创新与音乐艺术边界如何扩张论文

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创新与音乐艺术边界如何扩张论文

篇1：创新与音乐艺术边界如何扩张论文

创新与音乐艺术边界如何扩张论文

摘要：本文从音乐创作中创新的角度出发，以“集古典主义之大成，开浪漫主义之先河”的西方作曲家贝多芬、中国现代音乐的代表人物谭盾为例，试述作曲家的创新对于音乐发展的影响、与音乐艺术边界的关系，以及面对音乐艺术边界的不断扩张与作曲家独具特色的创新理念，我们应该如何面对。

关键词：贝多芬；谭盾；创新；艺术边界；审美

音乐在发展的漫漫长河之中，不断地融合了许多的元素，音乐的艺术边界随着时代的发展也在不断地扩张着。贝多芬的作品具有超前性与创新性，他扩张了音乐的艺术边界，使其从理性、客观的古典主义时期过渡到感性、富于诗意的浪漫主义时期，他赋予了音乐更高的情感价值；与此相反，20世纪的现代音乐，以“标新”为目标，以布列兹和韦伯恩为代表的作曲家，推崇将音乐的情感降到最低。谭盾作为中国现代音乐的代表人物，其独树一帜的创作理念在国际上产生了重要的影响，对于其充满个性的作品与大胆创新的创作观念，在充满多元色彩的当今社会有支持者也有反对者，他颠覆了人们对于音乐的审美观念，甚至引发人们对于“什么是音乐”的讨论。

一、音乐的发展与创新

音乐的发展从古至今，一直在经历着不断地演变。关于人类音乐的起源，可以追溯到十分久远的时代，那时的人们在没有语言交流的情况下，是通过声音的强弱、高低来彼此交流、互相表达感情的。随着社会文明的进步与人类劳动力的发展，人们渐渐地学会了用呼喊的方式来互相传递着信息，这也是音乐最原始的雏形；当人们在庆祝着彼此间丰收的劳动成果时，常常以敲打石器或木器来表达自己的愉悦之情，这便成为了乐器最原始的雏形。音乐的表达方式随着社会的发展，时代的进步与变迁，也在不断地演变着，到了二十一世纪的今天已经有着极其丰富多彩的音乐表现形式，与各具风格特色的乐器。音乐经历的每一个时期都反映了其背后所包含的时代背景与文化特征。在时代不断发展进步的文化的背景下，作曲家在作品的创作上也在不断地摸索、创新，推动着音乐边界的不断发展与扩张。例如作为维也纳古典音乐三杰之一的莫扎特，早年的作品具有典雅的风格；而后期的创作交织着抒情和戏剧性的因素，反映了他对于摆脱对贵族的依赖而自谋生路的种种体验。20世纪的音乐在人类的历史长河中，无疑是发展最快的，其音乐的风格特征以“新”为主要特点，作曲家不断地追求创新的元素，使得音乐在创作的观念、手段以及风格等各个方面产生变化，颠覆了作曲家的作曲观念，也颠覆了听者对于音乐审美观念，音乐的创新由原来的循序渐式进变成了跳跃式，人们在20世纪多元选择的音乐环境下，也面临着惊喜与恐惧的双重考验，音乐的艺术边界在哪里也成了人们思考的问题。

二、创新——音乐艺术边界的扩张

贝多芬与谭盾这两位作曲家都是在创作上赋予了音乐新的元素，对音乐进行了大胆的创新，从而推动着音乐的发展。

（一）贝多芬的独创性

古典时期的音乐强调客观与严谨的风格，人的情感被理性支配，在音乐的创作中不占主导地位。在审美上，人们追求作品的规整以及形式主义的美丽，在作品内容上，多以宗教和道德层面的内容为主，音乐的艺术手法十分简练。作曲家在音乐的表现中虽能够浮想联翩，但始终要遵循着严密的逻辑、规整的结构，这也是古典音乐时期最为突出的特点。贝多芬的创作使古典音乐的思想感情和其风格得到了更加完美的体现，并且将欧洲古典主义音乐推向了一个新的高峰。他使古典主义音乐风格逐步向浪漫主义风格演变，开始在创作手法上突破古典主义时期音乐的传统。引子的运用，呈示部的不反复，连接部、展开部和结束部的充分独立性，以及尾声的运用，开辟了浪漫主义乐派个性解放的新局面，并对19世纪西方音乐的发展起到了决定性影响。作为西方历史上的'一位多产的艺术家，贝多芬开创了一个新的时代。他的音乐作品极其富有个人独创性，并且对创作技法有所创新，在音乐表现的广度和深度上更是有新的开拓。他的创作受到了当时社会意识与社会时代思潮的影响，作品洋溢着高尚的进步思想和极度的革命热情，并始终保持着一种积极乐观、敢于抗争的英雄主义，这种精神在他的《英雄交响曲》与《命运交响曲》等作品中都有淋漓尽致的体现。国内外史学家和音乐评论者们把贝多芬的作品和创作风格大概分为三个时期：早期（18以前），中期（约1802-18）和晚期（约1815年-1827年）。贝多芬的第59号拉兹莫夫斯基弦乐四重奏创作于18，属于贝多芬较成熟的中期作品，已富有强烈的个人独创性特征，意大利小提琴家拉蒂卡地曾对该作品评价道：“在贝多芬的这首作品里，根本就没有音乐，在我练习时，万万没有想到他对音乐一点也没有考虑。”由此说明贝多芬的这种独创性，在刚开始并不能够被以古典主义为审美核心的人们所接受，即使是处于那个时代最著名的演奏家也不能够马上的理解，而对于这样一件事实，贝多芬回答道：“不是的，这首乐曲就不是为您写的，是为以后的时代所写的。”贝多芬的独创性在于他在音乐中超前的审美观念、独具创新的创作理念，这种观念打破了以理性、客观为主体的古典主义音乐风格，为浪漫主义的发展开辟了道路，从音乐美学的角度来看，他改变了人们的音乐审美方式，更加注重对于自身内心以及情感的表达，不再拘泥于千篇一律的形式，对于作曲结构以及调式调性都有了一个更加全面、开放的、全新的认识，拓展了音乐的艺术边界。

