以下是小编为大家准备的齐白石的篆刻艺术论文，本文共14篇，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。
篇1：齐白石的篆刻艺术论文
齐白石的篆刻艺术论文
摘 要：在齐白石的艺术中，篆刻占有重要位置，齐白石一生刻章不计其数，他甚至认为自己在篆刻上的成就不亚于绘画。通过解析齐白石印作技法，分析齐白石篆刻风格，研究齐白石学术刻印历程，整体评价齐白石的篆刻艺术。并略带探讨其艺术与人生之精神。其在绘画艺术上的成就，无疑确立了他在近代中国文化史上的地位；而篆刻与书法，不相伯仲，相辅相成，共同成就了他和谐统一，极具个性色彩的艺术风貌。
关键词：齐白石；篆刻；艺术家；印文；章法；刀法；篆刻风格
中国传统文人画家大多具有集诗文、书画、篆刻艺术于一体的技艺结构，齐白石就是这样一位诗、书、画、印修养全面的艺术大家，他一生坚持治印不辍，以“三百石印富翁”自号，其实其篆刻创作远不止“三百”。篆刻是艺术家的心画，印文是心迹的表白，齐白石的一生刻印时间长，数量多，他把不同时期的生活感受发而为书画，也镂之于金石，把齐白石的三百石印排列开来就是一部与他的生活史并不完全相同的心灵史。这些篆刻印文是白石老人生活感悟的心语，充满感叹也富有智慧，记载了他不同时期的思想感情变迁与心灵转换。
齐白石是现代的篆刻家，印风纵横奇肆，苍劲剽悍成一派，影响极大。他能书擅画，成就极高，书推崇徐渭、石涛、八大山人，创积墨为叶，红色为花，间以工笔飞虫点缀之法，画鱼虾生动之极，画名倾倒南北，篆刻更是“为前人所不为者”，遂开“齐派”成为一代宗师。
齐白石30多岁开始研习篆刻，研摹浙派丁龙泓、黄小松两家印谱，并以治印入手摹习钟鼎篆隶文字。齐白石的篆书艺术特色在于他的画家字风格，古代篆书体大多讲求用笔起引皆圆，行笔藏锋无起收之迹，保持中锋，粗细均匀，这是先秦乃至汉唐篆书的基本风格倾向。齐白石的篆刻，34-43岁仿浙派丁敬、黄易，43岁后改学赵之谦。约50岁后，一面学赵，一面上溯秦汉玺印；居北京后，又喜秦权、将军印，约70岁至72岁，才形成自己的`独特风格。
齐白石27岁始学何绍基书，41岁时在北京得李梅痴指点，改写魏碑，此后长期写《爨龙颜碑》①。同时，他还学金冬心、李北海。64岁所书《借山吟馆诗草》，用金体。此外，他还写《天发神谶碑》、《三公山碑》等②，其中这两碑对齐白石篆刻有重要影响。《天发神谶碑》的结体与笔法全由此碑变化出，彼此在风格上都属于方劲瑰伟一路。《三公山碑》为篆书，属“缪篆”，介于篆隶之间，乃汉印中多见的字体。它的笔画由秦篆的圆转，变为方折，风格苍劲茂密。
1930年至1933年四年里，齐白石刻印约700方，仅1930年-1931年就500余方，其数量之大，实在惊人。这些作品，已完全脱离对赵之谦乃至汉印的模仿，树立了自己的风格。1933年-1934年（癸酉、甲戌）齐白石刻印更多。但以自用印为主。1934年以后的作品，大致沿袭了已经成熟的风格，不曾有大的变化。从已确知年代的作品看，总趋势是愈往后愈平直、单纯，愈自然、随意，愈刚劲、痛快。
中国艺术研究院美术研究所藏一薄本《白石草衣金石刻画》印集，收46方小印，其中多所谓“金丝式”朱文名章，工整秀丽，似赵之谦工细一路风格，如“齐白石”、“齐伯子”、“木居士记”、“借山老人”、“无党”等。另一些白文印如“频生发福”、“闲止”等，刀法圆厚，字体端庄，则近于赵之谦另一路风格。
齐白石篆刻风格形成与他早年的木匠生涯有很大的关系，他早年以刻印为生，再早雕刻木器花饰，斧劈刀砍的长期实践造就了他的腕力、眼力以及对于木刻金石气息的感受。治印是方寸之间的艺术，齐白石的篆刻能突破点画形体本身的束缚，从整体章法考虑，大胆变换、拉大疏密反差，动中求静、险中求稳，最终形成自家风格特色。在篆刻艺术风格上，齐白石“不知有汉”、“胆敢独造”，突破明清文人篆刻的“书卷气”与“金石风”，形成了自己浑厚粗犷、潇洒苍劲、自然而又不失神韵的艺术风格。齐白石刻印大都是一刀下去，绝不回刀，如同用笔一样，本初挥写、随缘成迹，讲求刀感与石味，从不修饰，保留泼辣率真之感。
齐白石有言：“能在不求似中得似，方能显出神韵”④。这是他一直以来热爱自然、亲近自然的性格所成就的。所谓“蔬笋气”就是自然之气。这种“蔬笋气”不仅表现在他的艺术中，也一直存在于他的为人处世中。齐白石一生与世无争，淡泊名利，对于政治怀着一种疏远的态度，齐白石认为当官对于自己简直是受罪，坚决拒绝。为了表示自己与官场的绝缘，他曾刻了一方“白石书屋不出公卿”的印来自勉。
从“泡翁”印，“王準”印看出，齐白石在线条组织的深度上有着自己的习性和胆略。他善于加厚并边及大块留红使其印面显得气势盈满，具有强烈的视觉冲击力。对于印面的挪让处理，他娴熟老到，很注重印面章法中的冲和畸正、遥先呼应。齐白石为人称道的代表作“人长寿”印，篆法上横画层层排叠，此起彼伏，有应接不暇之势，他在笔画的粗细、距离的大小等方面极尽变化。其中“寿”字的一长竖由上到下，直灌到底，更有一种顶天立地的伟岸之美，章法上的疏朗得宜，使印面活脱起来。同时为了使边框和印文字浑然一体，他在“人”、“长”二字的竖线上
篇2：篆刻知识
篆刻知识精选
汉字的构造
汉字主要有六种造字法：指事、象形、会意、形声、转注、假借。
篆刻知识：〖章法・布局〗
篆刻的章法布局，是根据印文和印面进行构图的。前人在这方面作了很多探索和实践，形成了许多固定俗成的章法程式。纵观历代印学典籍，归纳起来，共有三十法，基本概括了前人已经尝试并获得很好艺术效果的章法程式。当然，随着印学的发展，也会有新的章法产生。
〖对比法〗
此种方法就是将印文在疏密和朱白上形成鲜明的对比，扩大印文所占的空间矛盾，使疏者更疏，密者更密，朱者更红，白者更白，产生较强烈的对比感觉效果。如吴让之的“攘之”白文印，作者就利用这种布局方法。“攘”字本来笔画多而密，却将其所占的位置略作缩小，“之”本来笔画简单，所占的空间位置却比“攘”字大，这就形成了强烈的疏密对比，获得了很好的艺术效果。
〖对称法〗
这种方法就是使印在疏密、虚实上作对称处理。它可以有斜角对称、左右对称、上下对称、交叉疏密对称等。如郭尚先的“兰石石简”一印，就是把笔画多的“简”与“兰”二字和笔画少的“白”与“石”二字，分别作斜角对称处理，并以笔画代替边框，形成了“密不容针，宽能走马”的构图意境。
〖借用法〗
这是使印文中上下两字相同部分的形体相同部分不重复的一种处理方法。可以把下一个字或上一个字形体相同的部分写成“=”或“:”,以避免印文的形体重复造成印面单调、呆板。如叶路渊“日日新又日新”一印，就采用了几处借用方法。
〖挪让法〗
这是打破印文笔画均衡占据印面的一种处理方法。笔画多的字，使之宽，笔画少的字，使之窄，使印文顾盼有情，向背相对，于平板中见生机。如汉印“颍川太守”,即是左右挪让。其它还有上下挪让、斜角挪让等。
〖穿插法〗
这也是打破印文均衡占据印面的一种处理方法。可根据字的笔画特点，空白多少，互相穿插，以达到整体的紧凑、生动、美观。如蒋仁的“小蓬莱”一印。
〖欹正法〗
这是以不平正来求得平正的处理方法，可以让字形东歪西扭、上俯下仰而达到“柔中带刚，活而不乱”的艺术效果。如宁斧成的“阳刚”一印。
〖夸张法〗
这是故意夸大或缩小印文的一种处理方法。可以将印字的某些笔画或构件伸长或缩短，加粗或缩细，字体放大或缩小，给印面带来不板不滞的艺术效果。如齐白石的“澹容轩”一印。此法多用于单数字的印文处理。
〖连字法〗
连字法又称文字嵌合法，这也是对单数印文的处理方法。可将印文中的两个相邻近的笔画少的字连在一起，占据一个字的地位，以取得整齐的效果。如吴昌硕的“泰山残石楼”一印，将“泰山”二字嵌在一个字的位置上。
〖并画法〗
这是对多笔画印文的一种处理方法。一些笔画较多的印文，可将某些笔画作适当的合并，合并后应仍然使人看得出原来的笔意，又叫并笔。这种处理，即克服印面的繁杂呆板，又可获得含蓄的艺术效果。
〖移位法〗
这是对文字偏旁部首的处理方法。对某些印文，可以根据异体字的写法，将一些偏旁部首适当移位，左右结构的字可以左右对调位置或变为上下结构；上下结构的字可以上下对调位置或变成左右结构，使印面新鲜、活泼、均衡。但一定要合乎“六书”,不能随心所欲，凭空臆造。
〖变体法〗
这是对重复印文的处理方法。印文中有重复的字，可以将其中的一个改用不同写法的字，以打破印文的重复雷同。但不能随心所欲地杜撰，应不超出法度为准则。如叶路渊的“日日新又日新”一印，中有三个“日”字，采用了借用和变体两种方法进行处理这三个“日”字和两个“新”.
〖留空法〗
这既是对单数印文的处理方法，又是对笔画少的印文的处理方法。一些单数的印文如果不采用夸张手法来处理，就可采用此法，留出空白。一些笔画少的字，如果不宜采用挪让法，也可任其留出空白，以取得印面的虚实对比效果。
〖借边法〗
这是对笔画较多而且多为包围结构的字的处理方法。可以借用边框来作为印文的靠边的笔画。
〖代边法〗
这也是对笔画较多且多为包围结构的印文的处理方法。可以用印文的靠边的笔画代替边框，这些笔画即是边框，又是印文的笔画，身兼二职。
〖增减法〗
这是对笔画多或少的印文的处理方法。对笔画过多的印文可以适当减少笔画，又能使人看得懂原来的字。对笔画过少的字，亦可增加笔画。但增减应有根据，不能凭空臆造。
〖粗细法〗
这也是对笔画多或少的印文的处理方法。一些笔画较多的字，笔画可以略细一些，笔画过少的字，笔画可以略粗一些，但差别不宜过大。这种构图可以增加印面起伏，富有节奏感。
〖朱白法〗
也称朱白相间法或阴阳相间法。这是处理印文笔画繁简的一种方法。有些印文笔画繁简悬殊过大，为了获得均衡匀的效果，将笔画繁的刻成白文，笔画简的刻成朱文。朱白相同的印文一般是对称的，或左朱右白，或上朱下白，或对角交叉朱白。这种处理方法，可以使印面朱白均衡，造成一种和谐感。
〖边界法〗
这是对印面进行疏密、虚实对比和造成整体统一的处理方法。朱文印一般要加边框界格，白文印一般不加边框界格。白文印字形方正、印面饱满的一般不加边框界格；字形不方正的，印面不饱满的可加边框界格，与笔画平行的边框界格可以是残缺的，与笔画不平行的边框界格不宜残缺。
〖图衬法〗
这是对印文较少而印面充足的处理方法，一般用于斋馆、别号或闲章印，也有用于姓名印的。图案衬托文字，图文并施。图案与内容的意义应尽量吻合。可将图案安排在印文的一侧、两侧或四周。这种章法处理，能使屯面含义携永，生动美观，别具一格，有较好的艺术效果和装饰趣味。
〖均布法〗
这是按印文笔画的多少而平均分布笔画间距的方法。平正一路的印章常用此法，其特点是笔画多为横平竖直，笔画的间距与宜细基本相同，转弯处多作九十度角，斜笔多作四十五度角。用此类方法刻出的印有多种不同的风格。或平实朴持，平中得韵；或方圆相济，较为流畅；或方圆适中，较为工整；或方正平均，较为板滞。
〖呼应法〗
也是空白布局的一种方法，就是留出一定的空间，互相呼应，从而产生节奏韵律感的一种方法。处理好印章的呼应，能使印章的虚实、疏密对比更明显。呼应不是简单的重复和机械的对称，而应富于变化，又能统一，富于动势，又能平衡，天然浑成。呼应可分为左右呼应、上下呼应、对角呼应、交叉呼应、错落呼应等几种。
〖独秀法〗
即在某处独自留在空间，与布局的印文作虚实强烈的对比。与呼应法的纯粹的留空法是有区别的。不同之处是呼应法即虚对虚、实对实，留空是单独留空，不需要呼应。独秀法是虚与实相对比。此法运用得当，可产生不对称的平衡和富有动势的章法。其艺术效果犹如一花独放，挺秀于绿叶丛中。如齐白石的“惭愧世人知”印。
〖方圆法〗
运用方圆线条的形式美来对印方作方中寓圆，圆中含方的处理方法，并使方、圆对比相衬，又呼应得法。可增加章法上的生趣，以救板滞之失。如古印“赵太子丞”印、“阳青已”印及“良菟”印等。
〖俯仰法〗
一字中笔画与笔画或一印中印文与印文，作成向下俯与向上仰相呼应之势，从而求得文字结构或章法布局的生动紧凑。如汉印“牙门将印”.
