确的表现事物，但有时由于每个人的主观经历，想法不一样，自然会阐释出不一样的东西来，甚至是与画作表达意思相反的意思来。
四、唐代工笔画的传播对于东南亚周边国家的绘画发展起到了一定的推动作用，同样，对于我们现代社会来研究唐代的民风民俗也提供了直观的材料
唐代工笔仕女画传播到海外的影响，中国周边的国家几乎都有，但以日本和朝鲜最大，“自七世纪以来，多达十数次的遣唐使的频繁往来，日本在学习中国文化的同时萌发、形成了日本独自的美和美的心灵”，因此在18世纪的江户时代产生了“日本的美人画”。唐代朱景玄在《唐朝名画录》中记载：“贞元末，新罗国有人于江淮以善价收市数十卷，持往彼国”。朝鲜方面具有明显特征受唐代工笔仕女画的影响程度。薄松年在《中国美术史教程》中说“日本高松冢壁画仕女亦酷似张萱、周仿的风格。
而今，工笔画对现代社会的研究起到信息解码的作用。任何一种艺术形式不仅可以反映画者的思想情感，也会表现出一个民族，一个社会，一个时代的文化心理氛围和人文风俗。而人们要了解古往人们的生活情景，除了从文字书籍找到相关的记述外，工笔画中的服饰、建筑、饰物等，就成为人们了解彼时人文风情的最直观，最直接的途径了。比如，透过画中妇女的服饰体现出大唐天宝年间不同种族、国家间的相互交流和融合以及各民族之间在风俗及服饰等方面的借鉴和吸收，可以了解到呔唐天宝时期社会开放、礼教松弛的社会现实，同样我们可以看出，唐朝时代人的衣着雍容华贵、性感大方的特点。现代许多服装设计师都将目光回转到古代社会，从古代各朝各代的服饰寻找灵感。如前几年流行的唐装上，我们可以明显的可以看出它便是借鉴了唐朝贵族服装上的圆领、团花等多种元素。
工笔画作为一种画科，它的多种研究角度还有待进一步探究，但从传播学的相关角度来考察，工笔画不再是过去的文化遗产，即使现代工笔画也在发展，但它的应有价值应当被重新定位，从传播学上来讲，它的多种价值在现代社会正在不断浮出水面。它的传播效应我们通过以上的分析，也许可以稍稍缕出它的广泛传播范围和价值。
篇12：我和工笔画的不解之缘600字作文小学三年级作文
我和工笔画的不解之缘600字作文小学三年级作文
“泽昊，你的画真漂亮！”每当我听到这句话的时候，想到我所付出的代价，心里就泛起一丝成功的喜悦，几许甜蜜的清波在心里荡漾。
记得那是五年前的一天，我和妈妈从学校回来，听爸爸说今天下午杏园阳光门口有画展，我便拉着妈妈的手，一路奔向那里。我远远地就看到一张张国色天香的画被挂在一根铁丝上，五颜六色的，真好看。走到近处，我不由“啊”得大叫了一声，这些画都太漂亮了！有画花鸟的，有画山水的，五彩缤纷，精彩绝伦，把我看得眼花缭乱。我心想：要是我能画那么好，那也可以参加画展了。于是，我就把这个想法告诉了妈妈，妈妈说：“好呀！你想参加画展，就必须画得好哟！”过了几天，妈妈给我到小画家报了名。以后，我开始了辛苦的学画之旅。我先后学了儿童画、综合创意画、水粉画，还有国画。
其中，我最得意的是国画里的工笔。那一学期，我还在学写意，那些学工笔的同学，已经画好了第一幅作品，看着他们笔下设色艳丽、惟妙惟肖的山水花鸟，我羡慕得不得了，心驰神往，好想学习。当这一学期快要结束的时候，老师说：“谁学了两个学期，举一下手。”我举起了手。谁知老师说：“这些同学下学期可以学工笔了。”我高兴的不得了，一蹦三尺高。回家后，我把这个好消息告诉给了爸爸、妈妈，他们都向我竖起大拇指。
新学期开始了，我也学起了工笔。老师说：“工笔需要的是慢、静、细。”第一步，先把纸贴到画板上，用铅笔起稿子。第二步，用红笔把线勾起来，要有起笔落笔，就像写一一样。第三步，要把所有的叶子用笔晕染上三、四次，晕染就是一个染色笔和一个清水笔，用染色笔染上颜色，然后立马用清水笔向外晕。第四步，给花和叶子分别添上颜色。最后一步，添加一些昆虫之类的，让画更生动。经过五天，也就是十个小时的努力，第一幅工笔画诞生了。虽然并不怎么好看，但也得于了爸爸妈妈的鼓励。