（二）谭盾的独创性

20世纪的音乐常常被称为“新音乐”或“现代音乐”，具有追求个性的突出、非调性等风格。20世纪初，一批极具创新精神的作曲家，在以往传统的音乐之上做出了根本性的突破，他们将音乐最核心的根基“调性”，以及音乐的节奏、织体、音色等各个元素进行了重新的定义，打破了人们以往熟悉的传统音乐模式，这种“根本性突破”，改变了以往各时期更替时常见的“渐变”模式。[1]当调性音乐被瓦解后，作曲家们开始根据自己的兴趣，力求创作出与他人不同的作品，于是“新”便成为了这一时期的主题，由此产生了多元的20世纪音乐景观。谭盾是中国现代音乐的代表人物，其创作的理念独树一帜，在国际上产生了重要的影响，对于其充满个性的作品与大胆创新的创作观念，在充满多元色彩的当今社会有支持者也有反对者，约翰凯奇对谭盾的作品十分欣赏，并且给予了高度的评价：“谭盾音乐中是那些我们置身于其中而久所未闻的自然之声。在全球一体化、东西方将连成一体的背景下，谭盾的音乐正是我们所必须的。”[2]日本作曲家武满彻也十分欣赏谭盾作品中独特的音乐创新观念并给予充分肯定，认为其作品具有超前的审美，音乐内容的深度与独特的个性早已超越了他所属的一代。在反对者的眼中，认为谭盾的现代主义音乐与传统音乐的创作模式相差太大，在取消了传统音乐中的调性、旋律、节奏等基本元素之后，听众无法获得音乐欣赏上的愉悦感，自然的声音又如何能够成为音乐呢？谭盾的音乐创作深受美国作曲家约翰凯奇的影响，他将“无声音乐”和“一切声音都是音乐”作为自己的创作理念，在反对者的耳中认为这不应该算作“音乐”，听不到传统音乐中的旋律、调式等元素，充其量只能算作观念艺术。[3]而现代作曲家在创作时往往是特意将这些音乐元素排斥掉，因此，以传统观念为引导的反对者对于现代作品的欣赏，便会产生不适应、不喜欢的感受。这两种音乐观念的交流与碰撞，其原因在于以现代派为创作理念的作曲家如谭盾，推动了音乐的艺术边界在不断地扩张，但这种超前的创新理念，颠覆了人们对于音乐传统的审美观念，甚至引发人们对于“什么是音乐”的讨论，“谭卞之争”就是谭盾与卞祖善两位作曲家之间因音乐创作的观念不同，所导致的观念上的交流与碰撞。究竟如何来看待谭盾的音乐作品，笔者认为，这也许需要和贝多芬一样的时代经历进行验证，况且20世纪的音乐还是在一种跳跃式的前进方式下进行的。但我们不得不承认，谭盾作为中国的现代音乐作曲家，为本国做出的卓越贡献。其早期的一些作品如弦乐四重奏《风雅颂》是在传统音乐的模式中进行的创作，自二十世纪九十年代起，其创作的风格与方式才开始有所转变，一方面，谭盾吸收学习了西方现代音乐作曲家如约翰凯奇的思想，将“音乐”赋予不同的定义，运用自然界与生活中的一切声音进行创作，目的在于打动人；另一方面，谭盾在吸收借鉴西方思想的同时，融入了大量中国传统文化的素材，使音乐成为一种具有中国风味的独特色彩，在谭盾走向世界的同时，也是中国的文化在走向世界，中国的音乐在走向世界，这充分体现了谭盾对于本国文化的归属感与认同感，他的大胆创新，也是在音乐发展中的不断摸索，不断地扩展着音乐的边界。

三、对音乐创新与发展的思考

正是由于作曲家们的探索、创新精神，才推动了音乐的不断发展与进步，扩张了音乐的艺术边界，造就了当今的多元音乐文化时代。贝多芬的作品之所以伟大，在于他是一位为人类进步、为被压迫民族自由而斗争的伟大战士，他是一位用音乐为合理的社会制度和世界和平而呐喊的伟大先驱，他的音乐中深刻而富有英雄性、戏剧性和哲理性的思想，也具有着那个时代特有的文化印记。随着世界的多极化发展，社会学、音乐人类学等学科的不断兴起，音乐与文化之间的关系也在不断地被强调，梅利亚姆曾说过：“音乐是人的产物，它有自己的结构，但是它的结构不能脱离产生它的人类行为而独立存在。”[4]她在其著作《音乐人类学》中也曾提出“在文化中研究音乐”的思想，由此可见音乐、文化、人三者之间是密切相关的整体，我们应将音乐置身于文化的环境中去观察、思考，音乐若离开了文化的层面，其本身就会缺少相应的文化底蕴，失去了自身发展的活力。贝多芬开辟了浪漫主义音乐的先河，他的音乐之所以能够被人们逐渐接受，并改变了人们对音乐的审美，笔者认为，这与他作品中强调“以人为主体，注重情感的表达”有着直接的关系，在他的作品中，我们能够感受到音乐、文化、人三者之间的紧密联系。贝多芬的音乐在当时那个年代，不被人们理解与接受，但他的音乐对后世的音乐作曲家以及音乐的发展都产生了极为深远的影响，因此，我们不能以音乐的小众与大众来评判音乐的好坏，小众的音乐不一定就不好，关键是在于音乐中能否有不断出新的、标准化的与技术性的实质内容。美国作曲家斯特拉文斯基曾断言20世纪的音乐：“这是一个自由的深渊，一种面对多元选择的恐惧。”在20世纪的音乐中，由于人们突然面临着多重的选择，在这种多元选择的局面中，人们难免首先会感到惊喜与自由，但是当我们进入局面之中，试图选择却又感到无从选择的时候，便产生了恐惧的心情，这种无所依托的结果，是由于我们面对的东西与脑中的东西无任何关联所产生的。谭盾作为中国20世纪音乐的代表人物，其作品是自从中国人向西方学习作曲的一百年来最有个性、最勇敢、最大胆创新，也是最有国际影响的一位。[5]但如今也面临着争议性，从音乐的美学角度来看，一部分人认为其音乐作品是美的，一部分人觉得这并不是音乐，认为他不好听、或者听不懂。在笔者看来，谭盾的音乐是站在现代音乐的理念基础上进行的创作，现代音乐作为当今争议性较大的一个流派，其划时代的意义也许需要经历更久远的时间才能够被大众甚至所有人理解或接受，但我们不可否认的是，现代音乐推动了音乐的整体发展，使其具有了更加多元化的意义，也将音乐推向了一个新的高度。谭盾的作品是中西方元素的相互结合，在借鉴西方音乐创作思想的同时，融入了大量中国传统文化的内容，并给人带来了独特的听觉与视觉享受，弘扬了中国的传统文化，创造了中国独特的作曲手法，将“人、文化、音乐”三者紧密联系起来，我们不得不承认，谭盾的音乐在世界上的影响力以及价值。

四、结语

各个国家都有他独特的音乐，在倡导多元文化的当代社会，我们追求的是每一种文化的平等，而不是单一地、狭隘地以某一国家音乐的眼光作为唯一衡量标准，高于其他一切民族音乐的思想观念。同样，在不同的音乐流派中，我们也要以多元的眼光、不同的审美来看待各个时期的音乐，学会理解与尊重不同的音乐风格，如同当我们面对没有旋律又不在调性上的20世纪的音乐时，我们需要扩张自身的感性范围，调整感性模式，看到调性与旋律之外的内容；如在约翰凯奇的音乐中，我们发现原来音乐不一定都由乐音构成，也不一定都有着具体的音；在谭盾的《道极》中，我们可以看出他对于中国道家思想的传播，向往道法自然的真谛，反对束缚的思想感情。梁茂春教授曾说：在音乐创作中，创新是永恒的，无限风光在创新。作为音乐的欣赏者，也要具有发展的眼光和观念，才能面对永远变化、发展着的音乐新作。笔者认为，我们要有一颗欣赏作曲家创新的心，才能更好地享受、体验音乐带来的美。

[参考文献]

[1]陈鸿铎.20世纪音乐:反叛、标新、多元[J].星海音乐学院学报,,02.

[2]卞祖善.关于20世纪华人音乐经典之我见及其它[J].人民音乐,1995,12.

[3]孙大尉.多元语境下的争鸣—由“谭卞之争”引发的音乐批评理论反思[D].南京:南京艺术学院,.

[4][英]约翰布莱金.人的音乐性[M].北京:人民音乐出版社,.

[5]何农.陈其钢谈谭盾和现代音乐[J].人民音乐,.12.