〖屈伸法〗
这是根据章法上的`需要，而将带弧势圆转处的印文作“屈”法或“伸”法处理，屈者带方折屈曲势，伸者取直势，以求全印章法上的变化统一。作屈伸法处理印文要符合“六书”,不可随意取巧，多加屈伸，以免造成错字，弄巧成拙。如“尹未央印”中的“尹”字作屈法处理；“郝巳”印中的“巳”字作伸法处理。
〖大小法〗
这是指印文字体大小的一种处理方法，即将印文作大、小的对比处理，求得章法上的虚实疏密呼应，从而产生节奏韵律感。如吴昌硕的“陶文冲五十以后书”一印的大、小字对比，和留空错落呼应的处理，十分成功，富于节奏和韵律。
〖向背法〗
印文分别作笔势和重心作向左、背右的移动，使之产生明显的节奏和韵律感。如战国官印“都左司？”一印中的“?”字，笔势和重心偏右，“都”字偏左，“左”字偏右。这样，右边一行印文就产生“右-左-右”作向背对比，与左边的“司马”一行印文的“右-左”作向背对应，从而产生力量的抗争和节奏感的效果。
〖纵横法〗
是根据印文结构的特点，而分别作结字上的纵向拉长和横向拉宽的夸张处理。也就是说，结字长形的多作纵向拉长，长者越长；结字扁形的多作横向拉宽，扁者越扁，使之成为“纵横交错”的“纵-横-纵”式的强烈对比。如赵之谦作的“朱志复字子泽之印信”一印。
〖离合法〗
为求得印章的疏密合意，天机别启，将章法某处作分“离”,使之结构宽展，某处作“合”,使之结构团结、紧凑，从而使全印彼此制伏而统一协调。或将印文结字作离合处理，或将印文与边框作离合处理，或将印文与印文之间作离合处理。
〖残缺法〗
就是为弥补章法上的疏密、轻重、肥瘦、虚实等方面的不足之处，而作残缺印面使之变化统一的方法。印章残缺的处理巧妙，运用得当，可增加章法艺术的朦胧美和古拙美。包括印文的残缺、边框的残缺。印文的残缺是指多个平行笔画并列在一起和笔画太密集时可以用残缺法补之；边框的残缺是指圆形和椭圆形的边框需作适当残缺，或指边框粗者可作残缺，或指印文靠边的平行笔画多或长者，印框可作残缺。如吴昌硕“新陶书屋”一印。
章法，篆刻学的术语也叫“分朱布白”.文学、书法、绘画等各种艺术门类中也有章法的问题，指的是作品的布局和经营位置，或是文章的脉络、分章节段落等方面的构想。好象工匠造屋，必先审视地势，合计材料，然后才能动手施工，这个构想设计就是章法。
篆刻的章法，一般可分为布排印文、经营虚实、完善整体三个方面，通过布局表现出来。它们不但左右着印章布局的多方面的美感，还影响着作品整体的艺术性。
布排印文
布排印文，是章法中一种根据印的形状，将印文有机组合成整体的方法。印文的字体很多，从它们的形状结构来看，一般只分为两大类。其一为“就形”,印文为了适应布局的需要，内外形结构大幅变形，迁就在布局中可占范围的形状，一般成几何形，具有浓郁的装饰味。其二为“非就形”,印文的结构不迁就可占范围的形状，有的直接采用长规的书写法，笔势较舒展，有的稍作变形，以便笔画整齐。两类形状结构的不同的印文，在组合布排时，因各自的特点，可作不同的利用，产生不同的效果。
平整规矩
平整规矩，并不受印石形状的局限，印文在布局中的位置排列和笔画安排，一般都整齐而不参差。
错杂放纵
错杂放纵，并不受印石形状的局限，印文的排列自由而不拘束，往往位置错综，字与字的笔画互相穿插，时常按印文书法的可变性去应情变化字里行间的关系，布局极其灵活，突出书趣笔意，无拘谨之意。
经营虚实
虚实，在印章中是指笔画和笔画之间的空隙。前人论印中常提到的“分朱布白”,就是指经营虚实。
经营虚实，是处理印文笔画与笔画间隙二者关系的方法，它可使繁简不一的印文经过一定的调节和组合后，全局的疏密产生舒适的节奏感，在朱与白的分布方面给人不同的美的快感。
匀称
匀称，是将印文笔画的纵横间隙作较均匀的安排，通常表现在平整规矩的印文布排方面，可使布局产生平实稳重的美感。
对比
对比，是将笔画或笔画间隙的繁简对立关系十分突出地表现出来，以产生虚实相生的美感，形成朱与朱、白与白之间悬殊的差别，用之恰当，“疏可走马，密不透风”的效果能兼得于一印之中。
对称
对称，是在布排印文时将中心线两边的繁与简（笔画与笔画间隙）作基本近同的处理，使相对的两个部分在朱“的量感方面相称，以达到互相适应的效果，从而增添装饰意趣。
呼应
呼应，是将或左右、或上下、或对角部位的朱白关系作相互照应，不使某一局部的虚和实孤立存在，以此加强整体的韵律。
完善整体
一方印的布局，采用何种结构的字体较合理，以何种印文布排法为方便，用何种方法经营虚实为妥，安排完毕后，布局并没有因此而告结束，还要用各种方法去调节局部与局部之间的矛盾、局部与整体之间的矛盾，使各方面完美、和谐，获得统一。这种调节，从整体着眼、局部着手，是完善局部到整体美感的一系列方法。
协调
协调，就是在布局时统一局部与局部、局部与整体诸方面的风格，使一切处于和谐之中。首先要使字体统一，其次为笔势的统一，其三为笔画风格的统一，另外印文与印边的风格也要统一。
求异
求异，是在布局时把所遇的相同问题作不同的处理，避免机械的重复，使整体有变化，同时还可调节印文布排中的疏密问题。在一印中，叠字、相连的二字相同的部首或不同之处或隔行的相邻处的相同的字，均要有所变化以求异。
破残
破残，在古印中的出现，并非古代印人之心画，皆为长年风化之故，合理得用于布局中，可以平衡布局的虚实和重心，又可生动气韵。笔画稠密处，可作适当破残，朱白之间产生活泼感；紧靠印边与印边平行的长笔画可破残，使其通气；近印边过于空旷，可用少量大小不同的残点加实，以平衡整体的虚实。
增损
增损，是汉代印人处理私印布局的重要方法之一，增其简者，损其繁者，使同一印中印文繁简差距缩小，使布局产生匀称、对称、呼应等虚实方面的美感。
相间
相间，就是在一方印的布局中同时使用朱文和白文，繁者为白文，简者为朱文，用以调节虚实关系和平衡重心。在朱白相间的印章中，朱文笔画的间隙要与白文笔画的粗细相似，白文笔画的间隙要与朱文笔画粗细近同。
移位
移位，是移动印文部首原定位置的方法。在不违反六书原理的原则下，移动字的某一部首位置，使诸印文形体阔狭相互适应。
挪让
挪让，是通过伸缩印文的占地范围或移动印文位置，以完善整体布局的虚实和重心。
巧拙
巧拙，是从印章布局的整体角度出发，将印文的笔画作不同的取势，以达到布局生动的目的。巧拙方法的要点，关键在于用巧不过于妩媚，用拙不流于怪野。
伸缩
伸缩，是根据印文布排和虚实经营的需要，将印文笔画作不同的伸缩处理，使局部和整体融于一体、气势贯连。
镶合
镶合，就是将二字或镶嵌或一体，或合连在一起。镶合成一体的两个字，在语法中必须是一个词，为一繁一简，排在上面的字一般将下面的字半包围或全包围。
回文
回文，是将印文做逆向旋转的布排，调节布局的虚实效果，汉代大多用于四字姓名印，后来也有人把它用于闲章中。
粗细
同一印中印文的粗细不同，同一印文之中笔画的繁简不同，都属于矛盾现象，通过主观的调节，可以完善印章布局的虚实关系，使整体产生节奏。
边栏
边栏，即印章中的印边和栏格。在印章布局中，印文的布排、虚实的经营都离不开它所起的作用。因为印边的有无和粗细、栏格的不同形式，与印章布局的艺术性有着不可分割的关系。
朱文印的边、文关系：边和文的粗细一致，意在减少矛盾。
白文印的边、文关系：边的粗细和印文笔画间隙相近，布局易得典雅和谐之趣。
纹饰边：印文周围装饰图案，使印边产生华丽感。
封泥边：宽窄不一，无雷同感，皆出于自然，非匠心之物。
栏格：使用栏格，可使印章布局整齐，重心平稳，获得庄重效果。
组合边：少字印，印文笔画很简单，布局时可将每一印文加一边栏排成一印式，数印式组成一整体，有奇特感。
不用边：朱文印，印文布排成整体后，每面外沿的构成部分都存在若一定的长线条，印形以此明朗完善，可以不用印边，取其简洁之趣
篆刻的章法贵在气、势、情、韵皆备，而最终落实在，”和谐"二字上。全印不管字数多少、形状各异，都要做到团结一气，所表现出的轻重、虚实、疏密等关系各得其宜，做到疏中有密、密中有疏、虚中有实、实中有虚，气聚而不塞，势放而不乱，统一中有变化。能够在虚实疏密四个字上做好文章，章法的要领就基本得到了。章法要做到新颖独特，既有时代精神，又有个人风貌，这是更高层次的要求，值得我们花一辈子的心血去努力追求。
闲章
二字闲章
抱朴 百忍 博雅 步月 奔腾 补勤 畅神 畅怀 苍润 传神 粹美 翠微 澄怀 藏珍 常乐 长庆 春归 独醒 独乐 顿悟 滴翠 多福 达观 达智 飞雪 飞霜 扶疏 浮翠 阜康 福寿 福禄 奋击 奋发 归真 归朴 孤高 孤贞 国香 广博 广裕 瑰富 耕耘 弘毅 怀德 寒碧 寒烟 惠风 含芬 鹤寿 华旦 华英 合欢 厚福 鸿福 鸿祯 精诚 居德 济世 静观 隽雅 寄情 极致 吉祥 吉庆 锦绣 嘉祥 旷达 空翠 乐道 乐天 励精 流辉 流风 R云 兰馨 兰芝 烂漫 灵犀 灵慧 龙升 龙光 龙虎 龙凤 妙境 妙善 墨痴 墨缘 墨趣 墨狂 梦蝶 鸣谦 鸣翠 墨韵 弄月 凝霜 清旷 清心 清真 清芬 清暑 清阴 清梧 求索 琼枝 谦和 鹊喜 庆祥 仁寿 守拙 神德 慎独 慎思 尚志 舒畅 舒扬 素澹 素秋 随风 随缘 书缘 师心 升恒 肃慎 天趣 天香 天祉 天禄 听雨 听月 听涛 图强 腾飞 踏浪 无我 无逸 万福 万寿 五福 舞翠 心画 洗心 逍遥 笑傲 馨远 雪浪 雪影 薰风 啸风 衔月 写心 祥瑞 祥祯 戏浪 雄飞 养拙 养真 养性 怡心 雅趣 雅集 云龙 云游 吟雪 吟秋 吟风 幽馥 逸翮 真纯 真趣 制怒 致远 造极 醉墨 醉舞 争春 早芳 祝福 中瑞 正祥 至诚 贞仁 逐鹿
三字闲章
不容易 抱赤心 碧连天 白玉脂 伴君醉 常无欲 春之声 催春回 德润身 德不孤 达心志 道无穷 道心清 得天趣 东篱菊
独暄妍 度秋声 蝶恋花 奋则勤 龟鹤寿 广陵涛 观沧海 华而实 翰墨缘 和为贵 寒彻骨 唤春归 金石寿 静者安 净无尘
江南好 解语花 将进酒 苦寒香 乐逍遥 陇头春 凌云飞 R云竹 凌云志 梅花雪 穆以温 满庭芳 南山寿平芜碧平常心
癖於斯 庆云集 清且俭 清入骨 千秋月 千杯少 全无敌 强其骨 清得月人长寿 仁者寿 如椽笔 四时春 四海春 思无邪
师造化 水竹居 说丰年 少则得 守静笃 师古人 天行健 天如水 瓮头春 物外游 舞春晖 无双品 下水船 惜寸阴 惜分阴
惜秒阴 香满座 香如故 香风远 香盈袖 闲自香 雪霜枝 潇湘雨 一枝春 一段香 养其拙 艺无涯 意自如 游於艺 饮清露
欲R云 雁影遥 雁南飞
志於道 知不足 醉春风
醉歌行 正气歌 致虚极
四字闲章
百忍成金 百花齐放 百福具臻 博学笃志 博学笃行 博学济世 博学慎思 博学悠远 博古通今 博览精思 博爱向善 笔走龙蛇
笔精墨妙 笔情墨趣 笔歌墨舞 抱朴含真 抱璞藏真 抱璞守拙 把酒临风 半生若梦 冰心玉壶 冰清玉洁 碧云黄叶 白发学童
八面威风 比翼双飞 笔禅墨韵
宠辱不惊 澄心清神 澄怀观道 长乐无极 长风万里 长风破浪 长绳系日
长笑放歌 长毋相忘 春和景明 春华秋实 春风化雨 春风雨露 春风得意
春风桃李 春在天涯 春树暮云 春池洗砚 曾经沧海 诚毅和爱 诚朴雄伟
从善如流 啜菽饮水 吃亏是福 草情篆韵 彩笔R云 寸阴是竞 惨澹意匠
叱吒风云 椿萱并茂 呈祥献瑞
敦厚周慎 敦品修学 砥节励行 淡泊明志 澹定自若 澹定从容 道法自然
道履曼 对酒当歌 叠云长风 登云钓月 登高望远 淡怀卓识 达者为师
度德量力 笃行有为 笃静悟初 德厚流光 丹桂飘香 大巧若拙 大爱无疆
鸥语涛声
防微杜渐 法贵天真 风花雪月 风调雨顺 风鹏正举 风雨同舟 风雨鸡鸣
风神洒落 泛水约风 繁花似锦 飞花点翠 飞举冲霄 飞鸿越海 飞云含碧
飞黄腾达 奋发踔厉 奋图精进 敷析渊微 福域同登 福如东海 福惠双修
凤凰来仪
高风亮节 高风峻节 高情远致 高山流水 高蹈自守 高瞻远瞩 刚健中正 光风霁月 光明磊落 广结法缘 过犹不及 归真返璞
归璞返真 耕云种月 孤云雁影 公诚勤朴 格物致知 敢为人先 肝胆相照 浩气长存 厚积薄发 厚德载福 厚德载物 汉书下酒
皓月禅心 浑厚华滋 和风清穆 和风秋云 和若春风 和气致祥 惠风和畅 花意竹情 华夏龙腾 含英咀华 海运飞鹏 河山带砺
河清海晏 好学深思 翰不虚动 翰逸神飞 翰海腾龙 浑金璞玉 寒云远征 寒塘鸣翠 鹤路云天 海棠春醉 怀仁慕德 见贤思齐
俭以养德 敬慎不败 敬慎无忒 敬胜者吉 敬业乐群 进德修业 教学相长 精研覃思 精骛八极 精进努力 精思擘画 惊浪奔雷
君子无逸 及锋而试 剑气斗牛 举案齐眉 嘉文懿行 嘉福成基 九朽一罢 积水成渊 积善余庆 吉星高照 吉祥如意 锦上添花
锦羽春晖
景星庆云 境由心造宽仁厚德 开有益 困知勉行 空谷足音 鲲鹏万里
老当益壮 老骥伏枥 励精图治 励学敦行 镂月裁雪 绿玉含露 篱落疏影
龙腾虎跃 龙吟虎啸 龙兴华夏 龙翔狮吼 兰馨素室 兰馨松寿 兰馨松盛
兰风桂露 兰亭G后 兰亭韵事 兰V比翼 乐此不疲 灵芝瑞露 揽辔澄清
力争上游 力挽狂澜 俪福百益 鸾飞凤舞 柳浪闻莺 芦荡飞雪 鸾凤和鸣
莲开并蒂
眠云卧石 眠沙踏浪 敏事慎言 敏而好学 梦笔生花 妙造自然 妙笔簪花
妙法理数 梅开五福 穆如清风 墨海游龙 墨韵诗魂 民富国强 民殷国富
秒分应惜 鸣琴而治 梅鹤同春 明德惟馨 宁静致远 鸟语花香 南极星辉
鸥语涛声
平淡天真 鹏程万里 披肝沥胆 破浪乘风 普天同乐 普奏华章 培兰育桂
清风峻节 清风朗月 清芬可挹 清兴高怀 强学力行 气吞云梦 晴风暖翠
浅翠深黄 秋月春风 秋原驰猎 秋林饮露 秋露成珠 秋水素翎 千里清秋
千秋功业 千难一易 秦汉遗风 勤能补拙 勤则不匮 勤慎和 勤思会学
谦虚谨慎 琴心剑胆 卿云歌起 前车可鉴 锲而不舍 青萍结绿 群英集萃
器宇轩昂 止于至善
人弈攴 人杰地灵 仁者无敌 仁言利博 任重道远 日新其德 熔金合璧 如日中天 瑞气盈门 瑞气集门 瑞气云集 瑞彩祥云
思逐风云 思接千载 思逸神超 神游千古 神与物游 神气宛然 神气晏如 神龙腾飞 神酣笔畅 室雅人和 书为心画 书魂琴韵