我爱画画，我更爱画工笔画。
篇13：浅谈工笔画色彩语言形式的发展与创新
摘 要：随着时代的发展，人们对工笔画色彩语言形式的认识也有大的不同和进步，本文分析了色彩在工笔画中的重要性和发展历程，也分析了现代工笔画色彩的丰富运用以及将来的发展方向。
关键词：工笔画 色彩语言形式 发展 创新
我们的日常生活离不开色彩的运用，生活正是因为有了色彩才更丰富多彩，色彩的不同会使人们产生喜怒哀乐的不同感受。那么绘画艺术，来源于生活，高于生活，画面的色彩表现更为重要，色彩影响着整幅画面的艺术效果。在绘画艺术中，无论是传统的还是现代的，东方的还是西方的绘画,色彩始终是重要的构成元素。可以想象没有的色彩的绘画将会是怎样。特别是在中国工笔画中,色彩的运用甚至引领了工笔画的发展方向，这从中国工笔画的发展史中可以看到，唐宋以后的工笔画开始走向衰落，这主要受“五色令人目盲”、“以墨为主、以色为辅”观念的影响，不重视色彩语言形式的运用就会带来这样的结果。可见色彩在绘画中运用的重要性。
从中国画历史看，重视色彩表现的工笔画曾经是中国画的主流样式，这在宋代以前的宗教画、石窟壁画、人物画、青绿山水、金碧山水及宋代花鸟画等艺术样式中都得到了充分体现。在早期的工笔画中所用的颜料主要是矿物质颜料，这是受到生产条件的限制，从而决定了早期的工笔画主要是重彩工笔画。如敦煌壁画，去过敦煌莫高窟的人都能感受到 那里壁画的震撼人心。它虽然经过风化，走过漫长的历史，但是色彩依然浑厚、强烈、丰富而瑰丽典雅，无论是人物造型、绘画技巧、画面场景都让人惊叹和敬畏。到东晋时代，植物质透明颜料出现并得到充分运用，工笔画的用色变得更丰富、细腻入微了，也就形成了工笔淡彩画，如东晋顾恺之的《女史箴图》，精细巧妙的线条、色彩的巧妙运用刻画出了人物的神采。到了唐宋时代，水色、石色融合使用，使工笔画发展得较为成熟。如唐代画家周昉的《簪花仕女图》,画中的人物形象“衣裳劲简，彩色柔丽。”（《历代名画记》），不但人物形象准确而且能揭示出人物的心里和情性。宋代工笔画达到鼎盛，宋徽宗赵佶是工笔画高手，他完善了绘画体制,促进了画院的发展，把工笔花鸟画推向高峰。到两宋以后,在“大音稀声,大象无形,五色令人盲”的古典美学思想指引下,水墨文人画全面兴起,并成为中国绘画的主流，色彩被推向历史的边缘，传统工笔画也因色彩的消失而逐渐被历史冷落。“画以墨为主,以色为辅”的论点,一直影响着中国画，使绚烂多彩的颜色一直处于弱势，工笔画也就一直停滞不前。
新中国成立后,工笔画艺术开始逐渐从衰微走向复苏。中国画持续了数百年的“水墨独尊”局面被打破,揭起了现代色彩变革。这场色彩变革是中国画传统观念的变革，是色彩语言表达形式的变革,是中国画从传统转向现代变革。进入现代改革开放的中国,受到西方文化，西方绘画的影响,工笔画的色彩语言形式的运用发生了翻天覆地的变化。色彩运用变得更加丰富、多样化、图案化、装饰化，肌理特殊技法也得到充分的运用，新材料、新颜料广泛的运用，都使得工笔画有更大的活力和发展空间,给人以耳目一新的感受和强大的视觉冲击力。这样就唤醒了人们对工笔画的重视，给工笔画带来了突飞猛进的发展。我们解开一切的理论枷锁，充分的运用色彩这一语言表现形式创作出别出心裁的艺术作品。同时一定不能丢弃我们传统工笔画中的精髓，扎实练好基本功，认真系统的研究传统卷轴画、壁画中极丰富的色彩语言表达形式，并进行发掘、研究和整理，更好的为今所用。
传统的工笔画色彩的运用理论一直影响着传统工笔画的发展。一，谢赫提出“六法”，中的“随类赋彩”。这一色彩理论的运用，虽然使画家创作了大量崇尚自然的绘画精品，但是也限制了画家的丰富想象力，使得不能那么充分的运用色彩表现自己的内心意境。二、“以线为骨，以色为肉”。这一理论使得色彩被限制在线条轮廓之中，这就使色彩在传统工笔画中处于从属地位。从而就形成了无论是画什么，总用一套陈旧的方法，先用墨勾线，再“三矾九染”。