篇2：创新与音乐艺术边界如何扩张

创新与音乐艺术边界如何扩张

关键词：贝多芬；谭盾；创新；艺术边界；审美

一、音乐的发展与创新

二、创新——音乐艺术边界的扩张

贝多芬与谭盾这两位作曲家都是在创作上赋予了音乐新的元素，对音乐进行了大胆的创新，从而推动着音乐的发展。

（一）贝多芬的独创性

古典时期的音乐强调客观与严谨的风格，人的情感被理性支配，在音乐的创作中不占主导地位。在审美上，人们追求作品的规整以及形式主义的美丽，在作品内容上，多以宗教和道德层面的内容为主，音乐的艺术手法十分简练。作曲家在音乐的表现中虽能够浮想联翩，但始终要遵循着严密的逻辑、规整的结构，这也是古典音乐时期最为突出的特点。贝多芬的创作使古典音乐的思想感情和其风格得到了更加完美的体现，并且将欧洲古典主义音乐推向了一个新的高峰。他使古典主义音乐风格逐步向浪漫主义风格演变，开始在创作手法上突破古典主义时期音乐的传统。引子的运用，呈示部的不反复，连接部、展开部和结束部的充分独立性，以及尾声的运用，开辟了浪漫主义乐派个性解放的新局面，并对19世纪西方音乐的发展起到了决定性影响。作为西方历史上的一位多产的艺术家，贝多芬开创了一个新的时代。他的音乐作品极其富有个人独创性，并且对创作技法有所创新，在音乐表现的广度和深度上更是有新的开拓。他的创作受到了当时社会意识与社会时代思潮的影响，作品洋溢着高尚的进步思想和极度的革命热情，并始终保持着一种积极乐观、敢于抗争的英雄主义，这种精神在他的《英雄交响曲》与《命运交响曲》等作品中都有淋漓尽致的体现。国内外史学家和音乐评论者们把贝多芬的作品和创作风格大概分为三个时期：早期（1802年以前），中期（约1802-1815年）和晚期（约1815年-1827年）。贝多芬的第59号拉兹莫夫斯基弦乐四重奏创作于1807年，属于贝多芬较成熟的中期作品，已富有强烈的个人独创性特征，意大利小提琴家拉蒂卡地曾对该作品评价道：“在贝多芬的这首作品里，根本就没有音乐，在我练习时，万万没有想到他对音乐一点也没有考虑。”由此说明贝多芬的这种独创性，在刚开始并不能够被以古典主义为审美核心的人们所接受，即使是处于那个时代最著名的演奏家也不能够马上的理解，而对于这样一件事实，贝多芬回答道：“不是的，这首乐曲就不是为您写的`，是为以后的时代所写的。”贝多芬的独创性在于他在音乐中超前的审美观念、独具创新的创作理念，这种观念打破了以理性、客观为主体的古典主义音乐风格，为浪漫主义的发展开辟了道路，从音乐美学的角度来看，他改变了人们的音乐审美方式，更加注重对于自身内心以及情感的表达，不再拘泥于千篇一律的形式，对于作曲结构以及调式调性都有了一个更加全面、开放的、全新的认识，拓展了音乐的艺术边界。

（二）谭盾的独创性

20世纪的音乐常常被称为“新音乐”或“现代音乐”，具有追求个性的突出、非调性等风格。20世纪初，一批极具创新精神的作曲家，在以往传统的音乐之上做出了根本性的突破，他们将音乐最核心的根基“调性”，以及音乐的节奏、织体、音色等各个元素进行了重新的定义，打破了人们以往熟悉的传统音乐模式，这种“根本性突破”，改变了以往各时期更替时常见的“渐变”模式。[1]当调性音乐被瓦解后，作曲家们开始根据自己的兴趣，力求创作出与他人不同的作品，于是“新”便成为了这一时期的主题，由此产生了多元的20世纪音乐景观。谭盾是中国现代音乐的代表人物，其创作的理念独树一帜，在国际上产生了重要的影响，对于其充满个性的作品与大胆创新的创作观念，在充满多元色彩的当今社会有支持者也有反对者，约翰•凯奇对谭盾的作品十分欣赏，并且给予了高度的评价：“谭盾音乐中是那些我们置身于其中而久所未闻的自然之声。在全球一体化、东西方将连成一体的背景下，谭盾的音乐正是我们所必须的。”[2]日本作曲家武满彻也十分欣赏谭盾作品中独特的音乐创新观念并给予充分肯定，认为其作品具有超前的审美，音乐内容的深度与独特的个性早已超越了他所属的一代。在反对者的眼中，认为谭盾的现代主义音乐与传统音乐的创作模式相差太大，在取消了传统音乐中的调性、旋律、节奏等基本元素之后，听众无法获得音乐欣赏上的愉悦感，自然的声音又如何能够成为音乐呢？谭盾的音乐创作深受美国作曲家约翰•凯奇的影响，他将“无声音乐”和“一切声音都是音乐”作为自己的创作理念，在反对者的耳中认为这不应该算作“音乐”，听不到传统音乐中的旋律、调式等元素，充其量只能算作观念艺术。[3]而现代作曲家在创作时往往是特意将这些音乐元素排斥掉，因此，以传统观念为引导的反对者对于现代作品的欣赏，便会产生不适应、不喜欢的感受。这两种音乐观念的交流与碰撞，其原因在于以现代派为创作理念的作曲家如谭盾，推动了音乐的艺术边界在不断地扩张，但这种超前的创新理念，颠覆了人们对于音乐传统的审美观念，甚至引发人们对于“什么是音乐”的讨论，“谭卞之争”就是谭盾与卞祖善两位作曲家之间因音乐创作的观念不同，所导致的观念上的交流与碰撞。究竟如何来看待谭盾的音乐作品，笔者认为，这也许需要和贝多芬一样的时代经历进行验证，况且20世纪的音乐还是在一种跳跃式的前进方式下进行的。但我们不得不承认，谭盾作为中国的现代音乐作曲家，为本国做出的卓越贡献。其早期的一些作品如弦乐四重奏《风•雅•颂》是在传统音乐的模式中进行的创作，自二十世纪九十年代起，其创作的风格与方式才开始有所转变，一方面，谭盾吸收学习了西方现代音乐作曲家如约翰•凯奇的思想，将“音乐”赋予不同的定义，运用自然界与生活中的一切声音进行创作，目的在于打动人；另一方面，谭盾在吸收借鉴西方思想的同时，融入了大量中国传统文化的素材，使音乐成为一种具有中国风味的独特色彩，在谭盾走向世界的同时，也是中国的文化在走向世界，中国的音乐在走向世界，这充分体现了谭盾对于本国文化的归属感与认同感，他的大胆创新，也是在音乐发展中的不断摸索，不断地扩展着音乐的边界。

三、对音乐创新与发展的思考

四、结语

各个国家都有他独特的音乐，在倡导多元文化的当代社会，我们追求的是每一种文化的平等，而不是单一地、狭隘地以某一国家音乐的眼光作为唯一衡量标准，高于其他一切民族音乐的思想观念。同样，在不同的音乐流派中，我们也要以多元的眼光、不同的审美来看待各个时期的音乐，学会理解与尊重不同的音乐风格，如同当我们面对没有旋律又不在调性上的20世纪的音乐时，我们需要扩张自身的感性范围，调整感性模式，看到调性与旋律之外的内容；如在约翰•凯奇的音乐中，我们发现原来音乐不一定都由乐音构成，也不一定都有着具体的音；在谭盾的《道极》中，我们可以看出他对于中国道家思想的传播，向往道法自然的真谛，反对束缚的思想感情。梁茂春教授曾说：在音乐创作中，创新是永恒的，无限风光在创新。作为音乐的欣赏者，也要具有发展的眼光和观念，才能面对永远变化、发展着的音乐新作。笔者认为，我们要有一颗欣赏作曲家创新的心，才能更好地享受、体验音乐带来的美。

篇3：文场扬琴音乐形态的艺术文化扩张论文

文场扬琴音乐形态的艺术文化扩张论文

1前言

新文化运动以后，在封建社会意识形态中禁锢的思想和文化得到了解放，全国各地的文化事业开始蒸蒸日上，民族、民问、民俗传统文化在学术界得到了前所未有的重视，而民族民间传统音乐也得到了复苏和发展。文场扬琴音乐也在这以文化浪潮中再一次散发出其顽强的生命力和独特的艺术魅力。文场艺人也从过去的靠卖艺为生身份卑微的社会最底层的戏了成为了新中国的文艺工作者。随着这一历史性的转变，文场扬琴得到更广阔的发展空问，同时，与文场扬琴艺术相关联的文化范围也将得到不同程度的扩张，这种文化扩张既是文场扬琴所吸收和融纳的文化艺术范围不断扩大的体现，也是文场扬琴音乐文化向外界进行展示、输出和影响的过程体现。