书画同源 书画延年 松竹含韵 松风水月 松风雪霁 松鹤遐龄 松鹤延年 疏影横斜 适者长寿 岁月无情 诗酒余音 水到渠成
生龙活虎 审微见远 实事求是 熟读深思 审攻得当 四海升平时和岁丰 时雍道泰 世泰时丰 天长地久 天道酬勤 天朗气清
天下为公 天锡纯嘏 停云落月 苔枝缀玉 踏月寻桂 同舟共济 同登寿域 泰山北斗 推陈出新 太平盛世 为政以德 为人师表
为善最乐 温故知新 问梅消息 晚翠R寒 悟道归真 无欲则刚 闻鸡起舞 闻过则喜 万马奔腾 万事如意 万象更新 五风十雨
毋息半途 吴越同舟 物我两忘 握发悬钟 先忧后乐 心即是佛 心旷神怡 心驰神往 心慕手追 心手双畅 心随天籁 心静兴长
闲云野鹤 行云流水 行为世范 杏花春雨 晓月清香 雪Y梅花 雪乡雁迹 学海无涯 学海泛舟 学贵有恒 学造风云 潇洒出尘
息妄归真 新禧万福 向纸三日 香流翰墨 霞唤椿庭 颐性养寿 逸志不群 逸兴雅怀 游艺依仁 言为心声 一苇可航 一默如雷
月明风清 月皎林疏 幽谷鸣春 幽节孤芳 野岸秋声 远清归雁 与时俱进 勇攀高峰 勇者不惧 勇猛精进 勇往直前 永不放弃
业精於勤 云天一啸 云起龙骧 玉澜无影 语妙天下 饮马投钱 与人为善 以荣增愧 雅抱冲矜 愚公移山 艺海无涯 艺苑新声
尧天舜日 莺歌流翠 意在笔先 知白守黑 自强不息 志存高远 止於至善 彰往察来 正本清源 泽如时雨 栉风沐雨 智者不惑
智珠在握 智水仁山 战无不胜 众妙之门 众星拱北 众善奉行 中华崛起 祖国腾飞 祖国万岁 坐言起行 醉步溪月 中流砥柱
忠信笃敬 壮志R云 择善而行 钟灵毓秀 芝兰玉树 濯古来新 珠藏泽媚 珠联璧合 种德收福 紫气东来 振迅天真 真水无香
― THE END ―
篇3：篆刻说课稿参考
篆刻说课稿参考
尊敬的各位评委、老师：
大家好！很高兴能在这里和大家一起来探讨综合实践这门课程的教学。今天我说课的题目是《印章篆刻设计稿评选》。
我从五个方面说明：
一、依据现状说选题。
现代人匆忙的生活节奏及粗浅的国学知识，已很难领略到篆刻的美妙之处。作为中华儿女，有责任传承和发扬祖国的传统文化。为深入贯彻落实十八届三中会全关于完善中华优秀传统文化教育要求，实现篆刻艺术进校园，按照市教育局统一部署，县教育局组织全县中小学生开展篆刻艺术展览评比活动。通过参加活动学生们对篆刻有了粗浅的认识，并产生了浓厚的兴趣，为了使学生更深入的了解，师生讨论后确立了活动课题——《印章制作我最行》。
二、关注发展说目标。
活动目标是教育活动的起点和归宿，对活动起着导向的作用。因为本节课是中期交流课，根据学生的实际年龄特点和已有的经验水平，我整合了以下三个维度的教学目标：
知识与技能：
初步学会设计印稿，能用摹印法设计印稿，掌握与人交流的技巧。
过程与方法：
在学习小组中，能协助老师组织策划合作探究活动；积极参与小组的合作探究活动。在活动过程中，能主动提出自己的观点，在班上交流。
情感、态度、价值观：
学会印章的制作方法，形成持久、稳定的工艺制作学习兴趣，培养热爱祖国传统文化的感情和责任感。
重点：通过竞赛形式的交流互动，让学生更深入地了解印稿设计在印章制作中的重要性。
难点：指导学生根据活动中获得的材料进行创作，合理的评价自己和他人的作品。
三、讲究策略说方法。
《综合实践实施纲要》中指出：教师应成为学习活动的支持者，合作者和引导者，活动中形成合作探究式的师生关系。基于教学目标的制定和教学重难点的提出，整节课我以情境体
验，竞赛探究法为主，赏识激励等多种教法综合运用，让学生在兴趣中学、体验中学、探究中学，欣赏和感悟相互渗透，合作探究贯穿始终。
为追求显著的教学效果，我充分地利用了多媒体，让学生更生动直观地感受到创作的乐趣。
四、求实求活话流程。
下面我详细地谈谈教学过程的设计
（一）激发兴趣导新课
兴趣是学生学习最好的老师，兴趣就像小孩子玩自己最喜欢的游戏那样，它是那么的引人入胜，它能激发学生学习的内部动力。学生有了兴趣，学习起来就有奔头。在播放学生自己搜集到的印章图片时，激发他们想一较高下的兴趣，拿出自己的作品和同学们比较比较。这样的导入，既引出了课题，引领学生进入角色；又激发了学生的兴趣，诱发学生学习的欲望。
（二）各抒己见做评选
著名教育家陶行知先生说过：我们的教育，要解放孩子的头脑，让他们能想；解放孩子的`眼睛，让他们能看；解放孩子的双手，让他们能做；解放孩子的时间，让他们能学自己想学的东西。要以活动促发展，让学生主动实践，主动探索，主动创造，大胆探究，敢于质疑。真正走进生活，亲近实践。本着这一教学理念，我设计了教学的第二个环节：各抒己见做评选。展示本次竞赛活动的规则及要求。明确的目标会引领学生有效的完成任务，为后面活动的开展提供保障。
评选开始时，先在本小组内对本组成员的作品进行评选，让学生们在小范围里互相交流，提取不同的意见，修改自己的作品，推选出优秀作品参加班级的竞稿评比。每组推选出的优秀作品通过展台展示给大家，学生们由小组赛稿时的竞争对手转变成评委。在这一环节中，引导学生说出自己创作的想法，评委们也要谈谈对作品的想法以便大家共同提高。在这期间我对小评委们没有指出的需要改进的地方加以指导。最后以举手表决的方式选出了班级最佳作品。对在评选过程中表现突出的小组和个人，我将自己刻制的印章制成书签分赠给各活动小组，以资奖赏和勉励，提高学生们的学习兴趣。
这样的活动，突出综合课程的实践性、自主性、开放性、生成性，让学生学会从不同的角度去看待问题、解决问题。不仅有效地提高了学生的心智和语言素质，而且培养了学生动手能力、创新意识、小组合作能力。同时学生在合作学习中，思维得以碰撞，方法得以交流，在这开放而有活力的课堂中能力目标得到了层层递进的落实。
五、纵观全课说总结
纵观本次活动，我和学生一起走过了一段快乐的求知路。活动中，我立足于学生的现实生活，将学生的生活实际和生活体验引进课堂，并积极创设情境，吸引学生一步一步地走进活动，参与活动，并且在活动中发现、让学生在实践中获得了感受，在实践中获得新知，也在实践中形成了意识，锻炼了能力，让学生的个性在实践中得到张扬，整体素质在实践中获得提高。相信有了孩子们那份求知创新的心，我们的传统文化一定能够发扬光大，更加辉煌。
我的说课结束了，在我的说课中有不足之处，请各位评委、老师多提宝贵意见。谢谢！
篇4：艺术论文
一、艺术设计伴随着人类的生产劳动的产生而产生
就艺术设计这一创造性的活动来说，它是伴随着人类物质生产活动和器物文化的出现而出现的。它实际上就是“人类为生存而进行的造物活动，是人为实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值，因而是一种艺术质的造物”。
人类的历史是从制造工具开始的，艺术设计的历史之河也从这里发源。当人类的祖先把一块石头敲打成用来切割和砍削的石刀时，最早的设计活动就开始了，这把石刀就是最初的设计产品。这种工具的创造首先符合实用目的，同时也顾及到了用起来方便、省力，以引起主体的快感。它的制作过程具备了设计所要求的从预想、选料到加工成型等必备过程，它的功能和形式结合于一体。最早制作劳动工具如石斧、石刀、弓和箭的原始猎人，是人类第一批设计师。工具的制造是人类自我革命的开始，也是人类区别于其他物种族类的根本。我们今天所看到的最早的史前艺术品，差不多都是与人的生活最紧密相联系的工具和食用器。这些就是我们人类早期之艺术设计。
艺术设计于是随着人类文明的发展而发展，随着人类的科学文明水平的提高，艺术设计也越来越科学化，其技术性也越来越高，艺术设计逐步成为了一种有目的的创造活动，成为了协调人和环境、个人和社会、生产和消费之间的手段。
二、经济属性贯穿于艺术设计活动过程的始终
艺术设计的经济属性是它区别其他艺术活动、手工业的首要特征。
人的相互关联构成复杂的社会，社会的不断进步与发展必然导致人对物质和精神生活的追求，艺术设计通过艺术与技术相结合的创新设计，像其他社会生产力一样创造社会的物质文明。
1、经济因素在艺术设计的不同过程中具有不同的形式和作用。
从设计到实现设计的全过程中，经济因素在不同的阶段具有不同的形式和作用。
(1)设计观念的产生阶段：艺术设计需要把握设计物由过去到未来形成发展的种种相关因素，然后以创造性思维方式和表现手法使之成为崭新的设计方案。
其中的经济因素体现在对原有状态的经济价值分析、市场需求预测以及新方案的经济内容评估等方面。
对原有状态的经济价值分析，是设计观念产生的基础。
(2)设计的实施阶段：设计的实施过程指的是设计方案由图纸到生产为实体的过程，对于设计来说，是实际制作的过程。
设计在真正付诸实施的过程中，从设计物的试产、批量生产和专利保护等方面均受经济因素的制约。
(3)设计的实现阶段：设计物最终要推向市场实现其经济价值，主要是通过销售来实现的，当设计物作为商品投放市场，设计师应当及时调查市场反映和销售效果，综合反馈信息以改进产品设计和进行新的设计构思。
其中，经济因素不仅体现在设计物的综合经济价值实现的过程中，而且作为改进更新已有方案和促成新的设计方案的产生基础，经济因素也起到了不可替代的作用。
1923年，现代设计之父格罗佩乌斯将德国包豪斯设计学院的教育理念“艺术与技术的统一”传播到全世界，使设计终于打破艺术桎梏解脱出来。
而在经济与信息化的今天，我们应提倡“设计与经济的结合”，设计必须服务于经济。
2、艺术设计通过预测未来的市场需求来确定设计目标和方向。
设计具有强烈的超前性、预测性。“设计”这个概念在许多场合中，也往往被“策划”等术语代替。这意味着设计与艺术、手工艺活动都不同，它更偏重于事前的过程。在整个市场营销的组织中，设计占有引导性的地位。
“设计→生产→销售→使用”这四个环节中，设计不仅在时间上先于生产、销售活动，而且设计的市场定位合理与否，在很大程度上决定了后两者的成效。
正因为如此，设计前的活动往往比设计本身花费的时间、精力更多。
如设计前必须进行大量的市场调查，包括对厂家、消费者、竞争对手、媒体的详细调查;调查之后的数据要加以统计分析直至最后提出成文的方案、策划报告;并且还必须根据市场状况及时调整方案，以适应突如其来的变化，这就要求设计师的思考必须高度理性化和高度专业化。
科学地进行市场潜量、市场占有率及需求预测，把握设计物实现为实体后在市场中的作用和价值体现，能够使新的设计方案更加合理，更加准确地适应未来市场，并且通过预测可以得到提高和创造设计物附加价值的理论依据。
三、艺术设计与社会经济发展是相辅相成的关系
1、社会经济的发展是艺术设计繁荣的基石。
艺术设计的技术性、经济性、文化性决定了只有社会经济高度发展才有艺术文化的繁荣。
从艺术设计本身的发展来看，现代设计的起源有两个显著特征，其一是劳动的分工，其二是生产工艺的改进使得大规模生产和低消耗成为可能。
艺术设计的每一次飞跃和进步，都处在因社会分工而造成的社会经济高度发达的时期。
首先，因为社会经济发达，随着人们生活水平和自身素质的提高，人们不再仅仅满足于商品的物质性功能，而越来越重视消费过程的精神享受和审美快感，社会需求加大、人类文明和审美情趣的提高，为艺术设计提出了更高的要求并提供了雄厚的物质基础。
其次，社会经济高度发达时期也是社会观念大变革、大解放时期，为艺术设计的应用和发展提供了广阔的思想和思维空间。
知识经济是继工业经济之后的又一次革命。在知识经济时代，知识成为发展经济的主要的直接资源。在知识经济时代，设计艺术将成为人类十分主动和相当自觉的一种行为。大至建筑、环境、公共艺术、城市规划，小至食品、服饰、生活用品、劳动工具。总之，人类一切生存空间、物质和生活方式，都要经过精心而富有创意的设计。
人类将生活在一个经过了设计并不断被设计着的文化环境和文化氛围之中。也就是说，在这个新世纪，设计本身将成为人类生存和发展必不可少的一种方式，将成为一种历史沿革的文化。知识经济为艺术设计的发展提供了机遇与土壤。时代的变革，经济形态的变化，为设计艺术的创新发展将提供更为广阔的空间。作为社会经济发展的推动因素，设计艺术也必将以自身更为完善的运作体系，更好地为社会经济服务。
2、艺术设计的发展是社会经济腾飞的翅膀。
艺术设计是艺术与科技相结合的产物，艺术设计同样也是一种生产力，在推动社会经济的发展。艺术设计发展的原动力在于满足人的需求。人类在生存与发展过程中产生的欲望和要求称为需求。按照美国著名的心理学家马斯洛(Maslow)的需求理论，人类的需求分为五个层次：生理需求、安全需求、社交需求、尊重需求和自我实现需求。艺术设计的市场取向就是以满足需求、引导需求、创造需求为目标的，它的目的是人而不是物。
其次，艺术设计所带来的，不仅是精神上的愉悦与享受，更重要的是，它可以改变人们的生活方式。艺术设计是把预期目的和观念具体化、实体化的手段，是人们进行经济建设活动的先期过程。它的本质是人们对将要进行的经济建设活动作出艺术化的设想和筹划。
总体来看，这种设想和筹划是进步的，发展的，甚至是超前的。
从这个意义上，也说明了艺术设计是一种推动社会发展的动力。艺术设计促进社会经济发展的典型案例，一是以德国为代表，由国家最高权力机关设立或制定专门的工业设计部，把设计业作为国家经济整体的一部分。
二是以原东南亚“四小龙”为代表，政府直接参与设计的实施。其目的是把设计作为国家综合性经济改革的一种手段，如通过调动本地工业的多种资源激发设计，以便能在国际市场竞争中推出高附加值的产品。
这三者相辅相成，其中，工业设计对日本经济的腾飞发挥了巨大的推动作用。从各个经济发达国家的经济发展史来看，“艺术设计也是一种生产力”“设计就是经济效益”的说法并不过分。艺术设计不再是对客观世界的简单反映，它强调创造性与个性，具有化腐朽为神奇的力量。通过艺术设计，可以提高产品的科技、艺术含量，提高产品的审美附加值，从而创造出更多的经济效益。
中国加入“WTO”已经成为现实，我国的经济运动模式和产业结构更新也将因此而发生深刻的变化，改革开放二十余年，中国的设计产业发展迅猛，且设计产业是伴随着经济不断成长起来的，特别是知识占主导地位的今天，对设计产业的适时性、前瞻性都提出了更高的要求。