这必然限制了画家用色造型和色彩的表现力。三、“三矾九染”式的传统渲染方式。这是由于工笔画受到使用材料的限制，仅用熟宣纸、熟绢和矿物质颜料、植物质颜料，来表现画面色彩效果。而现代的材料和颜色丰富多了，如高丽纸、皮纸、水彩色、丙烯色等等的灵活运用，都为现代工笔绘画的丰富性打下了基础。四、贬斥“丹青”，“五色令人目盲”，独尊水墨的色彩观，“先墨后色，以墨带色，为墨设色，色随墨走，色为墨辅，色依墨存”的“绘画之道”。这种传统的色彩理论，禁锢了人们的思想，使传统工笔画对色彩的运用，在唐宋以后几百年的发展中，一直徘徊不前，甚至走向了衰落。
物体是运动的，人的思想、认识、审美、情趣、运用的技术、手段、工具、材料也都随着时代的发展不断的发展、更新。传统的工笔画色彩的表现形式也必然随时代的发展而变化。当代中国工笔画正处于一个融合、吸收、创新、完善的阶段。突破传统色彩语言形式运用上的理论禁锢，古为今用，西为中用，注重色彩语言运用的创新，从而使工笔画得到更好的发展和创新。
创新才是艺术的生命，守旧成为工笔画发展的绊脚石。随着时代的发展，新事物新气象的展现，人们的思想观念也不断发展变化，人们对斑斓的色彩追求也更加强烈。不少画家纷纷呼吁在传统工笔画中运用斑斓的色彩，体现出现代工笔画丰富、深厚、绚烂的色彩特征。中国工笔画要走向世界，与世界接轨，色彩语言形式就是一个切入点。在色彩的运用上，我们可以借鉴西画色彩在画面上的处理和运用，为传统工笔画的色彩增添营养，从而创造出新的色彩运用形式和表现技法。
我们还可以吸取传统壁画和民间工艺美术中和艺术设计中的平面构成的表现方式，追求新的构图形式和色彩表现形式，创造出既有民族性又有创造性，还有装饰性特点的现代工笔画；在色彩的处理上，运用色彩构成原理，使人们产生独特的视觉感受。从而给工笔画创新带来了新的启示，表现出独特的意境。譬如丁绍光的绘画就是色彩构成充分运用的结果。
画家经过美术院校造型基础和色彩修养的学习，获得了前所未有的写实再现能力。由于他们对色彩表现技巧的熟练运用，借助工笔画这个表现方式，使绘画的艺术形象表现达到极致，形神兼备。譬如何家英、王美芳、赵国经的作品使人惊叹。画家在色彩的运用上具有很高超的写实技法，使工笔画的写实表现达到极致并具有很好的审美功能。
我们追求色彩创新，并不是为了追求高超的表现技巧，更重要的是我们通过色彩的运用充分表现自己的内心情感。色彩能使人的情绪发生很大的变化，因而色彩的运用是画家内心感受的表现。画家在工笔画中的色彩运用中，重要的不是“随类赋彩”，而是善于“随情赋色、随意赋色”。也就是说，画家要按照自己的内心感受灵活的运用色彩。“色彩应当是思想的结果，而不是观察的结果。”（这是高更的话），绘画不应该是照搬照抄现实中的色彩，那样照相机能做的更完美。更重要的是用色彩来强调自己的思想，反映自己的内心感受，表达自己的心情，表现出心中的意境。绘画作品中色彩的个性化、理想化，能使鉴赏者通过画面的色彩直接体会到画家的独特心境，从而产生共鸣。所以我们在绘画中对色彩运用应该是不局限于现实的色彩，不受传统色彩观念的影响，更多的是创新，思考怎么运用色彩最能表达自己的内心世界。
最终我们还是要把色彩的表现形式建立在现代中国文化精神之上,我国有五十六个民族，各民族在生活中色彩的运用是极为丰富的，我们的绘画创作也应该是多彩的，具有民族特色、时代精神的色彩语言形式。总之,我们继承传统色彩语言形式的同时，又应该敢于打破传统，勇于借鉴其他艺术表现形式,创造出具有自己独特的色彩表现形式的艺术作品，使中国工笔画的表现语言日趋发展完善,表现领域更为宽泛,更具有时代精神特征,才能使中国工笔画得到创造性的发展,具有强大的生命力。
参考文献：
[1]王伯敏.中国美术通史.济南：山东教育出版社.1987年版.