2社会发展影响下的音乐文化扩张

建国以后，社会趋向于稳定，各种职业戏曲团体也相继出现，他们在具有时代文化的文场扬琴艺术活动中找到了生机，因此，文场扬琴艺术吸收了姊妹艺术的养分，进行了具有时代特征的文场扬琴音乐的探讨和改革。文场扬琴音乐因此也开始加入了许多新的元素，使文场扬琴音乐的音域相对扩展，并且在器乐伴奏中加入了打击乐，如:鼓、锣、擦等，从而增强了文场音乐力度的表现、节奏更为明朗、音乐的表现力进一步升华。

同时，文场扬琴音乐在曲牌的曲体结构上，借鉴融入了具有戏剧效果的“板腔体”等结构，通过“板腔体”中的板式节奏的不同变化，进行具有戏剧性的`矛盾冲突、情绪波动、情感变化的音乐表演程式的改革尝试。这一系列的改革和创新符合社会背景下文化扩张的发展理念，也博得了这一时期观众对文场扬琴音乐的文化认同。比如:二十世纪60年代创作出的《五娘上京》中“南词诉板”唱腔曲牌，是体现社会文化发展下，文场扬琴音乐表演程式“乐声形态”特征的文化扩展具体表现。

上世纪60年代以来，文场扬琴在保持原有表演程式的基础上逐渐趋向于在器乐表演上的过度，广西艺术学院开设扬琴演奏课程，广西文场扬琴也因此得到了专业性和学术性的整理以及传承。广西扬琴专业教学的领军人物一一李广才先生，很注重对本土民族民间音乐的研究工作，他在扬琴教学的同时，也经常深入地方进行采风，收集、和整理了广西民歌、广西文场，壮剧等本土民歌戏曲等音乐素材，创作出了诸多具有文场扬琴风格和民族音乐风格的曲目作品，并把这些音乐作品编写成教材应用在扬琴演奏教学中，因此培育出一批具有一定影响力的扬琴艺术人才。

3结语

特别是改革开放以来，人们的思想得到彻底的解放，社会稳定，经济繁荣，科技进步，国际交往密切。这一时期主导的是“社会文化大繁荣”，文化形式趋向于个性化、多元化、创新化等。文场扬琴抓住了这一时期难得的机遇，在结合了其文化渊源和地域优势的背景下，文场扬琴得以从新注入更新鲜更有活力的血液。

技术创新、文化创新成为时下各类学术界话题，民族民间音乐在保留白身独特艺术风格的基础上也在不断探求艺术展现的出新。文场扬琴音乐也出现了很多新的作品，作为戏曲的部分最具代表的是:其中的《春兰吟》《榕湖春暖》(何红玉曲);文场器乐曲《大八板》(钟庆民整理);《珠还合浦一广西文场扬琴作品集》(陈栋著)的等，是文场扬琴音乐的创新和发展具体事例。综上所述，广西文场扬琴音乐形态不仅具有人类文化活动的“音声形态”特征和内涵，同时，文场扬琴音乐表演程式在历史的流变和文化传播中，也不断的完善其具有“乐声形态”特征的内容和体系。

其中，文场扬琴音乐的文化事象，包括口头性质曲牌、曲牌抄本、文本记写曲牌、工尺谱版本、简谱版本的曲调曲牌等，都是作为在文场扬琴音乐形态中具有“音声形态”特征的佐证材料。与此同时，文场扬琴音乐形态所涵盖具有“乐声形态”特征的曲牌曲体、曲牌音乐伴奏、曲牌音乐节奏等内容，也是文场扬琴音乐形态具有“乐声形态”特征的明证。然而，作为文场扬琴历史发展中具有时代特征的流动“套路式”弹唱、坐馆“担纲”式伴奏、“吃喝式”、“开台式”、“过场式”、“终场式”的音乐表演程式等内容，特别是新中国成立以来，文场扬琴音乐表演程式的性质在艺术层面上得到进一步的拓展，具有创新意识的音乐艺术作品层出不穷出现在不同场合、不同规格的舞台上，不少具有文场扬琴音乐艺术价值、学术价值的教学和理论研究也随之进入了高等音乐教育教学以及理论研究的视野，从而引起了学界的不同程度的关注。

总之，对文场扬琴音乐形态与表演程式进行研究，具有彰显文场扬琴音乐，传承文场扬琴音乐，弘扬文场扬琴音乐，发展文场扬琴音乐的作用，是在广西文场扬琴音乐研究重要的理论依据和组成部分。我作为一名生于本土、长于本土的“扬琴演奏与教学”研究方向的研究生，对广西文场扬琴音乐形态与表演程式作深入的专题研究，我认为，是一种职业也是一种热爱，更感到是一种责任。同时，由于白身的学术水平有限，所写论文难免有不足之处，恳请各位老师和学友批评和指正。

篇4：音乐艺术感觉与美育论文

随着我国现代化进程的加快和教育改革的深化，艺术教育日益受到人们的重视，艺术作为学校教育之“副科”的时代即将结束了。现代人普遍意识到，艺术世界是奥妙无穷的世界，艺术经验对丰富人生是不可或缺的要素，艺术与人性中最深层的东西息息相通。在人类历史长河的每一关键时刻，艺术都给人以希望和勇气，使人类的天才和智慧得到充分的发挥和施展，并保证了人与人之间心灵的交流。一个没有艺术的民族和社会是不可思议的，正如没有艺术的教育是不健全的教育一样。艺术对青少年的成长具有决定性的意义。艺术不仅能表达感情，使人的创造性冲动得以最大施展，而且能提高学生的洞察力、理解力、表现力、交流能力和解决问题的能力。在艺术这个大领域中，学生可以学到在其他任何学科领域中学不到的东西。所以，艺术教育是学校教育不可缺少的。正如何东昌同志所说的那样：“没有美育的教育是不完全的教育。”

艺术是一个开放的领域，艺术的内涵是不断丰富和扩展的，艺术的发展潜力是无限的。所以说，艺术教育不仅仅是传统认为的艺术技法的教育，而且是一个开发智慧的复杂系统工程。从艺术教育的四大关键要素――美学、艺术设计、艺术欣赏、艺术批评四方面我们可以看到，要想提高青少年的艺术素养，除了掌握技法外，还必须熟悉艺术发展的历史，要具有欣赏艺术的趣味和评价艺术的洞察力。当然，音乐艺术审美教育既有自己的特殊功能，又与德育、智育、体育及其他美育形式有着密切的联系。

一种审美理论的主旨，就是论述和证明如何通过一些有效的方式，尤其是通过学校教育去开发年轻人的艺术感觉。针对当代社会中人的前所未有的多元信仰，有必要改进和复活其判断力。由于信仰的多元化不仅造成了现代社会和现代生活的种种困惑、自相矛盾和冲突，而且造成了现代人的判断力和意志的日益麻痹。要想重新确定哪些是代表一个文化的、理想的优秀作品，就需要重新唤醒人们的历史记忆，对人类迄今获得的艺术成就重新张扬，给人们提供一种足以激发人的创造性行动的灵感和对人类成就的自豪感。

人们对艺术作品常会有一些偏激的想法，认为艺术作品无论如何都是为一定观念服务的，而不是独立的。这就将艺术降低为一种功能性的东西了，将艺术看作是政治、经济和社会关系网络中的一个功能性网络，而忽视了人们对艺术的那种特有的和典型的兴趣――审美兴趣。