无论是现在或未来，艺术设计都会以强大的推动力和自身优势服务于经济的发展中，推动科技的发展和社会经济的腾飞。
篇5：艺术论文
一、片源日常多观摩
注意观摩很多优秀的影视作品，以便能尽可能多的选择，集思想性、艺术性为一体的中外优秀影视作品来给学生赏析。能及时将最新影视动态、热映影片、中外电影节颁奖典礼、时间、优秀获奖作品等穿插其中，不仅极大地丰富课程的内涵，更使课程接轨时代。挑选具有电影史上公认的具有思想深度、艺术水准、画面唯美，情节极富张力、演员表演富有感染力的主流影片和艺术片便成为观摩片的首选。
二、资料平时多搜集
影视鉴赏课的课程素材需要广泛搜集并精心准备。本人作为该课程教师，为上好这门影视鉴赏课，本人所用的影视载体均是自费购买的高分辨率的DVD光盘，从不用从网络上下载的影视资料，以避免影像快进或倒退时操作时影响上课效果，经常利用假期以及周末，淘购一些艺术性、思想性、趣味性的影视资料；其次，课程的主题和内容既要贴近学生的生活又应该高于生活，同时，也可以采用经典与流俗的作品进行对比，使学生在对比中对知识的掌握更加牢固。另外，所选教材影片做到既能兼顾“艺术经典性”与“类型多样化”，又能起到提高学生艺术修养的作用，和能发挥思想政治教育的功能。所谓的“艺术经典性””指的是，在电影发展过程中，那些具有很高的艺术水准和丰厚的精神内涵，它铭刻着民族文化的辉煌与荣耀，代表着该民族最高的艺术成就及其文明发展的历程，思想和语言深刻、技术水准高超、艺术价值久远的名家名片。艺术经典不属于一个时代，而是属于永恒。“多样化”是指影片类型的多样化和影片叙事模式的多样化。以经典艺术片作为鉴赏的范本，尽可能照顾到影片的各种类型，对于提高学生的艺术素养是不可或缺的。
三、内容讲授多角度
对于影视鉴赏课，授课所选用视频资料的主题和内容，既要与学生的生活有一定联系，同时也要高于学生生活，同时，一部电影每个人的理解是不同的，作为教师，在教和学的互动中，引导学生对某一论题展开多层面、多视角、多维度的讨论，在讲授课程中，可以对影片的内容进行多维讲授、多角度赏析，让学生在探讨中启发心智并领会电影艺术的独特魅力。并尽可能多的使同学们了解到民族的优秀文化，增强其民族自信心。比如，在讲到电影《霸王别姬》时，分别从一个主题：迷恋与背叛；两段历史：京剧的历史、中国近现代史；三角关联：小说作者李碧华、电影作者陈凯歌、演员作者张国荣；对剧中四个人物进行剖析，以及对电影的音乐、服装、化装等进行简要的分析，帮助学生能进入电影。
四、电影知识多串联
在讲课中，运用以点带面的方式，不仅仅让学生了解某部影片，还让学生对与此联系的某类电影现象和导演、演员的著名作品能有所认识。例如在欣赏戏曲电影时，首先应是学生了解戏曲的基本特点。即：戏曲歌舞化，表演程式化，角色类型化，剧种特色化等；针对进行分析；通过电影剧情、角色扮演、演唱流派、戏曲音乐等进行分析，易于理解影片内涵，做到了班级普及戏曲知识、校园弘扬民族文化、拓展大学生的艺术视野；在介绍戏曲电影的艺术形态外，可对影片中的蒙太奇、长镜头等电影语言的运用进行介绍。总之，通过赏析不同的影片，能对影视传达的历史、人文、生态、风俗等有进一步的了解，更重要的是通过欣赏老师精心挑选的影片，使学生不仅掌握影视基本知识和影视美学风格的特点，还对他们人格的塑造、品质的培养、情感的丰富都起到潜移默化的功效。
五、影视时事多引入
从电影诞生到今天，已有百余年历史，无数电影艺术家为人类贡献出了不胜枚举的中外经典电影，从默片到有声，从色彩单一到五彩缤纷，电影见证了科学技术对艺术的影响，经典已有许多，新作层出不穷。但是，由于课程性质一般作为公选课和课时的影响，单靠影视鉴赏课来进行赏析的影视作品是远远不能满足学生的观影欲望和需求的。在讲授影视鉴赏这门课时，除了影片本身致敬经典外，把握青年学生的猎奇求新的心理特点也尤为重要。除了分析经典电影、解读精彩片段外，与时俱进，与世界接轨，利用传统媒体和新媒体等掌握相关资料和信息，把经典和时尚都介绍于学生。使同学们了解同龄人所关注的话题、评论等。这些影视时事的信息介入对活跃课堂气氛，激发学生兴趣，引发电影热情，培养思想独立无疑可以起到良好的推动作用。比如，在上课中，我会引导学生了解最新的影视动态，比如世界的三大电影节的代表性电影、今年的《大话西游》、电视剧《红高粱》的播出、高仓健的去世播放《千里走单骑》等，都可以使同学们重温经典，感受传奇。
六、课堂引导多思考
影视艺术被称为“第七艺术”，融汇了文学、戏剧、音乐、绘画、雕塑、舞蹈，以及声、光、电、色彩等一系列艺术因素和科学技术成果，成为综合能力强，表现能力极为丰富、生动，审美价值极高的综合艺术形式。对陶冶情操，提高审美能力，构建健全人格，具有潜移默化、不可替代的作用。在讲课中，能感受到大多数学生对影视艺术的鉴赏停留在注重故事情节、人物命运，喜欢有头有尾的故事，追求圆满结局的中低层次上，因此培养一种与影视艺术相适应的审美眼光是很有必要的。同样一个艺术作品，不同的人鉴赏所获得的效果并不一样。我们将文艺鉴赏划分为上品文艺鉴赏、中品文艺鉴赏和下品文艺鉴赏三个层次。划分依据重在两维：一看鉴赏心理活动过程是否完整；二看鉴赏理解是否合情合理，深识堂奥，富有创造。文艺鉴赏的完整心理过程包括“直觉→体验→认识”三个阶段。“直觉”就是不假思索地感知作品；“体验”则是对作品获得初步美感之后的再理解、再确认；“认识”就是艺术享受与艺术判断融为一体后再反观作品的最高审美把握。歌德也曾将艺术鉴赏分成三个境界：一是不假思索地享受美；二是只作判断不享受；三是在享受的同时作判断，在判断的同时进行享受，并认为只有这样才能再现作品的精髓。此所谓三种不同境界，它们的关系是由浅入深、逐层递进的，实际上这与文艺鉴赏完整的心理过程基本一致，不过“享受”应该贯穿鉴赏活动的全过程。
七、课外影评作总结
影视评论是以影视作品为对象，依据一定的评论标准所撰写的有针对性的分析与评价。影视评论通过对各种艺术元素的解读，让学生享受并体验到审美的奥秘，进而由点到面、由表及里对作品有更加深刻的理解。学生的接受意识和分析理解意识是比较薄弱的，他们很容易沉迷于影视作品所讲述的故事和所营造的情境中，忽略了鉴赏这个最重要的学习过程，同时，艺术作品深刻的思想内涵和真正的艺术魅力，常常不是一下子就能领悟和把握到的，这就需要艺术批评来发现和评价优秀的艺术作品，指导和帮助大学生进行艺术鉴赏。通过影评，不但能避免这个问题的发生，而且还能锻炼学生的表达能力，可以引导学生进行道德批评、也可进行历史批评和文化批评、心理学批评等，不断提升审美能力。，教育部下发《关于推进学校艺术教育发展的若干意见》，意见要求普通高校要面向全体学生开设公共艺术课程，并纳入学分管理。有条件的学校要开设丰富的艺术选修课供学生选择性学习”。为此，影视艺术鉴赏教学应该通过影视艺术鉴赏教育培养学生感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，引领学生树立正确的审美观念，陶冶高尚的道德情操，培养深厚的民族情感，激发想象力和创新意识，促进学生的全面发展和健康成长。这一认识要伴随影视艺术鉴赏教学过程的始终，并不断深化。
篇6：艺术论文
摘要：中华民族历史源远流长，迄今为止已有五千多年的发展历史，在长期的改革与发展过程中，民族声乐艺术美学特征十分鲜明，作为中华民族艺术的重要组成部分，民族声乐艺术的表现方式呈现出多元化态势，不拘一格的表现形式将中华民族历史发展规律刻画得淋漓尽致。基于此，本文重点探究了中华民族声乐艺术的美学特征，旨在对中华民族声乐艺术美学进行系统、全面的研究，为声乐艺术美学发展奠定坚实基础。
关键词：民族声乐艺术；美学特征；探究
21世纪作为中华民族声乐艺术发展与创新的黄金时期，其美学特征愈加鲜明，一方面凝结着无数声乐艺术作家的劳动成果；另一方面集中了中国人民艰苦奋斗、勤劳勇敢的智慧与结晶。通过对中华民族声乐艺术美学特征的研究与探析，我们能够从中了解和掌握民族声乐艺术的自然特性和美学特性，有利于传统中华民族声乐艺术的科学转型和深度创新，其意义深远而重大。
1、中华民族声乐艺术的内涵阐释
中华民族声乐艺术从不同的层面分析，其内涵有所不同。从广义层面而言，中华民族声乐艺术大致可以被划分为三类：一是戏曲演唱；二是曲艺说唱；三是民歌演唱。从狭义层面而言，所谓的中华民族声乐艺术，实质上指的是符合新时期的民族声乐，也就是所谓的富有当代特色的民歌演唱，与传统的民族声乐存在必然关联，均富有民族特色和民歌气息，其艺术审美理念完全一致。中华民族声乐艺术不但完全继承了中华民族传统艺术文化元素，而且融入了西方艺术文化元素，其歌唱形式与传统民族声乐艺术稍有差异。可以说，中华民族声乐艺术具备两面特性，一方面拥有中华民族传统艺术文化气息；另一方面具备西方声乐艺术文化气息，可谓是两者的统一、集合体。
2、中华民族声乐艺术的美学研究的重要性
中华民族声乐艺术发展初期，受到传统文化的影响和制约，其活跃程度并不高。然而，儒家、道家等学派十分重视民族声乐艺术，并将其作为自身道德修养的一部分，由此将民族声乐艺术上升到了美学层面，从美学角度出发，进一步深化改革，提出民族声乐艺术改革和创新的新思路。［1］新中国成立之后，随着改革开放、对外开放步伐的加快，中华民族声乐艺术的美学特征逐渐被显现出来，并作为中华民族声乐艺术的基础特征之一，从美学层面而言，中华民族声乐艺术显得更加符合时代发展特性，并且与西方声乐艺术一脉相承，能够有机统一、结合起来。因此，中华民族声乐艺术的美学特征极其重要，作为中华民族声乐艺术实现跨越式发展的基石和保障。
3、中华民族声乐艺术的美学特征
3.1中华民族声乐艺术的情感美学特征
美学作为研究人类意识、知觉和情感的一门多元化学科，声乐同样是洞察人类情绪的一门艺术学科，自古以来，二者之间的关联十分紧密，共同丰富着人类的情感世界。《乐记》作为中国古代音乐的记载范本，部分内容阐述了音乐对人类情绪的影响作用，认为音乐是由人类根据自己的情绪所创作，也是反映人类情绪的一种主要工具。［2］音乐作为声乐艺术的核心组成部分，与诗词结合起来，实现了声乐艺术的多元化和多样性，声乐艺术实质上就是对人类情感世界的真实写照，也是人类情感美学特征的重要体现。声乐艺术之所以魅力无限，正是由于其具备两个主要因素：一是声音；二是情感。前者即就是来自音乐中的声音，通过演唱者口中所传递出来的声音；后者就是音乐、歌曲中涵盖的复杂情感要素，包含了创作者的创作情绪和生活情感等。声乐艺术的情感美学特征同时拥有抒发情感、传递感情的作用，作为创作者抒发情感和传递感情的主要途径之一。也就是说，创作者在声乐创作过程中，将自己的情感要素、复杂情绪融入其中，达到艺术美学的高度，观众在聆听音乐的过程中，可以感受到创作者此刻波澜起伏的情绪和多元化的情感要素。中华民族声乐艺术发展过程中，受到西方声乐艺术美学特征的深远影响，逐渐形成了声情、词情、曲情等美学特征，这些美学特征与中华民族声乐艺术创作息息相关，极大丰富着中华民族声乐艺术创作手段，凝练出中华民族声乐艺术潜在的情感美学要素。
3.2中华民族声乐艺术的创造性美学特征
中华民族声乐艺术除了具备情感美学特征之外，还作为一种具备创造性美学特征的艺术综合体。中华民族历史悠久，民族声乐艺术在长期的矛盾斗争和方式转型过程中，逐渐积累起了创造性美学特征。也就是说，中华民族声乐艺术始终处于创造过程。新世纪的中华民族声乐艺术，在传承中国传统民族声乐艺术的基础上，发挥出了当代民族声乐艺术的美学特征，一方面在学习传统民族声乐艺术；另一方面在创造新的民族声乐艺术。与此同时，在传承民族声乐艺术的同时，不断学习和借鉴西方发达国家和地区的声乐艺术，可谓是“古为今用、洋为中用”，不仅符合传统历史发展规律，而且呈现出鲜明的时代特性。“古为今用、洋为中用”作为当代中华民族声乐艺术创造性美学特征的主要表现方式。首先，古为今用是当下中华民族声乐艺术在作词、谱曲、歌唱过程中，完整继承传统中华民族声乐艺术固有特点，通过学习和借鉴传统中华民族声乐艺术中的精华思想和创作技巧，来丰富当今中华民族声乐艺术，突出创造性美学特征；其次，洋为中用是新时期中华民族声乐艺术作品创作过程中，不断学习和借鉴西方发达国家和地区的先进经验、创作技巧，取其精华、去其糟粕，结合我国基本国情和民族声乐艺术发展特点，将西方国家和地区民族声乐艺术作品中有用的东西拿出来，融入中华民族声乐艺术作品创作过程中去，以此来丰富中华民族艺术创作手段，突出中华民族艺术创造性美学特征，最终实现与西方声乐艺术相接轨。
3.3中华民族声乐艺术的现代性美学特征
十一届三中全会以后，中华民族声乐艺术走出国门。然而，在走出国门，实现现代性美学特征的过程中，中华民族声乐艺术作品要符合中华民族传统历史风格，符合中国当下基本国情和民族声乐艺术创作理念，在此基础上，学习和借鉴西方发达国家、地区的民族声乐艺术作品创作理念与创作技巧，坚持传统与借鉴齐头并进。与此同时，中华民族声乐艺术要继续传承和发扬中国传统民族声乐艺术典范，始终坚定不移地走中国发展道路，在不忘本的基础上，有选择性、有针对性的对待西方声乐艺术文化。唯有此，方可取得实质性的艺术创作成效，突出中华民族声乐艺术现代性美学特征。21世纪以来，中华民族声乐艺术发展速度十分惊人，其国际地位日益提升，已然成为国际民族声乐艺术领域中的主力军。究其原因，取决于中华民族声乐艺术鲜明的美学特征，充分提升了中华民族声乐艺术的美学高度，呈现出了情感美学、创造性美学和现代性美学特征，完全符合中国传统民族声乐艺术发展态势和国际声乐艺术创新轨迹。随着国际文化艺术的进一步发展和革新，中华民族艺术在传承传统民族艺术创作方法的同时，不断学习和借鉴西方发达国家和地区的声乐艺术创作技巧，丰富了中华民族声乐艺术创作方法，实现了中华民族声乐艺术创作方法的多元化和多样性，最终有利于中华民族声乐艺术国际地位的提升和美学特征的集中体现。
参考文献：
［1］刘暄、文化视野下的当代中华民族声乐艺术特征［J］.音乐探索.（04）.