[2]于非闇.中国画色彩的研究.北京：人民美术出版社.1961年版.
[3]采苹.蒋采苹文集.北京：中国文联出版社.版.
篇14：浅谈工笔画色彩语言形式的发展和创新论文
浅谈工笔画色彩语言形式的发展和创新论文
我们的日常生活离不开色彩的运用,生活正是因为有了色彩才更丰富多彩,色彩的不同会使人们产生喜怒哀乐的不同感受。那么绘画艺术,来源于生活,高于生活,画面的色彩表现更为重要,色彩影响着整幅画面的艺术效果。在绘画艺术中,无论是传统的还是现代的,东方的还是西方的绘画,色彩始终是重要的构成元素。可以想象没有的色彩的绘画将会是怎样。特别是在中国工笔画中,色彩的运用甚至引领了工笔画的发展方向,这从中国工笔画的发展史中可以看到,唐宋以后的工笔画开始走向衰落,这主要受“五色令人目盲”、“以墨为主、以色为辅”观念的影响,不重视色彩语言形式的运用就会带来这样的结果。可见色彩在绘画中运用的重要性。
从中国画历史看,重视色彩表现的工笔画曾经是中国画的主流样式,这在宋代以前的宗教画、石窟壁画、人物画、青绿山水、金碧山水及宋代花鸟画等艺术样式中都得到了充分体现。在早期的工笔画中所用的颜料主要是矿物质颜料,这是受到生产条件的限制,从而决定了早期的工笔画主要是重彩工笔画。如敦煌壁画,去过敦煌莫高窟的人都能感受到 那里壁画的震撼人心。它虽然经过风化,走过漫长的历史,但是色彩依然浑厚、强烈、丰富而瑰丽典雅,无论是人物造型、绘画技巧、画面场景都让人惊叹和敬畏。到东晋时代,植物质透明颜料出现并得到充分运用,工笔画的用色变得更丰富、细腻入微了,也就形成了工笔淡彩画,如东晋顾恺之的《女史箴图》,精细巧妙的线条、色彩的巧妙运用刻画出了人物的神采。到了唐宋时代,水色、石色融合使用,使工笔画发展得较为成熟。如唐代画家周P的《簪花仕女图》,画中的人物形象“衣裳劲简,彩色柔丽。”(《历代名画记》),不但人物形象准确而且能揭示出人物的心里和情性。宋代工笔画达到鼎盛,宋徽宗赵佶是工笔画高手,他完善了绘画体制,促进了画院的发展,把工笔花鸟画推向高峰。到两宋以后,在“大音稀声,大象无形,五色令人盲”的古典美学思想指引下,水墨文人画全面兴起,并成为中国绘画的主流,色彩被推向历史的边缘,传统工笔画也因色彩的消失而逐渐被历史冷落。“画以墨为主,以色为辅”的论点,一直影响着中国画,使绚烂多彩的颜色一直处于弱势,工笔画也就一直停滞不前。
新中国成立后,工笔画艺术开始逐渐从衰微走向复苏。中国画持续了数百年的“水墨独尊”局面被打破,揭起了现代色彩变革。这场色彩变革是中国画传统观念的变革,是色彩语言表达形式的变革,是中国画从传统转向现代变革。进入现代改革开放的中国,受到西方文化,西方绘画的影响,工笔画的色彩语言形式的运用发生了翻天覆地的变化。色彩运用变得更加丰富、多样化、图案化、装饰化,肌理特殊技法也得到充分的.运用,新材料、新颜料广泛的运用,都使得工笔画有更大的活力和发展空间,给人以耳目一新的感受和强大的视觉冲击力。这样就唤醒了人们对工笔画的重视,给工笔画带来了突飞猛进的发展。我们解开一切的理论枷锁,充分的运用色彩这一语言表现形式创作出别出心裁的艺术作品。同时一定不能丢弃我们传统工笔画中的精髓,扎实练好基本功,认真系统的研究传统卷轴画、壁画中极丰富的色彩语言表达形式,并进行发掘、研究和整理,更好的为今所用。
传统的工笔画色彩的运用理论一直影响着传统工笔画的发展。一,谢赫提出“六法”,中的“随类赋彩”。这一色彩理论的运用,虽然使画家创作了大量崇尚自然的绘画精品,但是也限制了画家的丰富想象力,使得不能那么充分的运用色彩表现自己的内心意境。二、“以线为骨,以色为肉”。这一理论使得色彩被限制在线条轮廓之中,这就使色彩在传统工笔画中处于从属地位。从而就形成了无论是画什么,总用一套陈旧的方法,先用墨勾线,再“三矾九染”。