众所周知，审美教育具有独特的性质，这种特殊性反过来又将会影响着一个社会文化的种类和性质。所以我们认为，要做到重新激起人们对艺术成就的记忆，恢复人们对艺术的特有审美价值的信念，唤醒人们的判断力，有必要对当今的审美教育观点和思想进行梳理调整，使之走上健康完整的轨道。

艺术是一种独特的人类成就！艺术教育本身就是要把青少年引领到“人文领域”，使之全面发展、健康成长。因为艺术不仅与教育有着密切联系，同时艺术与文化，艺术与社会，艺术与洞察，艺术与理解，艺术与风俗、风气，艺术与哲学等也有着千丝万缕的关联。

科学所追求的目标或所要解决的问题是研究客观世界及其规律，是求真；人文所追求的目标或所要解决的问题是满足人与社会需要的终极关怀，是求善。音乐艺术是人文知识领域中的一朵绚丽奇葩。同人文文化有关的思维主要是开放的思维，艺术能给人以想象力，艺术可以开拓人的`想象力，它有利于人们形成正确的人生追求：人生的追求，就是一个人的人生观、价值观、世界观，而音乐、艺术教育恰恰就符合这一点。作为一个人，必须有物质生活，同时还必须有精神生活。一个健康的生活应包括：一是物质生活主要应合乎生理健康，二是精神生活主要应合乎心理健康。而健康的心理主要取决于人文，心理健康在一定程度上起着更重要的作用，心理健康的本质就是脑健康，脑健康是一切健康的前提。马克思曾说过：“一种美好的心情，比十副良药更能解除生理上的疲惫和痛苦。”而音乐艺术感觉、音乐艺术教育正是教人求善、给人愉悦、使人身心健康向上的。

在整个西方历史中，艺术作品往往是由一小部分人创造的，同时也是被这一小部分人欣赏并为他们服务的，但也总是为社会大众接受、赞同和参与的。当一个社会中绝大多数人都能感受到艺术的必要性，能认识到艺术能使他们的信仰更坚定，告诉他们生活中有哪些是永恒的、哪些是关于人的命运和结局的大事，这样艺术和社会之间就形成了一种健康的和生机勃勃的关系。正是由于艺术的那些栩栩如生的感人形象把无形的精神世界展示无遗，才使艺术在普通人的生活中占据了重要地位。换言之，艺术只有对大众产生了吸引力，成为一种对人类最有效的社会力量，超越了艺术品的物质感受和物质价值时，艺术才具有了真正的意义。当今社会曾有过一些的物质至上主义，也并没有消除人们对精神生活的需要，所不同的是人们与过去时代相比失去了不可缺少的健康信仰，以至不能对一些规劝性形象进行的表达做出反应。这就势必大大削弱了社会人文精神，挫败了人们对种种能够回答人们内心深层需要的东西的追求和热情。

审美教育理论必须强调艺术的人文功能，人必须具备这种区别能力，必须强调培养人对高贵的审美性质的欣赏能力，这对人的生活有着无比的重要性。因为艺术品应该包括艺术所拥有的那种取悦我们和感动我们、扩大我们的本领和给我们知识与智慧的功能。审美教育的目的，就是培养人们的艺术欣赏能力，以使人们在欣赏艺术品时，获得艺术品所能提供的珍贵经验。学会如何去感受美、鉴赏美和创造美，同时着眼于人的基本素质的提高。

审美教育即是我们通常说的美育，或叫做美感教育。美育是实践性的美学。（转第73页）（接第75页）美育从广义上讲是通过艺术和现实的多种途径来进行审美活动。而学校的审美教育是狭义的美育，但同时也是实施美育的重点对象。因为在校青少年和儿童正处于身心发育成长阶段，他们最容易接受美的教育和熏陶，有利于良好审美观的早日形成，从而能以高尚的审美理想，健康的审美情趣去感受美、鉴赏美和创造美。同时学校本身就有音乐、美术等美育内容的学科，可以有目的、有计划地进行审美活动。由于音乐和其他艺术不同，它不是思想的痕迹，而是意志本身的痕迹，所以，音乐的作用比其他艺术的作用都要大而且深刻。音乐是一门极富感情表达和感情力量的艺术，人们通过有目的地参与音乐教育活动，就能激发出人类心灵深处的感情火花。可见，没有音乐教育的参与，美育的任务是很难完成的，音乐教育只有和美育相结合，才能发挥它应有的教育价值；而美育也必须和音乐教育相结合，才能全面实现它的教育功能。

美育和音乐教育同属于意识形态，同属上层建筑，它们都是一种教育实践活动，它们都以人为服务对象，都承受着教育科学原理的指导，都必须通过人的心理活动来完成，都需要经过联想、想象、兴趣、意志、情感、记忆等心理过程，都以形象思维为感受的基本前提。通过这些心理活动过程就可以使学生的审美能力通过不断积累得到升华提高，使睿智的审美批评成为发掘艺术作品的意味的典型方式。通过提高学生的审美理解力，便可使他们更好地把握艺术的意义，更充分地意识艺术潜在的意味，学会欣赏艺术中最有价值的东西以达到丰富学生的视野，使他们的审美能力更强，生活更有价值，精神追求得到更大的满足。这样，就可以使青少年学会欣赏艺术和理解艺术，最终将会变成艺术的热爱者。

当我们的学生一旦熟悉和进入那些高质量的艺术品中，而且掌握了欣赏其审美价值的技能，就不会对音乐、艺术无动于衷，觉得它们可有可无了。音乐、艺术是一种能激起很高级的审美经验的人造物，这种经验是一种愉悦的、丰富的和见识深刻的经验。可以设想，当一个社会中的绝大部分人都有机会、有能力欣赏人类迄今创造出来的和思考出来的最优秀的作品，这个社会定会出现一种极为祥和、宽容、进取、健康的新气象。

可见，音乐教育与美育的结合，不仅必要，而且很有可能。这种结合绝不仅仅是形式上的交缘重叠，而是实质性的功能上的强化。从美育的角度来讲，通过音乐教育这一重要分支的实践使之达到存在价值的全面体现，而从教育的角度来看，通过审美因素的体现和吸收，将是一种寻根求源性的自我发现和自我完善。而不至于对待美育教育停留在只追求直接的效果而不求间接的效果；只知技法的传授和学习而不知精神修养，使青少年学会赏识自然和艺术之美，学会应用其美以改进生活的方式，感化其美以陶冶高尚的精神。我们要引导青少年按照美的标准，正确对待和处理自己的思想道德行为和衣着仪表，自觉抵制不健康的审美观，把自己培养成为有理想、有道德、有文化、有纪律的跨世纪的一代新人。

参考文献：

[1]廖家骅。音乐审美教育[M]。北京：人民音乐出版社，1993。8。

[2]卓菲娅・丽莎著，于润洋译。论音乐的特殊性[M]。上海：上海文艺出版社，1980。10。

[3]腾守尧。艺术感觉与美育[M]。四川：四川人民出版社，。1。

[4]俞玉滋，张援。中国近现代美育论文选[M]。上海：上海教育出版社，。5。

篇5：浅谈音乐教学的创新与实践论文

浅谈音乐教学的创新与实践论文

****同志强调：“创新是一个民族的灵魂，是一个国家兴旺发达的不竭动力。”音乐教学是学校教育中的一个重要方面，在听觉、感受、联想、想象、表现、创造等方面，具有其他学科所无法比拟的优势。根据我的理解，音乐教学的创新是一种演变和渐进的过程，可以从五个方面去理解和把握。