［2］赵燕、中华民族声乐的审美特征探析［J］.作家，.
［3］赵金霞、我国现代民族声乐艺术的特征［J］.河南教育学院学报（哲学社会科学版）.（03）.
篇7：艺术论文
摘要：二度创作属于二胡艺术实践过程中不容缺少的重要环节，二胡艺术家们往往会结合自身阅历或者是情感认知等情况，运用科学化的技法技能就二胡音乐作品实施个性化以及多维度展现。此外，二胡演奏者们所具有的较强二度创作能力并不是在短时间内培养出来的，必须要在长时间艰苦奋斗的基础上形成。二度创作能力培养需要在扎实基本功前提下，不断积累阅历，促进艺术素养水平的提升，全面把握二胡音乐所具有的地域性以及时代性，增强二胡创作能力。本文就二胡表演艺术中的二度创作与实践展开详细论述。
关键词：二胡表演艺术;二度创作;实践
音乐一度创作属于二度创作的重要基础。从某种程度上讲，所有音乐作品都是借助音乐表演二度创作向听众展现的，然后在表演人员艺术表现力基础上引发听众们的共鸣。然而由于表演人员自身条件因素，音乐表达或者是传递期间给予听众的感受往往是不同的。具体来说，二胡艺术的音色比较柔美，且表现力非常丰富，在表现手法方面是多层次的，并因历史文化渊源受到广大听众朋友们的喜爱。因此，现阶段对二胡音乐实际表演过程中存在的二度创作进行分析研究，不仅在二胡教学方面有重要意义，而且在社会效应方面也发挥着重要作用。
一、二胡表演艺术中二度创作的重要性
从专业化角度出发，所有表演艺术发展过程中，其艺术行为可以从狭义角度划分为三个阶段，也就是创作阶段、表演阶段以及欣赏阶段。在这三个阶段当中，艺术家属于创作以及表演艺术的自然主体，而观众则属于欣赏层面的自然主体。音乐作曲家们把多种音乐素材以及创作技法进行有机，使其成为一个整体，并在此过程中融入相应的思想感情，最终创作出完整化音乐作品，该音乐创作过程我们可以将其称为一度创作[1]。而在一度创作前提之下，音乐表演人员结合自身对于相关乐谱的不同解读以及对于乐器本体技法情况的熟练掌握，借助乐曲充分表达内心情感，然后将表演人员的自身经历不断融入其中，进而表现出风格各异的表演，这种表演可以称为二度创作[2]。从二度创作的特点上来看，二度创作中的表演人员在整个表演期间不仅要充分阐释作品深层次内涵，而且要融入一定的创造性表演，使其与他人的艺术有所区别，体现艺术的个性化特征。
音乐表演是二度创作，同时也是赋予音乐作品强大生命力的创造行为。音乐表演不仅要做到对原作品的真实再现，而且要借助表演进行不断创造，就原作品实施补充以及丰富，致力于超出作曲家本来设想，加入新鲜活力，使表演艺术重焕光彩，这也是音乐表演以二度创作形式存在的本质性意义。因此，我们可以说二胡演奏人员的二度创作属于二胡演奏者对作品生命力的再次赋予，在一定程度上避免了二胡演奏生硬再现原作问题的出现[3]。实质上，二胡音乐演奏并不是对于前辈艺术家相关演奏技法以及表现情感的单纯性模仿，也不是机械朗读原作谱面，而是表演艺术家们在自身阅历、情感积累以及能力认知等条件下，就二胡音乐作品实施的个性化以及多维度的再次展现[4]。只有这样才可以充分满足相关欣赏主体所具有的多元化审美，从根本上促进二胡艺术可持续性发展。此外，二胡演奏家作为二胡音乐作品以及观众之间的重要桥梁，所发挥的沟通交流作用是显而易见的，一个优秀二胡作品只有在融入演奏人员个性化二度创作的基础上，才可以从内容层面以及形式层面进一步赋予音乐作品核心灵魂。
二、二胡表演艺术中二度创作实践
通常情况下，二胡表演艺术当中的二度创作需要经历三个阶段，具体如下：
第一，二胡表演二度创作的理论准备阶段。在该阶段，我们需要就作曲家所处于的特定化历史时代以及社会背景进行全面化了解。究其原因在于作曲家属于特定历史时代中的人，其创作往往会受到特定历史时代发展情况、社会意识以及民族文化等方面的滋润以及影响，进而在实际音乐作品当中表现出个性化的人格追求以及独特风格特征[5]。总而言之，二胡作曲家作品中一般会凝结着作曲家自身对于大自然、社会以及道德等的感受与领悟。
第二，二胡二度创作的技术操作阶段。当顺利结束理论阶段准备之后，就可以进入到技术操作阶段中去了。因二胡作曲家一般是借助旋律、复调、曲式以及和声等创作手段，实现对自然、社会与道德等感受有效融入的。所以说，在二胡演奏家二度创作过程中，创作人员必须要就乐谱旋律、和声以及复调等技法，从技术层面实施深入化分析研究，最终实现音乐作品全面化、系统化的呈现。例如，在二胡演奏曲目《二泉映月》当中，二胡演奏者应注重右手弓法的合理运用，然后选择存在音头的专业化换弓方法，也就是音头换弓，还可以叫做“传统换弓”。其特点在于所发出来的音色相对来说比较扎实质朴以及刚劲有力，能够很好地切合《二泉映月》所要表达的内涵。如果在实际工作中运用无音头换弓方法，也就是“无痕换弓”，则音乐听上去会过于华丽以及水灵，无太多的冲突感，而且爆发力也相对较弱，难以充分表达出《二泉映月》的苍凉以及刚劲。
第三，二胡二度创作的演绎对比阶段。从某种程度上讲，一部非常优秀的二胡演奏作品，必须要经受得住历史考验以及时间冲刷。当优秀作品经历了一定的时代变迁之后，往往会被具体所处该时代的作品演奏家们因历史文化因素以及人文自然因素等的影响而做出不同演绎，甚至会在同一时期内演变出差异化流派，一般表现为不同演奏人员或者是同一个时代但流派存在差异的演奏家们在对同一部作品进行演绎的时候，会表现出个性化风格特征[6]。所以说，一个较为成熟的二胡演奏家必须要在文化以及艺术不同风格或者是不同流派对比研究当中，紧紧把握作品内容以及独特化的艺术个性。然后在此前提下，二胡演奏家们再参照或者是吸收同时代不同演奏家们关于作品演奏的精华，进而发掘出自己对于音乐作品的独特感受，形成合理化的音乐演奏方案。当然，当演奏家形成个性化艺术风格的时候，应紧紧把握“度”的基本原则。该原则要求二胡演奏家们必须要就自己的独特艺术表现力与作品原始创作意图进行平衡。比如，美国音乐评论家约瑟夫巴诺威茨指出：“成功的演奏必定是演奏者的个性与作曲家的个性融为一体，而不是任何一方受到压抑。这两者之间永远需要一种微妙的平衡。”
三、结语
总而言之，二度创作属于促进二胡艺术可持续发展的重要动力源泉，同时也是构架二胡作曲人员以及听众的关键性桥梁。当二胡演奏者拥有较强二度创作能力之后，就可以增强二胡音乐作品所具有的流传度，从而充分发挥二胡艺术价值。然而，二胡演奏者所具有的二度创作能力培养属于一个长期过程，必须要具有较为扎实的基本功，并具备较为丰富的生活阅历，不断提升艺术素养，全面把握二胡音乐作品所处于的地域性特征，增强二度创作能力。
[参考文献]
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[3]季维模.三个高峰三座丰碑赏析《江河水》.《新婚别》.《长城随想》，走进闵氏博大境界的二胡艺术[J].中国音乐.2013.01:144-150+199.
[4]区洁.论歌唱表演艺术中的二度创作[J].艺海.2013.05:60-61.
[5]宋飞.关于二胡表演艺术不同演奏类型的思考——对二胡艺术20种演奏类型的区分与认识[J].中国音乐..02:42-50.
[6]宁志远.也谈二胡艺术的二度创作[J].艺海..03:50-52.
篇8：艺术论文
【摘要】中国的艺术设计兴起于对西方艺术设计的形式模仿，现如今要实现持续发展，须要发掘出内在的力量——有中国特色的艺术设计风格，可喜的是，现在涌现出的很多优秀的艺术设计作品都继承了中国传统文化的元素，不论是中国传统文化的审美风格，还是中国传统绘画的形式，都为中国现代艺术设计注入了新鲜血液，具有中国元素的现代艺术作品都成为了当今中国现代艺术设计中的弄潮儿。本文从三个方面来谈谈现代艺术设计中的中国传统文化元素：现代艺术设计对中国传统绘画技法的借鉴；现代艺术设计中的中国水墨画审美风格；中国传统文化对现代艺术设计的影响。
【关键词】现代艺术设计；传统文化；留白；线描；水墨画
一、现代艺术设计对中国传统绘画技法的借鉴
（一）传统绘画中“留白”技法在现代艺术设计中的应用
“留白”是中国传统绘画中重要的艺术手段和独特的创作形式，中国传统绘画从一开始就没有所谓规定性的视角，文人骚客作画只是兴致所至，没有空间局限，任意角度都可以对身临其境的自然景观进行描绘，在构图布局上讲究的是画面整体性的逸致和美感。“留白”灵活自由的构图方式实现古代文人画家这些作画目的。
在现代平面设计的常用技法中，“留白”与“负空间”以及“空白”这些定义频繁出现，设计师通过对整体布局、空间空白、色彩渲染、尺寸字体等使用来定位视觉焦点，从而达到突出设计主体，夺人眼球，传播设计理念或者产品特色的目的，可见留白在平面设计中是一个十分重要的设计要素。
尤其是国际大牌产品在定位品牌文化时选择的设计通常看起来非常简单，简单背后却又直击人心，形成十分高级而简约的美感。无印良品从创立品牌以来一直主张“less is more”的设计理念，这句话出自20世纪30年代的建筑师——密斯·凡·德罗，就是尽可能地简化一切加诸在产品上的装饰，讲究回到物料最原始的本来面目，反而能够发现更多、更广阔的美感，这同时也是艺术史上极简主义的艺术追求，也体现了留白给现代设计所带来的巨大发展空间。在设计中追求“简约”的美感，是通过不断地进行减法来实现的。在去掉繁复的信息叠加之后，所出现的大面积的安静的空白就是留白，留白便是“简约”的载体。
（二）现代艺术设计中的传统“线描”技法的运用
中国传统绘画艺术，尤其是国画中的工笔画，对线性思维的运用可以说达到了炉火纯青的地步，就是“线的艺术”。线条是中国传统绘画表达艺术形式的重要手段之一，并且在线条的背后有着深刻的文化内涵和意义。中国传统绘画艺术能体现出中国传统文化的特征就是“以线存形”，古代的文人墨客在作画时，线条就是他们造型的基础，娴熟且细致入微地运用线条考验了作画者的功底，进而表达深刻的情感思想。
中国现当代平面设计对线条的运用师从于中国传统绘画中的线条，采用最传统的造型技法的古朴风格运用到平面设计的风格中，别样的体现现代人对艺术美的追求。在国画和工笔画中，线条的运用早已达到炉火纯青的境界，古代画师对线描技法的运用有着一套严密而精细的手法，无论是工笔画丝丝入扣的线描，还是水墨画墨笔线条流畅挥洒，都是古代文人在作画时或直抒胸臆或婉转传情的深刻体现，能让观者在面对作品时直接感受到创作者创作时的心绪变化，表达出画家的思想感情，体现出时代的精神实质。经典的画作不论是哪个年代的欣赏者鉴赏，都能通过线条的曲折波动感受到创作者的意趣。
现代平面设计中线条有千万种的变化，曲直波折，虚实变幻，由此构成的图形世界能够更加多元化地表达现代社会人们的情感需求，具有线条感的设计作品在观者的印象中更加具有现代性，具有强烈的现代艺术形式美感的印象。将绘画中的线条融入到设计中，为现代设计打开了更高阶的大门，让现代设计具有了更丰富的表现形式。另外，将传统中国画运用线条的飘逸感到现代设计作品中，能够打上中国特色的印象，更加丰富作品的思想内涵。
二、现代艺术设计中的中国水墨画审美风格
（一）现代艺术设计实践中对中国水墨画构图和意境的运用
中国画是一种“意象”艺术，“意”起着支配作用，“象”从属于“意”，以“意”造象，一切以“意”为之。中国传统绘画的意境构成法则，也可以成为平面设计中的构成法则。悠远缥缈或情感流动的意境，通过一定的精心设计构图，变成动态的可以无限幻化的云天、岚雾、江河、池沼等，既有传统的中国风，又体现了现代艺术设计的意境感。在现代艺术设计中，画面构图的意境化，可以使画面设计空灵有生气，使有限的直观画面充满诸多想象，产生此时无声胜有声的丰富效果，满足现代人更高的精神层面的需求。
（二）现代艺术设计优秀作品中对中国水墨画虚实结合的运用