篇15：当代工笔画的构图形式与情感表现论文
当代工笔画的构图形式与情感表现论文
0引言
工笔画在唐宋以前是中国画的主流，它的发展几乎与绘画的起源同步。从最早的战国帛画开始，到魏晋南北朝的文人画家完善发展，成为延续至今长达两千多年的画派画风。从晋唐细密臻丽、灿烂求备的华贵的仕女画，到宋代栩栩如生的花鸟小品，工笔画逐步发展完善，达到很高的审美境界。可是从宋代出现文人画和写意画开始，工笔画开始出现由盛而衰的转折，到了明清时代文人写意画鼎盛阶段，工笔画就只屈居配角地位了。随着时代的发展以及西方美术教育的普及，当代工笔画家在继承传统的基础上广泛借鉴国外现代艺术的长处，工笔画从题材风格到形式风格方而都发生了巨大变化，也形成了日益繁荣的当代工笔画。可是因为过分追求画而视觉效果，构图形式单一，地域差异不明显，导致很多工笔画作品在形式上严重趋同，创作缺乏个性。而绘画创作如果过分强调技术和技巧，必然牺牲情感为代价，当代工笔画创作中普遍出现思想苍白，情感空虚，只重技巧，精工制作却不能感动人的作品。所以，当代工笔画创作中值得我们重视的问题，就是如何提高工笔画构图形式与情感表现，提高画家的艺术修养和审美素养，只有这些如何能更好地提高工笔画构图形式与情感表现，是当代工笔画创作中最值得重视的问题。只有真正重视这个问题，才能提高画家的艺术趣味和艺术鉴赏力，创作出高格调的工笔画作品。
1构图的形式美
中国画的构图，也叫章法或布局，在国画六法中称之为经营位置。历代画家对于构图都十分重视，唐代张彦远说“至于经营位置，则画之总要。”（张彦远《历代名画记》）明代李日华也说“大都画法以布置意向为第一”。可见构图布局在绘画的重要性。构图的形式美在于对画而的精心布局，要遵循主次分明，对比均衡，虚实相生，动静相衬的构图原则，并服从主题，让画而呈现韵律和节奏，形成对比和谐的形式美。创作出有意味的形式的构图，就是对画而的巧妙运用，是理智的创造。只有观赏者乐于接受你的作品，画家的立意便获得了成功。画家通过构图形式来表达他的思想，探索自己独有的艺术语言，从而达到形式上的表现力。例如潘天寿在构图上运用了很多具有现代审美意味和抽象表现主义的因素，通过诸如倾侧动势、倚斜撑平，平而分割，四而包围，气脉开合等形式手段，将绘画中的各种因素都融合到画而的`组织结构之中。正如热论艺术中说道：现代人越来越多地生活、立意上创新，还依靠新的构图形式美感，创造出新的艺术形式来感知世界。照相机之所以代替不了绘画的表现，就是因为绘画中的构图、线条灯形式是艺术家在自然物的基础上高度概括、提炼出来的，并非照搬现实。齐白石、马蒂斯笔下的色彩不是自然界的色彩，它是艺术的再创造。是构图的形式美、色彩、线条的和谐，是情感的再现。但是艺术不仅仅是形式和技巧，画家还应该深入生活，观察生活，在生活中发现美的形式，创造出充满生机与活力的有个性的构图形式，即形式的风格化。这也是当代工笔画创作的最终目的。要达到这个目的，画家就要在处理传统与创新，个性与艺术素养的美系上下功夫，努力探索精神与理念的视觉语言。因为艺术语言反映精神性，只有新颖的艺术语言更能翻一个艺术的个性化创造，艺术家的任务就是发现，创造出新的艺术形式。富于艺术个性是现代绘画的终极目标。艺术家要在自己的作品中呈现深刻的丰富的个性首先是艺术家自己要有独特的个性特征，就是最后体现在作品中的独特的审美观念。艺术家要保持自己的独特的思维能力、判断能力与审美感受能力。其次在处理传统与创新、艺术家个性心理与文化修养的美系上应强调艺术家的个性，结合传统和文化修养，使艺术作品更加鲜明、丰厚深刻。