一、培养学生的创新态度

要培养学生创新态度，教师首先必须先成为一个富有创新精神的人。教师的创新精神主要包括创新思维、首创精神、成功欲、探索精神等。教师要从学生喜爱的活动中寻找突破口，不因循守旧，主动突破教材与习惯定势的束缚，引导学生的创造积极性，促进创新态度的形成。

在教学过程中，学生的种种创新性表现常常与错误、顽皮、任性、争吵等相联系。学生对问题的看法不一定十分准确，但敢于想象和联想，敢于发表自己的意见是好的，也是不断走向成熟的过程。假如不给予学生创新机会，轻易代替、否定学生的意见，不但剥夺了学生探索的乐趣，让他们产生失败、内疚、挫折的情感体验，同时还会使学生懒于动脑，疏于尝试。教师应站在学生的立场，正确对待“良性争吵”，多给学生创造“争吵”“讨论”的机会，大胆探索、求真、求新。

二、找准创新的途径

培养学生的创新能力，确定创新的内容很重要。可根据儿童年龄特点培养即兴创编能力。如让学生用各种声音材料去模拟和表现自然界中的各种音响及对事物的切身感受；用声音编创较为完整的带有情节的声音故事，进而尝试为所学的有关诗歌或故事进行简易的配乐表演；让学生口头创编旋律或简单的旋律接龙，即兴创编节奏；也可根据歌曲的内容、形式和情绪边唱边表演，创编出有表现力的表演动作或新的表演形式；还可以尝试创编歌词或为不同情绪的歌、故事、美术作品等编配音乐；等等。

游戏是儿童较喜欢的一种活动方式，儿童在玩中学，在乐中学，通过游戏开发儿童的创造思维。如模仿、模进、旋律接龙，可以培养学生的兴趣，引发学生创新的动力。

三、优选创新的方法

1．发现法

发现法是学生动用教师提供的按发现过程编制的教材或材料进行“再发现”，以掌握知识并发展创造性思维与发现能力的一种教学方式。采用发现法，可以加强学生的记忆和解决问题的能力。例如，教师提供各种音响材料如刮风、雷电、飞机起飞等音响，混声合唱曲，打击乐，人讲话声，水声，钢琴、木琴等乐器组合声等，让学生识别什么是音乐，什么是非音乐。让学生去发现，去探索，并解决问题，然后再从实践到理论上去检验、证明，这样通过发现得出结论。

2．问题教学法

爱因斯坦说过：“提出一个问题，往往比解决一个问题更重要。”在音乐教学活动中会遇到种种困难和问题，教师要鼓励、诱导学生大胆提出问题，并可以解释性地回答问题，让学生通过“观察一听赏一提问一假设一推理一验证”等过程，对问题反复地、持续地进行探究、实践，逐步养成善思、勤问、好学的良好习惯，从而有效地培养学生的创新能力。

3．情境法

情境法是遵循反映论的原理，充分利用形象，创设具体生动的场景，激起学生的学习情绪的一种教学方法。

在音乐中，学生对音乐的感受、理解，往往需要借助情境，如：创设图画再现情境；扮演角色体会情境；语言描绘情境；音乐渲染情境等。使他们产生一定的内心情感体验和情境，从而增强对教材的理解，促使他们产生用音乐来表达的欲望，同时也受到一定的性情陶冶。

4．讨论法

在教师指导下，学生为解决教学中的某些问题，相互启发，讨论辩论，各抒己见的教学方法。在音乐教学中，讨论法能更好地发挥学生的主动性、积极性，有利于培养独立思考能力、口头表达能力和创造精神，能促进学生灵活地运用知识，提高分析问题、解决问题的能力。如对歌曲演唱的处理分析、音乐欣赏作品的理解、形体动作的动作分析、旋律创作的研究、乐队的简单编配等，都可以采用讨论法。

四、培养学生创新的思维

创新性思维表现在不满足用现有知识和社会常识去解决当前存在的问题，而是从崭新的创见来回答问题。培养学生的创新能力和创新精神的'核心是培养学生的创新思维。

1．培养想象能力

想象是思维活动中最有活力的一个方面，要培养学生的创新思维，离开想象不可能取得成效，想象有利于打破思维定势，开启学生的创新思维。如用准确优美的动作示范，生动形象的语言描述，引导学生想象或利用原型启发，诱发思考，促进学生想象。如欣赏一首作品，让学生自己想象、联想，学生们会得出多种答案。

2．培养求异思维能力

以往的教育教学重视求同思维的培养，忽视求异思维的训练，严重影响了学生的观察力、想象力及主动性的培养。教师的话绝对是正确的，歌谱写错了也那么唱，音不准、节奏不对也不去辨别等。求异思维就是从常规思维的反面去思考问题，探索多种方法、答案，激活学生的兴趣和积极的思维。

3．培养发散思维能力

所谓发散思维，是根据已有的信息，从不同的角度，按不同的线索，向不同的方向思考，从多方面寻求解决问题的方法和途径。发散思维具有多端性和灵活性两大特点，在音乐教学中创造一切可能的机会和条件，激发学生大胆探索，引导多向思维。如让学生先实践后总结归纳，让学生在实践中去体会、思考、发现解决问题的途径。再如通过设疑、提问等手段，也会获得较好的效果。

五、构建创新的教学模式

教学模式是在一定的教育思想的指导下建立起来的较为稳定的结构框架和活动程序。教学模式是沟通教学理论与教学实践的桥梁，某种教学模式是针对某个实际问题，为达到某种教学目标而设计的最优教学操作范式。教学模式的构建、选择，要从教学目标和教学本质出发。

创新教学模式的基本特征是：教学对象是面向全体学生；教学目标是培养创新能力；教学过程是主动、生动活泼；教学法是启发内因转化；教学环境是和谐愉悦共振。这些基本特征是相互联系，不可分割的一个统一体，它们之间既相互依存又相互渗透，相互转化。

以上是我的一点粗浅体会，希望同行们能在教学中创立更为适合学生年龄特点的教与学的音乐实践方式，体现培养创新能力的各种课型的音乐教学模式，为我们音乐教学的发展增光添彩。

篇6：地方戏音乐的传承与创新论文

地方戏音乐的传承与创新论文

地方戏是一门综合性艺术，如何适应社会发展，适应人们新的审美需求，是当前摆在戏曲工作者面前的一个重要课题。历史在前进，文化在发展，人们的审美观也不断变化、更新和拓展，戏曲艺术独占舞台的现象一去不再复返。我们要运用马克思主义哲学观点，加强地方戏的理论研究及实践的探索，从其本身去寻找它赖以生存以及发展的规律，重视地方戏中可贵的有价值的东西，对影响其发展前景的不利因素，进行必要的改革和创新。克服保守，孤芳自赏的倾向，充满信心地、积极主动地去借鉴、吸收对本剧种有益的东西，来增强它的自身活力，使其在发展中求生存，在生存中求发展。

虽然电影、电视剧、歌舞等多种艺术形式的发展对戏曲艺术有不可否认的冲击，但通过电视、电影、广播等优越的现代传播工具，能使人们有更多的机会听到优美的地方戏音乐唱腔。这对于开展戏曲音乐教育，推动戏曲音乐发展起着极大的作用。有很多剧目中的优秀唱段，通过广播电视，观众和听众都能看到或听到艺术家的演唱，在欢乐的节日里，工作之余，劳动之后，人们不由自主地哼上几句，以此陶冶情操。