中国传统绘画，特别是水墨画的画面营造，在表面意象的刻画下，追求的是“意象之外”的意义，也即意境氛围的追求。要实现一定的意境氛围，就要通过调整画面景物的虚实关系。水墨画虚实的体现一般都是以“留白”“计白当黑”“以实观虚”等绘画理念来构成的，空白和虚景的运用能让画面更加富有空灵的感觉，也能给观者无限想象的空间。
现代平面设计的构图中，平衡好虚实关系一样很重要，实物多了，显得画面拥挤，信息太多反而过于纷杂，就要善于“实物虚化”；虚景多了，又会显得整体涣散，不能突出主题和重点，就要善于“虚物实化”，找到虚实之间的平衡点，才能实现空间上的合理安排，才能使整体画面活泼又不失重点突出，并且能营造逸致飘逸的中国风。
中国画中的水墨风格是在平面设计风格中运用得最常见也最重要的一种艺术表现形式，水墨风能够充分地运用虚实结合的艺术表现，使得要突出的对象描绘显得“似又不似”“似实而虚”，从而能在一定的意境中突出对象的神态。现如今涌现出很多优秀平面设计作品在营造意境时都采用了虚实结合的艺术表现手法。
三、中国传统文化对现代艺术设计的影响
（一）中国传统文化内涵在现代艺术设计中的重要性
在现代社会中，设计风格的取向可以说是现代潮流的风向标了，设计所涉及的层面非常广泛，诸如色彩、工艺、材料等，设计作品通过这些物料的选择取用，能透出更深层次的一个时代人们的审美追求的潮流、生活方式的改变、价值观念的更新等上层建筑的建设。
中国传统绘画是经得起时间检验的经典艺术，其背后悠久而深厚的文化底蕴，是现代艺术设计取之不尽的源泉，同时也是现代设计获得具有中国特色风貌的文化宝库，能够让中国设计在世界文化领域占有一席之地。
（二）中国传统文化精神在艺术领域的发扬光大
中国传统绘画充分体现了中华民族的文化内涵与特色，创作者以独特的东方视角以及审美思维来充分阐释了中华民族的文化特色。水墨画、工笔画等国画吸收了中国传统文化的精髓，充分体现了中国传统文化细腻、追求人的.内心世界开掘的精神，国画中对于意境的追求、力透纸背的画法等都能够为艺术设计者提供更多的设计灵感。
中国传统绘画所体现出的独特的审美风格体现了东方文化的内涵价值。中国传统文化中的儒家文化精神——天人合一的自然观、礼治精神与人本精神等，使现当代中国艺术家和艺术设计者得以在世界艺术舞台崭露头角。
篇9：艺术论文
摘要：研究动画艺术创作对萨满文化传承的重要意义，从作品入手，在研究萨满文化的起源和内涵的基础上，深入挖掘萨满文化的特点和精髓所在，把理论应用于实践，创作具有萨满文化内涵的动画原创作品，利用动画这种特殊的表现手段，研究和推广萨满文化，从根本上做到对萨满文化的延续和传承。
关键词：动画艺术论文
随着科技的发展和观众欣赏水平的日益提高，人们对于动画片的要求也日驱增高，目光不仅仅停留在影视作品的观赏性上，更追求于影片的文化内涵，所以各国的艺术家们，都开始立志于寻找既能提高作品的文化内涵，增加影片的娱乐性，且又能最大化增加影片的经济价值的方法。艺术家们发现，把民族文化融入到艺术创造中，不仅仅能够很好的宣传本国的传统文化，使作品有一定的文化背景，同时，又有坚实的观众群，降低了作品的推广难度，增加了其经济价值。如今，民族文化俨然成为了各国推广自己的名片，也成为了各种艺术表现的代名词，所有的文化产业都想以民族文华为基础宣传和推广自身品牌。影视作品中，萨满文化作为民族文化的一部分，对于艺术创作的影响是巨大的。把萨满文华融入到动画作品中也成为动画行业中重要课题。
一、萨满文化艺术的历史起源
原始萨满文化艺术，是远古的先人们与大自然博弈时创作和积累下来的经验，更可以说是一种生存的智慧，是人类和自然共同生存和进步过程中的一种总结性的文化，是远古先民们特有的美感和灵性的文化遗留。在远古时代，先人们对于自然和宇宙的认知较少，对于自然灾害的抵御能力也较低，所以人们容易把把自己的个人意愿与信仰结合，认为生老病死和欲望的满足都依靠于神的旨意。在漫长的历史时期，人们信仰古老的文化宗教——萨满教。萨满被人们认为是北方民族的精神信仰，坚信他能将人的愿望与意志相互传达。人们借此来表达内心的愿望和期许，是一种精神上和感情上的寄托。
二、萨满文化的内涵
1、萨满文化是原始文化和北方民间文化的共同产物原始先民们对于自然和宇宙所表现出来的敬畏之心，从而不断的探索和发现，形成了萨满教特有的文化观。从史学的角度看，萨满的一些唱词、神话记载了大量的民族起源、风土人情、文化交流的信息，在萨满祭祀过程中，音乐、舞蹈贯穿始终，用北方民间的音乐和舞蹈，通过自己的表达方式，表现对于神的敬畏之心和记录文化信息。2、萨满的观念传承北方民族精神之魂萨满强调集体意识，在过去时代北方民族的灵魂所在。那个时期大家都讲究集体意识至上、个人服从集体，弘扬了集体精神和顽强的生存意识。满族的先世女真族，建立渤海地方政权、建立金，最后建立了清代统一政权。是萨满集体意识的集中体现，所以我们说，萨满的观念是传承北方民族的精神之魂。3、萨满是人们崇拜大自然的一种集中体现北方人民在不断探索和发现大自然神奇奥秘的同时，把自己对大自然的喜爱和尊敬之情寄托在萨满文化中，把自然视做生命的起源，是人与物赖以生存的母亲。自然给予了他们光和热，给予了他们生活所必须的食物，他们对于自然的感情是向上的，故而萨满是一种正面且积极的文化体现。
三、原创动画短片《萨满鼓》中萨满文化人与自然的和谐共存
萨满文化博大精深，但是其中的对大自然的崇拜和希望与大自然和谐共存的理念是萨满文化的主要精神支柱，是先人们对于自然的敬畏之心，是不断探索大自然以后，经验的总结，是人类智慧的升华。
(一)崇拜和敬畏大自然是萨满文化的核心
人类作为大自然最优秀的产物，在不断的探索和发现中，人们认为，人类可以和大自然和谐共处，相互依赖且相互并存，以萨满文化中的崇敬自然的朴实的崇拜观念为基准，创作作品《萨满鼓》，作品中萨满神化身变作鹰、鹿、熊、鹿、鱼五位神灵，在人们遇到灾难时，为人们祛除灾祸，成为了人与自然的保护神。随着时间的推移，对于神的崇拜深入人心，更加依赖人们信仰的神明，是人类美好愿望的实现者。
(二)体现人们期望远离灾难，向往和平的美好愿望
黑暗笼罩着大地，人们彷徨失措，此时，闪电闪过，飞鹰破空而出，萨满神降临，鼓声震天，萨满神伴随鼓声舞动，世界变得明亮而又温暖，人们开始高呼，一起舞动身体，之后萨满又化作一只雄鹰、野狼、雄鹿与海鱼后，拯救了自然灾难中的人类。驱赶灾难，是和平的象征，给人们带来安定。
(三)作品体现萨满的核心文化观念
萨满艺术充满了无穷的神秘性，受萨满世界观的主宰，其中的动物和植物，是人类与自然沟通的使者，作品《萨满鼓》很好的诠释了萨满的世界观。
1、敬畏自然的力量作品《萨满鼓》源于旧石器时代，无可预测的自然环境，危险时刻发生，但是那时的人类生活和生产基本上都依赖于大自然，自然的馈赠人们无可替代，自然的灾害又不能避免。所以人们崇拜于自然的博大的同时，也更加敬畏它。当人们遭遇灾难时，会因为恐惧而变得手足无措，从而需要精神崇拜来支撑信念，萨满鹰神的出现，给予了人们想要的，赖以生存的能量，他舞动太平鼓，给人们带来了希望，人们有了这样的信念支撑，对于自然的崇拜，才能更好的和自然相互依存。
2、图腾崇拜图腾崇拜是原始人类在捕猎的情况下，见识了动物或者植物的能力，崇拜于动物或者植物的神奇力量，希望与它们一样，充满力量，无所畏惧，人们开始把这些动物或者植物看成自己精神的寄托，寻找能够代表本民族的图腾象征，希望自己可以与图腾上的动植物一样，变得勇猛无畏。萨满被看做是人类信息的传达者，是与神明传达自己愿望的使臣。鹰有高超的飞行技巧，拥有令人敬畏的外形和强悍的捕猎手段，所以萨满被称为鹰的化身，可以完成人与神沟通的重大使命。作品《萨满鼓》的故事背景来自于满族创世神话《天宫大战》，是阿布卡赫赫命令神鹰从天空飞来，用翅膀上的羽毛给人类带来的光和热，带来了生存的希望，最后鹰是萨满的第一护卫神。在萨满教中把鹰看做是火、光明、生命的象征，因此，满族有崇拜鹰的传统，并且把鹰作为民族的图腾文化加以崇拜。至今在满族萨满隆重的祭祀中，依然有鹰、熊、鹿等醒目的民族图腾作品，他们被人类看做是人类的信仰，是人类崇拜的具象的图腾文化，具有特殊的文化涵义。
四、运用动画这样的特殊表现形式促进萨满文化的传承
(一)萨满为代表的传统民族文化融入动画艺术创作中
萨满教是一种融合了戏剧、音乐、诗歌和寓言的神圣综合艺术。萨满文化中包含了品种繁多的萨满舞蹈和感染力极强的萨满音乐。在萨满祭司活动中，萨满舞蹈和音乐的结合，气势恢宏，有很好的渲染效果。通过动画的艺术形式表现萨满文化，是对萨满文化新的诠释，是传统文化与现代文化完美结合的产物，动画的表现形式多样，且不受环境和制作的限制，能够更为玄幻的诠释萨满神明的意境。
(二)通过动画特殊的表现手法，创作富有萨满文化的原创动画作品
萨满教神话故事是人类社会初期阶段意识形态的产物，其中最为著名的创世神话《天宫大战》、《尼山萨满》等。这一类创世神话故事向我们展示了在宇宙中，是如何创造天地，创造人类的。讲述了宇宙开始，善与恶，真与假，生与死，明与暗的交叠。《天宫大战》中宏大雄阔的气势，天真质朴的想象，鲜活生动的语言，优美动人的情节，拥有着自己独特的艺术魅力。随着社会文明意识的提高，又有一系列的优秀作品出现，例如：《红罗女》、《两世罕王传》、《金兀术传》等。萨满的寓意明确，且具有很强的文化指向性，内容深邃，在萨满文化中有很多奇幻的寓言故事，可以把这些神话故事利用动画这种富有张力富有表现力的艺术手段表现出来，创造一系列富有萨满文化的原创动画作品。
五、结论
萨满文化最为我国的一项传统的民族文化，在我国北方有着深厚的群众基础，是推动人类发展进步的信念支撑，是北方民族信仰的开始，是先人们对于自然和宇宙的不断探索的精神和智慧的结晶，是我们北方民族文化的重要组成部分。由此可见，萨满文化是一个民族的文化核心，其中音乐和舞蹈的表现形式，可以很好的融入到动画创作中，且动画的表现形式多样，制作的过程中受限的部分较少，利用动画的这一特性，将萨满文化和动画创作相结合，能够创作出不一样的艺术效果，是动画创作和民族文化相结合的全新尝试。
参考文献：
[1]王宏刚.于晓飞.《北方萨满文化》.四川文艺出版社，.3.161页.
[2]景超.萨满信仰的文化学诠释.满族研究.2007.32页.
篇10：艺术论文
一、两省风景油画艺术风格的差异性
（一）绘画选材的不同
由于风景油画的本身特质所定，即创作主体对地域环境的一种真情的传达与表现。因此，不同的创作主体在进行风景油画创作时，一般会选择自己熟悉的且有情感倾注的地理环境来进行艺术歌颂，这也就形成了不同地域风景油画的选材不同。黑龙江省是中国位置最北、纬度最高的省份，气温较低，冬季漫长，土地常年被冰雪覆盖，有“白山黑水”之称，此地区的地貌以丘陵和平原为主，平原广阔，山脉平缓，大面积的白桦林漫山遍野，空气通透，阳光照度强，因此，冰雪、白桦林、湛蓝的高空等都成为了当地油画家青睐的创作题材。如田卫平的作品《月光雪地》、肖景志的作品《初雪》《老林秋韵》等。而湖南位于我国东南腹地，气候湿热多雨，空气中水分子含量高，太阳光到达地面时会受到水分子的折射，所以湖南的天气经常会给人烟雨蒙蒙的感觉，地形以平原，盆地、丘陵为主，因此当地画家也比较倾向于对丘陵、雨水和雾气的表现。如在风景油画家陈和西的作品中就出现了许多平静如镜的水塘、蜿蜒潺潺的小溪、生机盎然的水田等，表现出了南方水乡的地理特征。
（二）表现语言的不同