创造一个充满生机与活力的既变化发展又始终如一的个性语言，即形式的风格化，是当代工笔画发展的最终目的。要达到这个目的，画家要在坚持表现个性基础上形成自己深厚的个性语言。构图形式没有固定的格式，它是一种创造。以形式给题材新的意义，又表现了作者个性，哪怕是旧题材，也可以有新的形式表现。如云岗、龙门石窟艺术的境界很深，我们的认识和古人不一样，但是我们可以有新的体会。这一切都是形式美感所创造的艺术形象的魅力。诚然，我们不能一味地强调构图形式的表现力，而忽视艺术的内容和社会教育意义。在注意构图形式的探索时，不能忘记艺术的现实意义和作用，艺术一旦脱离时代和生活，艺术家闭门造车，只关心形式、技法制作，这样的作品注定是没有价值的。所以，我们要在构图形式等技法探索时，不仅要强调自己的主观感情，还要把描绘客和物象和抒发主观感情融为一体，充分发挥构图形式的独特性。
2工笔画的情感表现
艺术家离不开情感，没有情感就没有艺术。情感因素在工笔画创作中渠道推动力量的作用。苏珊・朗格说“所谓艺术品，说到底就是情感的表现。”画家最大的特点就是情感丰富，所以在而对客观对象的时候，通过视觉感受和情感因素产生联系，把客观对象演变成书法情感的表现媒介物。触景生情，借助构图形式等工笔画语言表现，把作者的情感融入其中，充分利用各种技法、材料、营造出既富于艺术运维又具有形式美感的审美艺术语言。例如，八大山人笔下的鸟、鱼，其“白眼看青天”的形象便是画家孤傲于浊世的愤礴心灵写照，是情感的再现。工笔画创作的素材来自现实生活，但并非照搬现实，更不能照相机般机械描摹，一方而要依赖现实生活提供的素材，一方而又要拜托对生活的过度依附，把最具有代表意义和最精彩动人的素材经过艺术加工，引起情感的激荡，思维的启迪，产生一种特殊的感受。并把这种感受与素材在自己心灵中重新组合。将情感倾注于富于思想性的艺术形象中，从而使生活情感升华为艺术情感。例如，宋人的小品画尽管只描写了人的生活和自然的片段或局部，但并不缺乏整体性和独特性。这些作品的素材，虽然平常，其微妙之处也很容易被人忽视，由于画家细心观察，发现了平常事物的潜在之美，加上画家的细心和敏感，智慧的创造，构成了巧妙的动人形象。这是画家的情感和对象的特点相互交融产生的结果。因而构成了独特动人的艺术境界。工笔画发展到现在，对技法的研究成了很多画家的主要课题，但工笔画不应当被认为仅仅是相对于写意画而言制作精良的画种，工笔画的本质还应该是在观察自然的生活中，把自己对自然的感受，情感的流露，通过作品表现出来。而不是对生活的被动依附。把现实生活提供的素材早自己心灵中重新组合，把自己的情感投入到艺术形象的创作中去，从而把生活升华为艺术情感。工笔画还应该具备时代特征的构图形式美。具有情感丰富的高格调工笔画。艺术家的审美体现，都源于对客观生活的体验，源于对自然生命形式的美注。从现实生活获取艺术创作的动力，强化自己的艺术个性特点，使构图形式多样化，在作品中明确表达自己的审美观，并把这种观点付之于构图形式，丰富的情感等内在艺术精神之中。
3总结
本文通过工笔画的构图形式和情感表现进行研究，在强调精神性的基础上，强调发扬中国传统的形式精华，发扬神形兼备，注重现实性，赋予当代工笔画新的构图形式，并通过这种新形式表现东方绘画的情感因素，即心象和物象的统一形成的具有时代气息的意境之美，让这古老的画中焕发出新的生命和活力。只有这样创造出真正具有艺术价值的具有时代性的构图形式和富于情感的工笔画作品，使工笔画走向更自由的空间。
篇16：说课稿
一、 说教材分析
纸是日常生活中常见的，也是孩子们十分熟悉的材料。《纸的观察》这一课是科教版“科学”三年级上册五单元“纸”的第一课时，主要由三个部分组成：