从另一方面讲，时代在前进，文艺在繁荣，艺术门类在增加，人们在多种艺术环境的影响下，各有所好，各有所求，由人们根据自己的意愿任意选择。但无论如何，对于地方戏音乐来说它是任何一种艺术形式所替代不了的，就象照相机替代不了绘画一样。它将有极强的生命力和发展前景。地方戏的优秀唱腔，是经过多少年代、多少艺人的实践改造、继承和创新，多少观众所承认并且已经成为这个剧种的精华和支柱，我们只能通过学习、继承再给它锦上添花。切不可盲目地、不负责任地随意扔掉。相反应该用严谨的态度，精心的构思，用最科学的作曲手段和演唱方法，合理巧妙地去运用，用最佳的伴奏技巧去表现。不少优秀的作品的.成功就在于此。现在很多青年人对地方戏的音乐和唱腔本来就不熟悉，分不清剧种和板式，特别是传统唱腔更是陌生，在对原有优秀唱腔陌生的情况下去欣赏新创作的所谓新的作品，可想而知是多么的困难。总之我们戏曲音乐工作者在创作时一要考虑剧本，二要考虑演员，更要考虑观众。有些少部分唱腔音乐设计者拿出的东西演员学起来下了不少力，演唱费了不少劲，其结果老观众听不惯，新观众不喜欢。也有的上了电视、电台，而观众听了什么印象也没有。有些剧目剧情发展本来已紧紧扣住观众的心弦，而通过唱腔却使这个情断了。这就是人们所说的“下力不讨好”。河南电视台“梨园春”栏目在广大观众中影响很大，收视率很高，对弘扬地方戏音乐艺术起到了不可估量的作用。

但在参赛的曲目看，还是不够丰富，包括近年来获奖的地方戏，里面创作的优美、流畅、新颖容易传唱的唱段也不像过去那样多了。我们的作品要想博得人们的欢迎，戏曲音乐工作者首先要在音乐理论基础扎实、地方戏音乐知识丰富的基础上，多了解姊妹剧种、民歌、曲艺、器乐以及现代各种音乐，兼收并蓄，紧密同演员相结合，广泛征取意见，经过反复演唱修改，才能被人们所喜爱。要使作品既不脱离优秀的传统风格，又有强烈的时代气息，不是一件很容易的事，但也并非达不到。对于不适宜人们所需求的东西（如某些陈旧的较庸俗的程式、曲牌及唱腔），有的我们则应毫不可惜的把它放在研究、保存的位置上去，对于有价值、有利于地方戏发展并被大众所喜爱的优秀传统地方戏音乐，我们则应更好的运用且给它注入新的东西使其既有传承又有创新。在这一点上，《倒霉大叔的婚事》、《香魂女》、《老子・儿子・弦子》等剧目的音乐做得就不错，受到了广大群众的欢迎。随着社会现代化和科学技术的进步，电声乐器在我国也迅速得到人们的广泛爱好和重视。在电影、电视剧、歌舞、音乐会等方面的运用已经普及，地方戏也不例外。有的同志对电声乐器在地方戏方面的运用产生了疑虑，一是担心破坏传统，二是怕“变味”。经过众多的实践证明，电声乐器介入地方戏伴奏，对其音乐的发展是一个新的尝试，如运用得当，设计合理，能起到锦上添花的作用。这个问题从地方戏的乐队发展史中可以明显的看出。音乐工作者把优秀的戏曲音乐、唱腔用电声乐器、西洋乐器和民族乐器相结合进行演奏及伴奏其效果很好。但这些大都是在音乐会和演唱会上运用，而在戏曲舞台演出上的实际运用，远远不够，有待我们进一步去研究、去探索。例如：电贝司携带方便，音色优美厚实。电子合成器音源音色丰富，可弥补戏曲乐队管乐及弦乐不足的缺点，各种声音效果使地方戏音乐表现更加完美。在伴奏中用弦乐音色的和弦长音托腔，能使头把弦跟腔一包到底的做法加以改善，象歌曲伴奏一样使唱腔更加突出，吐字听起来更加清晰。我们可在保持地方戏音乐主体风格不变的情况下，在配器和乐队应用上广泛的吸收优秀传统的及外来的、现代的有借鉴价值的东西，来丰富地方戏曲音乐，为人民群众日益增长的文化生活的需要服务。

对于地方戏音乐的重视问题，直接影响地方戏的发展。这些年来，有些文艺团体在戏曲音乐的创作及乐队的建设上往往重视不够（有些文艺团体在经济力量方面也确实困难）。古装戏是那几件乐器，现代戏也是那几件。购买一件新型乐器那将是很难的事，更谈不上对演员、乐队以更严的要求去学习掌握更多的音乐知识了。孰不知音乐在地方戏包括所有戏曲上起着举足轻重的、不可估量的作用，因此我们要重视地方戏音乐，重视音乐人才的培养和乐队的建设。

正确利用电视这个传媒来普及地方戏音乐也是一个非常好的办法，对新的优秀的唱段多进行宣传，或象各种电视艺术大赛那样举办地方戏音乐创作及演唱大赛，能推出好的作品和优秀演员，并能引起社会的广泛关注，对地方戏音乐的传承和发展将会起到很好的推动作用。

总的来说，地方戏音乐的改革是一个长远的任务，笔者认为：真正陈腐的东西就让它消亡，而对传统地方戏音乐的精华，我们应给它注入新鲜的血液，精心的排列组合，使其焕发艺术青春，就会受到不同层次的受众的喜爱。地方戏音乐的前景是无限的，通过大家的努力，它必将随着时代的步伐，走向新的台阶。

篇7：小学音乐教学实践与创新论文

小学音乐教学实践与创新论文

一、认清教学误区，避免“专业教学”

（一）小学音乐课不等于音乐专业课

目前，小学的音乐课堂上仍然存在着把注意力集中在传统的基础知识和基本技巧的教学上，给学生进行纯粹的音乐专业知识灌输式教学，要求学生背记来开展专业技能训练，禁锢和束缚了学生的思维，也人为地增加了学生学习音乐的难度与负担，久而久之，导致学生对音乐课堂产生了厌倦和害怕的心理。

（二）简单地成立几个音乐专业队（组）

为了参加各级各类的音乐方面的比赛、汇演，有的学校挑选少数学生成立几个音乐专业队组进行强化训练，排练几个文艺节目参演，投入的人力、物力较少，又能出效果。但这种只重视少数学生的训练，会将大部分学生拒之音乐教育的门坎之外，淡化了音乐教育的普及，音乐教育活动容易走向极端。

二、更新观念意识，承载教育重任

（一）树立大局意识

小学音乐教育是校园美育工作的重要内容，是全面发展素质教育的不可或缺的组成部分，也是实现教育目的的重要手段之一。我们要充分发挥音乐教学特有的育人功能，形成学校整体美育的教育合力，全面推进素质教育发展。

（二）强调发展理念

随着经济社会的快速发展和教育改革的逐步深化，学校音乐教育不断面临着新的机遇和挑战。我们要用可持续发展的观点，确定和调整中小学音乐教育目标与内容，改进教育方法，开辟各种途径，以激发学生对音乐的兴趣，进而影响和促进学生的素质形成及个性发展。

（三）注重主体观念

学生是学习、体验音乐的主体，也是音乐活动、创造的主体。这就要求我们要改进中小学音乐教育方法与途径，变被动接受型为主动创新型，使学生将音乐教育内容与要求，转化为自己的音乐艺术修养与审美情趣，真正成为音乐生活的主体。

三、改革音乐教学，强化创新能力

（一）提升音乐教学课堂

1用激趣的手段。紧扣教学内容创设一定的情境，运用多种教学媒体恰到好处地播放与内容相关的课件、录像等，甚至光洁的教学用琴，配套的音像设备，生动活泼的教学挂图等，使音乐教室充满艺术氛围，刺激学生的视觉，激发学生欣赏美、表现美、创造美的欲望。