受地域因素的影响，画家一般会选择一种与所要描绘景物特征相适应的表现语言。对于湖南和黑龙江两个不同的省份，由于自然景物的迥异，油画家选择的艺术语言也会有很大的区别。从两省自然景物的造型特征来看，黑龙江省是闻名全国的“黑土地”，地表的构成大多数是一种硬朗的直线条，树木大部分叶少枝多，树冠中时不时地会透露出树枝的走向，柔中带刚。而湖南是大面积的黄色或褐红色土地，地表的构成大部分是蜿蜒中带着盘绕的曲线，树木绝大部分是枝繁叶茂，树枝妖娆多姿。为了表现出其各自的地貌特征，艺术家所选用的艺术语言也会各有不同。黑龙江省的风景油画家一般都会将色彩和造中国南北风景油画艺术风格的差异性——以湖南省与黑龙江省为例李伟琴摘要：湖南和黑龙江两省地处中国南北两地，由于地域文化的不同，造就了两省风景油画艺术风格的迥异，无论是绘画选材、表现语言，还是审美思想均体现出了当地特有的文化特色，为当地文化的传承与发展做出了重大贡献。本文中笔者对两地油画艺术风格的差异性进行深入探析，以期促进各地地域文化的传承发展。型简单鲜明化，在视觉上也给人夸张的感觉。如田卫平的《油画写生——太阳岛》组画，景物的塑造和色彩的处理有意进行了强化与变异。树木的造型很多是球形、扇形，不多的树枝中零星的穿插几片小树叶，房子也被简化为圆锥体或立方体；其次是大片碧绿的树木和草地，纯紫色的天空，玫瑰红的屋顶，钴蓝色或中黄色的房子等，用笔豪迈、大气，具有极强的装饰意味。而湖南省的风景油画给予我们的是一种截然不同的艺术感受，含蓄中带有一种朦胧感，让人有一种无穷的遐想空间。如风景画家陈和西在构图时就比较喜欢运用皴擦手法在模糊中寻找形，使描绘的景物在似有似无中逐渐显现出来，给予观者一种边界线虚化的感觉。在用色方面，他比较喜欢运用绿灰、黄灰、紫灰、蓝灰等灰色系列，而且整个画面的色彩都融合在某一个灰色的色调中，给予人一种温馨而又祥和的感觉。在用笔方面，他倾向于“写画”的形式，下笔抑扬顿挫，追求一种轻松自然的视觉效果。
（三）审美思想的不同
美学家宗白华也讲过：“一切美的感觉是来自心灵的源泉，没有心灵的映射，是无所谓美的。”因此，绘画总会带有个人特定的思想情感因素，是画家把自己的思想感情迁入景物中，深入体会景物情趣的过程。而在这两省中，不同的地域人文因素对艺术家个性的成熟与塑造是十分重要的，黑龙江人性格直率，粗犷豪放、质朴坚强造就了特有的“黑土”文化，风景油画的艺术风格也像乡民一样纯洁质朴，作品健康、朴素，以深沉为主。如刘治的《松花江畔》以一种强烈绚烂的印象派点彩、厚堆的手法来表现北国冰城风光，给人独特新鲜的感受。李秀实的《春到兴安岭》通过大小兴安岭连绵不绝的山峰和皑皑的白雪，既体现了黑龙江的浑厚和大气，也展示了黑龙江儿女积极向上的生活面貌。湖南由于受儒家、道家思想的影响，强调的是一种平和与圆满的态度，风景油画在风格上强调的便是一种意象，这种意象重视的是与原物在精神层面的接近，是一种“妙在似与不似之间”的韵味。如肖沛苍的《湖边小船》展现的是典型的江南水乡景色，远处水天一色，朦朦胧胧，近处小船悠悠荡荡，体现出一种怅然自得感，景物在灰色调中时出时没，表现了一种深远而又幽静的东方神韵。
二、两省风景油画艺术风格差异的价值
（一）有利于两省风景油画的本土化发展
通过两省风景油画艺术风格的差异性研究，笔者发现两省艺术作品风格的形成与当地的主流文化相适应，在某种意义上可以说是画家对自身经历的直观感受和文化渊源的挖掘，它有着强烈的主观色彩，体现了一种特有的地方特色，是艺术风格个性化的表现。而实际上，求异一直都是画家苦苦寻觅最佳的艺术表现状态，这种潜在的艺术驱动力促使画家们会进行艺术探索与创新，给观者带来一些新的视觉冲击力。而这些不仅丰富了我国当前的油画艺术的表现形式，还有利于两省的风景油画的发展与完善，逐渐形成具有代表性的地方画家群，进一步促进两省风景油画的发展。在湖南，经过画家们多年的努力和合作，现在已经逐步形成了一批以陈和西教授为中心的具有地方代表性的风景油画家群，他们不仅热衷于油画风景的表现与创作，还致力于湖南的本土文化研究，并尝试将着二者进行有机结合。为此，他们组织了很多相关的艺术活动，如建立后湖艺术区、湖南小型油画展、湘景湘情——风景油画展等，不仅带动和发展了湖南的风景油画事业，还为湖南油画的本土化发展奠定了坚实的基础。
（二）有利于两省地域文化的发展与传承
格罗赛在《艺术的起源》一书中，如指出：“艺术起源的地方，就在文化起源的地方。”黄永健也说：“无论如何，艺术自人类文化系统建构之初，便成为人类文化价值系统中不可或缺的一个组成部分己成为不争的事实。”由此可见，艺术与文化之间有着千丝万缕的纽带关系。而湖南和黑龙江两省的风景油画，不仅蕴含着丰富的艺术内涵，还保藏了当地的地域文化。另外，由于艺术本身所具有的“传承性”和“超越性”，使得艺术作品能够在人类社会流传百世，影响深远。里德说：“艺术的终极价值远远超过了艺术家个人及其所处的时代与环境。贯穿在不同时代、不同背景的文化中，使其发生联系，产生交流。”英国文化学者汤因比在其巨著《历史研究》中论及艺术“超时空”的特性时也指出：“艺术的最基本因素却是超出其时代的那部分东西，那就是永远能够被人们理解，对人们有所启示的，甚至神秘的‘真实’。”由此可见，致力于两省风景油画艺术风格的差异性研究，是有利于两省地域文化的发展与传承的。
三、结语
综上所述，地域因素的影响使我国南北风景油画艺术风格迥异，这种差异性不仅体现在画面造型、形式和色彩等方面，更为关键的是画面神韵的追求不一致。正是这种艺术风格的差异性又反作用于南北地域文化，带动并发展了当地文化，为各自地域文化的传承做出了巨大贡献。
篇11：艺术论文
摘要：古徽州地处三省交界处，人杰地灵，徽雕的产生有其必然的因素，“三雕”有着其独特的艺术价值，在研究中国文化，民间艺术和文人艺术相结合的方面很值得我们借鉴，其精湛的技艺，精美的雕刻艺术品更是国之瑰宝，世界的宝贵文化遗产。
关键词：徽州；三雕；装饰；寓意
根据史料记载，古代的徽州就在现在的安徽省南部，主要分布于安徽宏村，西递，江西婺源一带，处在三省交界处。徽雕应用于建筑装饰上，装饰性风格具有浓烈的文化地方特色。徽雕主要有用于祠堂庙宇，园林民居的装饰的表现上，还用于室内家具的室内用品。我经常带学生去安徽江西写生考察，逐渐了解了徽雕这一门独特的雕刻艺术。
徽州的“三雕”主要指木雕、砖雕、石雕，徽雕之所以昌盛，有他的必然的原因。首先徽州山林地区，盛产木材。尤其是各种木材很多，取材很方便，所以他们大量的应用于家庭院落的装修装饰，例如室内的屏风，日常使用的桌子、椅子、床、书架、书房。再次石雕之所以非常的流行，就是因为这地方黟县地处山中，周围有大量的的大理石，这种大理石叫做“黟县青”被广泛用于村子的建设建筑中，这种石头有它的独特的艺术价值，经过打磨之后，会出漂亮的线条纹理，不仅石质坚硬，而且易于雕刻，所以被大量应用。还有就是因为徽商为了光宗耀祖，他们做了一辈子的生意，回到家乡，他们用大量的财力来修建祠堂，建立自己宗族，以显示豪华富贵的家庭背景和显赫的地位。他们用了大量的财力同时也培养出大量的能工巧匠，使得他们的雕刻技艺在大量的实践中不断炉火纯青，独秀一枝。最后徽州此地山清水秀，在黄山脚下，皇室家族的带动和提携，加上先人的智慧古训，走出一条耕读并举，亦商亦儒，以商养儒的路子，出现大量的仕途，商道都非常通达的历史名人、达官上卿，他们赚了钱，发达了又回家乡开学堂，教育后代，他们的发展同步也带动了此地的文化发展，徽雕就是在这么一个环境下形成的，其渊源于宋代，到明代清末极为昌盛。
我们首先看木雕，其主要应用于房屋的建构和装饰，古代大多数采用木质结构建，门窗床多采用了雕刻艺术，通过这种方式来显示家庭地位。主要体现在门楼、窗户的装饰图案的地方。下面我们继续分析一下其艺术特点，刻在门上窗上的木雕形象大多线条流畅，圆润饱满，十分干净利索。线条组织和疏密节奏飞舞流动。造型上笨拙可爱，夸张变形突出特点，简洁概括突出特征。外形很整，神情自然传神，动作表情表达十分到位。寥寥几笔，栩栩如生，左顾右盼，形成经典的模式。木雕的雕刻题材，有人物，走兽，花鸟，鱼虫，楼台亭阁等。其中有很多独特的动物，例如鹿，牛羊，蝙蝠，蟾蜍，喜鹊都进行了典型的概括，很具有代表性。另外还包括一些植物，如莲花，菊花，梅花，也进行了经典的概括特征，十分明显。木雕形象同时都进行了点、线、面的平面化的处理，极具有现代感。木雕还有一个非常重要的特点，就是经常用比喻的手法或者暗示的寓意，例如仙桃代表长寿；莲花和芦笙放在一起表示连生贵子；石榴暗示多子多福；把铜钱和蝙蝠放在一块以为福寿双全；瓶子里插了一把扇子就是说平生要积善累德；一个小孩儿手指天空代表指日高升；三宝方天画戟代表连升三级。木雕在安徽徽州一带起到了一种日常教育的作用，在潜移默化中进行了理学教育，尤其是对于幼学启蒙十分重要。有些在题材上如渔樵耕读，福禄寿喜，一些内容上都从书里提取出来，忠孝结义，富贵吉祥，仙人菩萨，无所不包。有些讲了一个一个的故事，有些是直接把书籍里边的故事刻出来以教育后人，各种形象的雕刻都是有其特定的意义和美好的愿望的，如五子登科，平步青云，百子图，官拜公卿，福禄双收。都是对人生幸福的完美的天伦之乐的向往。木雕的雕刻十分细腻繁复，讲究艺术美，有的讲究镂空的效果，镂空的层次很多，题材都在不同平面上内部中空，层次分明雕刻艺术十分高超。雕刻完之后，为了保护木雕，也是为了获得最美的效果，木雕表面又多用油漆彩绘，使得颜色鲜亮明快，内部的形象多用金色或金箔描绘，金灿灿的光彩艳丽显得有富贵之气。木雕主要采用浮雕和透雕相结合的方法，借助于流畅的线条，简洁古朴的造型，强调了对称及富有装饰的现代趣味，徽州的木雕雕刻风格朴实粗旷，平面突出。一直到明清后期，雕刻艺术日益繁荣，家家户户都都采用木雕来装饰室内家居。
第二种是砖雕，主要应用于门头上面，门槛，起到装饰作用。显示门第的不同，家族显贵的作用。雕刻方法十分突出形象，大都是浮雕，凸显出砖面之上，一般是左右对称成双成对的形象，镶嵌在大门门头之上，大多是吉祥瑞兽，大象，蟾蜍，钱币，麒麟送子，莲花，宝鼎出祥云，蝙蝠成双对，而且砖的外形也不是完全方形的，大多是小扇形，菱形的。这样砖雕十分灵动柔美，砖雕各种形象的表现也十分精细流畅，形象中的各种装饰纹案，装饰感十分强烈，而且有着美好的寓意。形象造型笨拙，有福气之感。构图采用平面并行排列，形象都处在同一平面上。这样和门头飞檐组合起来，使得门面很有气派，格局不凡。
第三种是石雕。石雕的代表一就是在西递宏村镶嵌在墙上的石窗楼窗，很多有圆的、扇形的、菱形的比比皆是。上面雕刻着精美的图案，有梅兰竹菊图，吉祥瑞兽等等。还应用于其他的地方，如房屋的台柱门楼，起到装饰作用。石雕多是小型动物石雕，造型朴实，神态自然，大多是小狮子或麒麟。二就是牌坊，更具有代表性，是皇帝赐给功臣表彰大臣的，歌功颂德，雕刻艺术价值更是精湛，西递的胡文光的牌坊最具有代表性。胡文光在明代嘉庆年间，中状元后来皇帝批准在他家乡建了这座功德牌坊。以表彰他在当官的时候做了很多好事善事。胡文光的牌坊有它独特的魅力和价值，是牌坊和雕刻艺术的完美结合，牌坊上雕刻的吉祥瑞兽，牌坊上有四个大柱子，柱子下端都雕刻石雕大狮子，狮子刻的非常栩栩如生，是完整的雕塑，大狮子和小狮子嬉戏打闹。牌坊中部刻有仙鹤麒麟瑞兽，在牌坊上部刻有天官赐福，仙人石雕，牌坊有大量镂空石雕，极尽繁复，一般多为透雕，还有圆雕、线雕等与各种技法的并用，可称为石雕中的精品。
徽州“三雕”受到中国传统文化的影响，本身在故事题材上多为民间传说，神话典故。动物图案也多来自于民间传说，花鸟图案，吉祥图案。徽雕是中华民族民间文化与文人文化相互结合而产生的一种民间艺术。自身体现了民间艺术的特色，也充分体现了中国传统文化的载体的演变和发展变化，是中华民族民间艺人的艺术才华的表现。也是中华民族的优秀传统的体现，是中国民间艺术的瑰宝，也是中国雕塑史上的具有代表性的作品，值得我们很好的研究和发掘，以便我们把它传承下去，让我们的子孙后代知晓我们传统文化的精湛和伟大。
【参考文献】
[1]杨文论徽州古建筑“三雕”之美.
[2]武旭峰编著、西递、宏村[M]、广州：岭南美术出版社.2013.