第一部分：观察一张白纸。学生已经掌握了一定的观察事物外部特点方法。在这一部分就要引导学生对一张白纸的外部特点进行多角度、多方法的观察描述。学生在相互倾诉、互相交流的过程中，丰富和调整自己的理解，自主构建新知识。
第二部分：是比较两种不同的纸。当观察完一张白纸，面前出现另一张不同的纸时，学生首先想到的是进行比较观察，这时，观察方法也进行了递进。在此环节纸的色泽、光滑度、厚薄、软硬等性状是学生认识的主要方面。其中。比较纸的厚薄不仅仅是用手摸，还引入了测量的方法。
第三部分：是观察纸的纤维。从不同纸的不同点自然引入相同点-----纸纤维。把纸撕开来，观察撕开的纸边，就能发现毛茸茸的纤维。再把纸揉成团后展开，用放大镜观察纸面。这些很新鲜的观察活动会激发学生不断的拓展观察事物的方法。对于新的发现学生会产生新的想法和问题，并将引导他们进一步探索，为下一课——造纸打下基础。
二、说教学目标
1、认知目标：让学生观察、认识纸的基本特征，知道纸是由纤维组成的。
2、技能目标：引导学生运用多种感官，借助简单的观察工具对纸的特点进行观察和描述；让学生经历并理解观察、比较、科学测量等过程，学会运用科学的方法去认识周围的事物。
3、情感目标：让学生在探究过程中体验科学探究的乐趣，保持和发展探究周围事物的兴趣和好奇心，敢于提出不同的见解, 乐于合作与交流。
三、说教学重、难点
教学重点：让学生观察、认识纸的基本特征，知道纸是由纤维组成的。
教学难点：会用感官，借助简单的观察工具对纸的特点进行观察和描述；经历并理解观察、比较、科学测量等过程。
四、说教学策略
一、始终以学生为科学学习的主体，教师则是科学学习活动的组织者、引领者和学生的亲密伙伴。对学生在科学学习活动中的表现给予充分地理解和尊重。
二、主要采用观察、比较、科学测量等方法，让学生通过亲身实践，激发其好奇心与探究欲望。力求在学知识的同时培养他们探究知识，获取知识的能力。
三、指导学生在交流合作中进行观察探究，并引导他们学会运用多种感官参与学习，在生生互动中掌握知识，学会本领，陶冶情操。
五、说教具准备
白纸、牛皮纸、放大镜和直尺、一本语文书和一个笔记本。
六、说教学过程
科学课是以观察、探究为核心，为了让学生能进行细致的观察，我将本节课分为五个环节：
（一）创设情境，导入新课。
出示学生用纸制作的折纸、剪纸，然后问到：这些精美的艺术品都是同学们自己制作的，你知道它们是用什么做成的吗？一张张平凡的纸不仅能制作出精美的艺术品，也是我们的生活中不可缺少的。对于纸你想知道什么？在学生提出种种猜想后出示课题：纸的观察。这样安排，为学生提供了感兴趣、有结构的观察材料。
（二）科学探究
1、观察一张白纸的特点
在学生的兴趣调动起来后我就引导他们进入第一个科学探究活动：观察一张白纸：
（1）“今天老师给你们带来了一张白纸”，我一边拿出白纸，一边向学生交代今天的学习任务：“请大家观察这一张白纸。那你打算用哪些方法来观察它呢？”学生说出了用闻、摸、看、折、听等观察方法。这样的引入任务明确，开门见山，既节约了时间，又调动了学生的探究兴趣。再激励性的让学生估计一下自己能一口气说出多少个纸的特点。
（2）紧接着我把观察要求在大屏幕上显示出来，引导学生观察：“比一比哪个组能找到关于纸的更多的特点，把观察到的特点简单、迅速的记录下来”。于是，学生们用讨论的方法进行观察。这样做是为了让学生在观察活动中依靠任务，运用多种感官，借助简单的观察工具主动探究，找出一张白纸的十个或十个以上的特点。
（3）观察之后汇报交流结果。每人汇报完后，其他学生针对他的发言提出自己的看法进行讨论交流，然后再补充。学生们很有能力，对白纸的形状、颜色、气味、透光度、光滑度等特点进行了细致的观察和精彩的描述。我在引导学生运用准确的语言描述观察结果的同时适当的要求学生展示自己的观察方法，要看到什么就说什么，以培养学生正确的科学态度。 这样处理，学生有了足够的思维空间和时间来进行观察、思考、交流，显现出出色观察能力和表达能力！