篇12：艺术论文
一、舞台美术设计与色彩
在舞台美术设计中，背景色彩与主色彩的融合也是决定舞台表演成败的关键，一场好的舞台艺术表演往往拥有完美的色调搭配，所以在舞台美术设计的色彩搭配上，一定要注意强化主题的表现力，应结合不同的色彩对其舞台背景色彩进行不同阶层的搭配。如使用反差系数较大的色彩搭配的舞台，其可见度就往往要高过使用临近色调搭配的可见度。所以，在舞台美术设计中，应尽量采用简洁明快的色调，从而给人们留下深刻的印象。色彩是决定舞美设计效果的重要因素，在舞台美术设计中，色彩往往能够直接映入观众的视线，它不仅是舞美设计中最能表达情感的元素，同时也使舞美设计拥有了独特的韵味。
二、舞台美术设计中色彩的具体运用
色彩是人们的情感和思想基调的表达。在舞美设计中，色彩的运用主要包括布景色彩、化妆设计色彩、服装色彩以及灯光色彩四种，设计者只有合理地运用了色彩，使其在舞台艺术表演中对观众产生了强大的视觉冲击力，才能够使得舞美设计达到理想的艺术效果。
1、布景色彩的运用
作为舞台的表演形式之一，舞台布景在舞美设计中占有重要的地位，对布景色彩的运用直接关系到了舞台表演的好坏。舞台布景设计是以剧本的相关内容及导演的设计意图为指导，并配以各种道具材料的使用，采取平面与立体相结合的方法来使舞台的表演达到最佳演出效果的设计过程。而为了准确定义剧本所设定的环境，就必须依托色彩的调配来设计舞台的布景。布景的设置主要有背景图和道具两种，背景图应配合剧情需要进行舞台设计，同时还要注意与主色调的合理搭配。舞台布景的色彩通常需要体现不同剧本的不同风格，这就要求设计者应根据剧本的悲喜色彩和现实性来采用不同的布景色彩。例如在写实类的剧本表演中，布景色彩的设计就应该以现实生活素材为依据来合理地组成背景。如剧中如果要求有山和水的场景描述，那么舞台背景就应该使用青色的背景来表现；而在虚幻类的舞台表演中，就需要使用一些夸张的色调，如粉色的天空和黑色的群山等。只有采用合理的布景色彩，才能够使表演具有独特的神韵。除此之外，道具也是舞台布景设计中的一部分，其可分为随身道具、大道具和小道具三种。舞美设计者在使用这些道具时，应注意两个主要问题，一是要充分考虑到舞台的整体效果，将色彩巧妙融合于整体色调之内，而不是单一地突出某一件道具，导致舞台表演失去了整体的协调性和美感；二是要注意道具与布景之间的相互对比关系，通常深色布景下的道具应选择浅色类，而在浅色布景中则应该选择深色类的道具。如舞台布景如果以花色调为主，那么像衣柜、沙发等道具就要使用纯色。只有使背景和道具的运用与周围环境相协调一致，才不会给观众带来审美疲劳。
2、化妆设计色彩的运用
化妆是塑造舞台人物艺术形象的重要手段之一，它要根据表演者所扮演角色的年龄、性格、性别等特点，来对人物进行装饰和美化。通过舞台化妆设计的妆容和造型，能够很好地突出表演者的独一性，使观众能够对角色进行准确地判断和分类，使表演者能充分发挥其最大的优势去给观众呈现其舞台表演的魅力，从而使其在艺术表演中获得个人潜力的升华。想要达到优秀的舞台表演效果，舞台化妆设计必不可少。由于舞台剧本不同，化妆手法也不同，因此所呈现出的效果也就会有所差异。通常舞台妆容都需要通过对各种工具的运用，并配合化妆设计的基本原则，采用合理的化妆技巧来对舞台表演者的五官及其他部位进行描画和大面积的渲染，从而使其妆容在配合舞台表演的同时能够强化表演的主题意象。化妆设计所使用的材料主要以色彩为主，所使用的色彩与图案不同，舞台人物所呈现出的特征也就不尽相同。如在戏剧舞台表演中，设计师就常常通过对人物脸谱色彩的刻画来突出不同人物的性格特征，如代表正直忠义的红脸关公和代表奸诈无常的白脸曹操等。作为一名合格的化妆师，理应正确地认识和把握色彩的使用程度，在设计舞台妆容和造型时，化妆师应充分利用色彩的错觉性来使演员的妆容达到完美的效果。例如在一些舞台剧的化妆设计中，化妆师通常会利用眼线和眼影的搭配效果来调整演员眼部的大小，或者通过面部的阴影描画来使演员的面部更加立体化等。舞台妆容不同于影视剧的妆容，在剧院中，观众席通常距离舞台有一定的距离，而为了突出演员的面部，化妆师就需要通过强烈的色彩对比来修饰演员的面容，以此来达到最佳的舞台效果。
3、服装色彩的运用
对于舞台表演艺术来说，舞台服装就像是一块会动的颜色板，它需要被表演者穿在身上来展示出舞台剧的艺术魅力。好的舞台服装设计通常能使舞台的艺术审美得以充分展现，而一个好的舞台服装设计师，不仅要能够制作出适合舞台表演的服装，而且还要能使表演者在穿上这套服装时充分发挥出魅力，使台下观众感到身心愉悦。对于设计师来说，不同的服装色彩所表达出来的效果是不同的，为了使表演者的服装发挥出最大的效果，设计师们就应该合理地使用色彩这一重要舞台元素。色彩在服装设计中占有重要的地位，服装色彩的强弱能够很明显地表现出表演者所要表达的情绪和特质。例如红色代表自由奔放，蓝色代表包容温和、紫色代表神秘高贵等。合理搭配服装颜色，不仅能够激发出观众的情感，而且能够牢牢地吸引住观众的视线。色彩渲染了舞台的情感气氛，也创造出了各种类型的舞台角色，因此，在舞台的服装设计中，色彩的运用是非常重要的，设计师应该考虑到舞台剧本的内容和主题，并能通过不同的色彩表达来让观众明确区分不同人物的身份地位、生活习惯等基本资料。在运用色彩搭配服装时，设计师还应该注意色调与舞台布景的融洽性，不仅要均衡配色，而且要大胆地使用色彩创造线条给观众营造出强烈的视觉效果。如在舞台剧《智取威虎山》中，设计师就将暗色调和亮色调配合在一起使用，来表现主人公神勇的英雄形象，色调的合理搭配使演员在表演过程中富有了节奏感，也使服装和演员达到了一个贴合的效果。
4、灯光色彩的运用
随着时代的进步和科技的快速发展，人们的审美需求也在不断的提高。在舞台表演艺术中，人们更希望欣赏到一些具有个性特色的灯光设计，在合理的灯光色彩运用下，观众的审美情感也能够获得一定程度的升华，所以，灯光色彩运用得好坏是舞美设计能否达到最佳艺术效果的重要标准。对于灯光师来说，灯光色调的强弱关系到了对舞台总体色彩的把握程度。柔和的光线可用来处理浪漫的舞台气氛，强烈的光线则可用来烘托紧张激烈的氛围。灯光色彩能够给人以美的享受，可赋予表演者极大的表现力，也给观众带来了好的心理体验。当前，灯光色彩的运用已经逐渐成为了舞台演出的常用技巧之一，色彩需要灯光的照亮，灯光也需要色彩的烘托，只有二者相互配合才能使舞台表演达到完美效果。对于色彩来说，邻近色彩的相似性容易影响到舞台表演，因为色调相近的色彩往往容易杂糅到一起，从而使表达目的变得模糊，界限变得不清晰。因此灯光师在设计灯光色彩时，不仅要注意色调的搭配，也要注意色调的变化，不同的灯光色彩能反映出不同时代的背景。例如一幕舞台剧中若需要体现新时代，就会大量使用类似于红色这种热烈奔放的颜色；而要演绎旧时代，通常就会使用青色这一类的暗色调来表现。除此之外，不同的灯光色彩也能够表现出不同的季节，如绿色代表着春天，黄色象征着秋天等。在现如今的舞台表演艺术中，已经有越来越多的灯光师喜欢用各种灯光色彩来体现和表达剧中人物的情感变化，所以，灯光色彩在舞美设计中的作用已经不可或缺，其强大的表现力，也使得舞台美术设计理念得到了更好地表达。
三、结语
对于舞台美术设计来说，色彩运用的重要性不言自喻。其不仅能够在舞台上给观众提供一个直白的视觉感受，同时也赋予了舞台浓重的艺术特色，使舞台美术设计具有了丰富的艺术美感。色彩在渲染舞台气氛和突出表现人物形象时，通常能够起到推波助澜的巨大作用，因此，只有正确、合理地运用了色彩，才能使舞台的艺术设计达到最佳效果，给观众带来不同的审美感受。
篇13：艺术论文
摘要：互动艺术是观众参与作品的一种艺术形式，以现代科学技术为支撑，结合艺术化的表现形式，呈现出多样化的互动艺术作品。互动艺术并不是简单的艺术与技术的叠加，而是更好的利用技术传达作品的理念，让观赏者从被动的欣赏作品到主动参与作品，体会作品。本文从分析互动艺术的特征出发，探究互动艺术的变化发展及如今互动艺术的发展现状和趋势，审视互动艺术特有的艺术魅力。
关键词：互动艺术；技术；交互
1、认识互动艺术
（1）什么是互动艺术。互动艺术是让观赏者亲身体验参与的艺术作品，是传感技术，电子艺术和互联网艺术相结合的多元化艺术。在互动艺术作品中，“互动”即为创作者、观赏者及作品中事物的互动。互动艺术的表现形式受到观赏者的影响，甚至观众也能成为作品的其中一个部分。互动艺术作品可通过感应器让参与者的行为动作使作品做出相应的回应。通过这种形式参与者便有了选择的权利，同时与作品有了对话交流的过程。
（2）互动艺术的特征。互动艺术的表现形式是多种多样的，它是创作者的创意及理念与现代科学技术相结合的产物。互动艺术最鲜明的特征就是交互性，强调观赏者与艺术作品相互沟通，共同参与。互动艺术最大的特征就是艺术与技术的结合，互动艺术以多媒体技术、电子技术、信息技术等现代科学技术为支撑，让观赏者通过走动、触摸、动作、发声等方式亲身参与到互动艺术作品中，不仅能够使观赏者更深刻的理解作品和创作者意图，而且能引起更多人的关注。
2、互动艺术的发展历程
（1）思想转变推动互动艺术发展。从六十年代开始，人们不在满足于传统的艺术作品传递的精神交流表现形式，而是开始寻找一种艺术作品与观赏者能够更为活跃的联系，想要改变传统艺术主体与对象之间单向线性的传播方式，形成双向带有交互性质的整合传播艺术表现形式。早在1957年马赛尔·杜尚在他的书中就写到“一个创作活动不是由所有艺术家单独来完成的，因为观众会建立一种对于作品和外部世界在辨认上和他的鉴定解释上的联系，通过进一步增加他自身的想法继续促成创作活动”，“这是观众来创作的作品”。特别是1962年在于拜多·依考的著作中提出了“开放式的作品”这一观念，一种观众参与的意识逐渐开始苏醒。创作者开始希望作品离开展厅、画廊，同时也出现了能让更多的人接触到的街头艺术，并且以集体创作、共同参与的方式创作了大量的作品，是更多的观赏者逐步的参与到艺术作品中。并且，在六十年代初产生的激浪艺术阐释了另一种艺术思想，倡导抛弃传统的艺术观念，确认了互动媒介的重要存在，确认了观众和表演者的娱乐性而取代高雅的现代艺术的严肃性和神圣性，确认了日常生活中简单的和习惯性的事情和行为与艺术的内在联系。在同一时期出现的行为艺术也推动了交互艺术的发展，此时的艺术家以自己的身体为基本材料的行为过程中，通过艺术家的自身身体的体验来达到一种人与物、环境的交流，同时经由这种交流传达出一些精神内涵，营造出观者与艺术家的精神共鸣，他们讲求一种身体与精神之间的存在关系。这些新兴的观念与艺术形式与互动艺术都有着千丝万缕的联系。
（2）技术发展开拓互动艺术空间。从六十年代起，艺术家的创作引进了计算机工具，利用计算机技术所呈现的效果为艺术家创作增加了新的灵感，为艺术的设计创作打开了一种新的空间。艺术家利用计算机程序代替传统工具进行艺术创作，不断地探索技术所能为艺术创作带来的无限可能。艺术作品中运用静态与动态图像的结合，文字与声效配合等多种元素，运用装置或网络等多种方式来表现、发展、保存。九十年代后，随着新媒介、新材料的开拓和其他数字技术的发展，互动艺术逐渐被推到大众面前。数字技术的不断发展使互动艺术作品的形式更加多样化，观赏者参与互动的方式种类也越来越多。目前，互动艺术作品运用的主要技术是图像、声音处理的相关技术以及捕捉人体动作及相关信息的传感技术。互动艺术一直不断的运用各种新兴技术探索创新观赏者与作品之间的交流互动，使观赏者不断走入作品，从观赏者与作品的被动互动，到让观赏者按照自己的意愿选择某种途径探索作品的主动互动，最后使观赏者自己可以随意控制所加信息的适应互动，成为作品的参与者来完成与艺术作品的互动。正如比尔·维奥拉所说“技术构成了任一艺术性活动的一把钥匙。这同时是一种方法和一个障碍用以表达我们的创作想法。这种压力是完全地对任一件艺术作品至关重要的。”
3 互动艺术的应用与展望
互动艺术是借鉴了艺术和运用技术方法结合实践的综合体，同时体现了艺术蕴含的美和技术创造的美。但互动艺术并不是简单的艺术与技术的叠加，而是更好的利用技术传达作品的理念，让观赏者从被动的欣赏作品和虚无的精神享受到主动参与作品和身临其境的体会作品，借助高科技、新媒介、音乐等各种元素，既发挥了结合了艺术的优势，又创作出新的艺术表现形式。对于互动艺术的观赏与理解是视觉、听觉、触觉全方位的理解体验，这种更加直接的切身体验存在与人机互动之中，从而使人们在观赏交互艺术作品时获得更深刻、更强烈的互动体验，产生更加强烈的兴趣。如柏林艺术家SWEZA利用二维码做了一个街头卡带录音机项目。将手机扫过海报上收音机的二维码后，用户可以把自己的智能手机变成卡带机的一盒磁带，从一张录音机海报上演奏出音乐来。如今，更多的艺术家们现在开始利用最新科技让他们的作品变得更加互动，与周围的人和环境产生更多的联系。这些新的互动作品制造出更为复杂的互动关系，很多互动艺术存在于街道及人群聚集的地方，而正因如此，作品显得更加真实。如Eyebeam涂鸦实验室（Graffiti Research Lab）的作品，创作者利用数字投影与大楼互动，作品利用点绘画系统，通过亮起的窗户生成画作，观众可以在街道上观看作画的过程。又如来自Lummo的作品Lummo Blocks将“俄罗斯方块”投影在公共广场的巨型屏幕上，玩家可以通过在广场上的走动来移动和翻转方块，路过的人们看到方块高垒起来，大概也会十分想要参与这项游戏吧。也有许多创作者让文件分享来到了街头，你可以在任何地方发现USB的存在，任何公共场所的洞和缝隙都成为交换文件的地方——MP3，你没写完的小说，艺术作品等，每个人都可以下载你留下来的东西。而这一切正是互动艺术作品内涵的高科技所实现的，是互动艺术与传统艺术表现上的最大区别，也正是互动艺术所特有的吸引力。然而互动艺术的美感并不是简单的靠技术来支撑，互动艺术作品是触及人们心灵的，延伸到参与者的意识与思想，互动艺术的美是涉及思想深处的，有不可预测的影响力，给人新的思考。互动艺术作品以装置硬件为基础，结合相应的技术所达到的特有的交互效果，使其在很多领域都有较为广泛的应用。如在各类展览中的应用、虚拟现实中的应用以及人工智能和网络传播等等。
随着科学技术的高速发展，互联网应用的不断更新必然会对互动艺术产生巨大的影响，互动艺术作品的创作也有了新的高度，呈现出更多的表现形式和交互功能，为艺术家的创作开阔了视野，同时也带来挑战。这就需要设计者运用其独特的设计思维和创作理念进行创作设计，相信更多的互动艺术作品能够在更多的领域得到应用。
参考文献：
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[6] 周娉.互动装置的体验设计研究[D].武汉理工大学.2008.
篇14：篆刻培训心得体会
篆刻培训心得体会
11月5日在秦皇岛海港区教师培训中心，我有幸参加了教师篆刻培训，并且收获颇多，这次培训对于我们美术教师来说，无疑是一次很好的学习机会。这次培训的时间不长，只有四天，在这四天的时间里我们学到不少东西。这次培训还使我意识到了篆刻的重要性。
本次培训从山海关请来了著名的书法家、篆刻家兰惠泉老师讲座。兰老师看似严肃的给我们简单的讲述了他的经历和篆刻的的.基本知识以及我们需要做的那些准备。有句话我记得特别清楚，就是学习篆刻必须写好篆字。听完这句话，我心想，完蛋了，这么算，学好篆刻必须要写好篆字了，我这七扭八歪的书法根本不行啊，也就想到这心里陡然心灰意冷，可是又想，既然到这学习来了就努力的学吧。
随着课程的深入，我对篆刻的了解亦不断地加深，篆刻，原来已经有两三千年的历史了。篆刻艺术是书法、章法、刀法三者完美的结合，一方印中，即有豪壮飘逸的书法笔意，又有优美悦目的绘画构图，并且更兼得刀法生动的雕刻神韵。可称得上：“方寸之间，气象万千”。
其实学好篆刻精髓我想在于自己多加练习，兰老师在每天的课上并没有花很多时间讲怎么刻，他倒是花了大把时间来和我们每个人一对一的指导，这让我感到有特别的收获。兰老师多次强调要认真，要求我们在篆刻时一定认真对待每一个步骤，磨石、设计、临摹、印搞、刻石，每一步都要认真仔细，如果有错误了就必要要改正甚至重新再来一遍，这让我感到了严肃性。
篆刻我认为是非常容易入门的一门艺术，基本上在第一天的课程里你就基本掌握了最基础的方法，适合每一个人，在这一点上近似于大众艺术，然而，越是看起来简单的东西你就越难以做好，并不是时间就能解决的问题，就像有些人写了几十年的汉字了，也不能成为书法家，这需要的是毅力加上领悟力。以印稿的布局为例，最让我感慨的也许是那些字的变形，加长，缩短，字与字的组合来迎合印稿布局的疏密，美感，也许这里融入了篆刻家们更多的对美的感受和理解。我的名字是三个字，本来打算刻四个字的印，发现自己的名字写出来疏密太过失调，于是我就请教兰老师帮我设计一下印稿，兰老师把名字分成三个格局，打破了常规的印章布局，根据印面的需要做了些变形，达到了一个完美的印面初稿。小小的方寸之间，不仅仅能反映出一个人的美术素养、书法艺术，还能反映他的刀工、态度、知识素养等等很多，小小的方寸之间果然有见天地的雄魄。
篆刻从春秋战国经汉唐再到宋元明清，一路走来不断地发展完善，是传统文化不可忽视的一脉，在现在传统文化衰败的现代，篆刻作为一门艺术与以前相比，被很多普通民众所忽视，可喜的是，北京奥运会会徽出现了篆刻的身影，在2009年篆刻被申请为了“人类非物质文化遗产”。篆刻一路走来，当然，也会一路继续走下去。现在，各校把篆刻列为校本课程，大大增加了篆刻的普及性，使更多的人了解篆刻、掌握篆刻，使我们中华民族的这项传统艺术永远流传下去。
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