2、比较两张纸的不同
（1）在对白纸的观察交流结束后，让学生想想是不是所有的纸都有这些特点。在他们对新问题产生好奇后出示牛皮纸“你知道这是什么纸？现在你们手里有两张纸，你会怎么观察？”引导学生说出比较观察后开始观察不同纸的不同点。
（2）学生们很有钻研精神，观察到了两张纸的光滑度、厚薄、颜色、软硬等不同点。在学生说到厚薄不同时，要求说说自己是怎么观察的。学生会说是用手摸或看。我则告诉他们两张厚薄差很多的纸可以用这些方法，那相差不多的纸呢？并让学生拿出语文书和笔记本，猜猜两种纸的厚薄，在此基础上让学生想一想用什么办法可以知道两种纸的厚薄。学生想到了分别用各自的厚度除以各自的张数，并在观察、测量过程中又产生了分别数出相同的张数，再测量出厚度来进行比较的新方法。这一环节是为了加深学生对纸的特点的认识。并通过让学生自己设计方案来比较纸的厚薄，启发学生轻、薄的物体单个不容易观测，数量多了就容易做了，让他们领会这种观察事物的思维方式，将来能迁移到其他的观察活动中去。在此环节学生们认真钻研的态度让人欣赏。
3、观察纸的纤维
在学生观察、比较了两种纸的不同点后自然地引入纸的相同点：纸纤维的观察。
首先，让学生想想：“刚才我们仔细的观察了纸的外部特点，那我们怎样可以观察到纸的内部特点呢？”学生们非常聪明，想到了撕开一小片纸观察纸边和用水把纸浸透后观察或把纸揉成团之后观察纸的表面等方法。教师适当的引导学生进行有序的观察，此时学生兴趣盎然，都积极的参与到探究活动中。先把纸撕开，观察撕开的纸边，看看有什么发现；再把纸揉成团后展开观察纸面的纤维，又会有什么新的发现。在这一环节通过让学生自己想办法观察纸的纤维，进而得出纸是由纤维构成的这一科学概念。
（三）课后延伸
观察完纸纤维后，引导学生自行总结本节课的知识：“同学们，通过本节课的观察探究你对纸有什么新的认识与发现呢？ ”最后让学生提出自己还想知道纸的其他的问题。这样处理让学生有一个交流的平台，交流观察中的发现；交流所产生的问题；交流自己对于发现的猜想，对问题的猜想。让学生始终保持强烈的探究欲，课后继续研究。课虽结束了，关于纸的探究却没有结束, 学生的思维还在继续。
七、说教学反思
课程标准强调要以培养学生的科学素养为宗旨，以探究为核心，全面关注学生在科学知识、科学思维方式、对科学的理解、科学态度与价值观以及运用科学知识和方法的能力等方面的发展。本节课我力求体现新课程的特点，重视学生亲身经历科学探究过程。那就是在教师的引导下，学生自主、独立的观察、探究，在此基础上和小组成员进行多方位的交流、讨论，交流观察方法，交流观察结果，讨论不同的看法，讨论不同的做法，相互影响，相互学习，培养了学生的.合作探究的能力。在全班汇报时，观察方法的展示，对观察结果细致准确的描述，不凭自己的想象发表意见等都无不体现了这一主题，培养了学生正确的科学态度。并且，学生所用到的观察方法都是他们自己平时的积累和创新，比如：如何比较两张厚薄相差不多的纸，如何观察纸的内部特点等观察方法，并依靠自己的观察方法得出了准确的科学概念，也发展了学生的创新能力。教师没有强加任何东西给学生，只是起到一个引导的作用。由此可见，科学探究要在观察中进行。
在这节课上，学生的表现很精彩，作为教师的我若能积累更多的教学经验，具有更多的教学智慧，我相信我的科学课堂将更加精彩！
★说课稿
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