2用游戏的手段。为他们营造一种、自由、轻松、愉快的.学习氛围，使他们不仅掌握知识又发挥他们的创新主动性。

3用舞蹈的手段。舞蹈教学可以吸引少儿的注意力，增强少儿记忆力，促进少儿智力的发展。少儿舞蹈很符合少儿好奇心强、好玩好动的特点。在少儿舞蹈教学过程中，学生通过老师的示范舞蹈动作，将这些有趣、形象的节拍和动作信息记忆到大脑中，并很快用身体表现出来，这就要求学生们的高度注意，而经常反复的训练使学生们养成了高度注意的习惯。

（二）激发学生的新潜能

1从创编节奏着手。节奏是音乐的灵魂，它赋予音乐以活力，在小学音乐教学中引导学生创编节奏，可以让学生更好地体会音乐美，更重要的是能培养学生思维的灵活性和创造性。联系生活来创编节奏是学生最擅长的方式之一。通过联系生活来创编节奏这种形式，使学生体会参与之乐，思维之趣，成功之悦，从而成为学习创造的主人。在教学中，要求学生根据日常生活创编节奏是培养学生创造力的重要途径。

2从创编歌词着手。创编歌词是学生创造性表达心中的情感及对音乐的理解的思维方式之一。利用学生已有的知识经验，发挥丰富的想象来创作歌词，也是培养学生创造力的重要手段。一首歌曲除了能用旋律表达感情外，还有一个重要的表达方式就是歌词，从歌词中我们可以很清楚地明白歌曲所要表达的意思和感情。作为教师，何不让我们的学生也来创作歌词，通过学生的体验、感受来抒发他们的情感呢？

3从创编表演着手。可以说表演是学生最为喜爱的方式之一。在音乐课堂中，教师常常为学生搭建展示他们表演才能的舞台。孩子们具有丰富的想象力，奔放的幻想激情和出色的表现能力。让学生大胆地去想象，去表演，并通过各种途径和手段，让学生在感受音乐之美的同时创造美。此外，鼓励孩子大胆当好一名出色的演员，教师也要当好一位热心的观众，并及时地给予评价。

总之，在教育改革新理念的指导下，小学音乐教学的教材不应再是枯燥乏味的音乐知识的载体，教师要敢于打破传统的教学形式，变换教学方式，使教材变得充满生机和活力。在音乐教学中，学生不应被看作是没有求知欲望的机械的受教育者，教师应大胆地创新教学手段，为培养学生的创新能力营造良好的教育环境，使他们能自由表达自己的思想和感受，能联系自己的生活融会贯通地理解音乐。这样，音乐课堂才会真正成为学生喜欢音乐、步入音乐殿堂的桥梁。

篇8：《艺术概论》课程建设与创新研究论文

《艺术概论》课程建设与创新研究论文

《艺术概论》从学科上讲，属于艺术学范畴。艺术学是系统研究有关艺术的各种问题的科学，包括艺术理论、艺术批评、艺术史。对于学习艺术的学生，对于理论的掌握十分重要。每一位有成就的艺术家，大多数都是理论与实践相结合的典范。中国有嵇康、顾恺之、梅兰芳，西方有达芬奇、米开朗琪罗、托尔斯泰。他们既是优秀的艺术家，又能通过对艺术规律的发掘成为一流的总结者。但是，高校艺术专业的学生，对于理论的学习常常认识不足，一方面有轻理论，重创作的倾向;一方面对于深奥的理论，有畏难情绪，裹足不前。这就需要教师在教学教法上不断创新，立足学生现状，步步引导，将他们带进艺术理论学习与研究的大门，让他们深切领略学问的魅力，理论与实践相结合的可能性与重要意义。

以下，将从三个方面探讨艺术类高校《艺术概论》教学中如何深入浅出、寓教于乐的方式。

一、引导学生意识到理论的重要意义，引发学生探究理论的兴趣

为了引发学生兴趣，教学中首先从他们普遍比较感兴趣的内容入手。比如，许多学生喜爱观看电影电视，有为数不少的追星族。那么，课堂上则向他们提示：美国好莱坞国际巨星如云，但是只有一位，在去世之后得到了国家为他降半旗致哀的殊荣。许多同学的兴趣立刻被调动，想知道是哪一位明星?为什么?

此刻，教师的回答是：是当时被誉为“喜剧王子”的英国籍的明星劳伦斯·奥利弗。为什么会降半旗?不仅仅因为他表演上的成就，最为关键的是他在理论上的贡献。他为英国莎士比亚的戏剧改编为电影制定了一套规范，莎士比亚的剧作原本为舞台剧，奥利弗成功地将它转化为电影的形式，并成功保留了原作的精神，而且人们发现，他制定的这一套规范，很难后人被超越。

由此，刚刚接触理论的艺术生，很快对理论的重要性有了一个直观的认识。并随即想了解理论和艺术的关系到底何在?

随着这一问题的产生，教师顺应这一心理倾向，继续介绍理论对于艺术创作的意义：从理论起源的角度来讲，艺术魔力无边，但是，人们对于艺术常常不甘心只流于体验和欣赏，想留住它，想再创造，希望发掘出艺术魅力的展现中具有规定性、规律性的东西。希望以理性分析和归纳的方式让艺术中的魔力因素凝固下来，成为可追溯、可复制、可再现的永恒原则——也就是艺术得以存活的它的灵魂，它的心。

这便有了和艺术的起源、繁荣、流衍并驾齐驱的艺术理论。

让学生认识到，作为艺术的起源、过程、范围、规则的形而上抽象提炼的理论，在艺术的创造、发展过程中意义非凡。理论家们希图以此勘破艺术的秘密，寻求一种放之四海，具有概括性、普遍性的审美规范。这一理论提升的努力，与艺术创作并驾齐驱，相互影响，与时俱进。同时，在随后的教育过程中以实例演示的方式，让学生们逐渐了解先进、超前的艺术理论，如何能推动艺术的极大发展。许多学生对前卫的后现代艺术感兴趣，比如超现实主义的艺术大师达利，他的作品前卫、怪诞、夸张、扭曲、深刻，正是受到弗洛伊德《梦的解析》，以及精神分析理论的影响。

在讲解的过程中，则从达利的自传开始，以艺术家创作的真实的心路历程，让学生们清晰地认识到达利的作品是如何解析自我，如何借鉴弗洛伊德心理学的“三我”层次，来建构自身崭新的感知方式、创新艺术表现手法。从其作品实例的分析开始，由此层层深入，从作品进入到理论玄奥的世界。生动形象、由浅入深的讲解，极大地调动了学生们学习的热情。

二、结合实例，让学生形象地见识理论与创作的密切关联

艺术学院学生，因为高中阶段相关文化知识的.积累比较薄弱，对于艺术作品、对于自身所从事的专业认识不足，停留在比较感性的阶段。而且由于中国文化在近现代之后出现的断层，对于艺术内涵与思想性的感知与把握相当欠缺。而中国的艺术家，若要真正达到大师的境界，有前途、有潜力，将来其作品能够参与国际竞争，对于理论的关注与掌握相当重要。

所以，在课程讲解的过程中，让学生见识经典作品与深刻理论的关联是教育中的重要任务。但是这一问题虽然亟待解决，但是也不可能一蹴而就。在课堂上将理论与经典文化结合，有效地传授知识并激发学生的神圣感、好奇心是必须做到的关键环节。

例如，在介绍美国艺术理论家苏珊·朗格的“艺术是情感的符号”这一观点时，结合《红楼梦》分析，在伟大的作品中，一个真正的大艺术家，是如何开掘情感、升华情感。结合“情感说”的理论阐释与来源，让学生们了解《红楼梦》是如何突破狭隘的“情”的范围，写广义的、辽阔的情感。正如《红楼梦》开篇所言：世俗写男女之情的作品，“动不动就才子佳人，千部共出一套。满纸潘安、子建、西子、文君……又必旁出一小人，其间拨乱，如剧中之小丑然。”而《红楼梦》则突破了这种浅薄的定势思维，超出了一般的男女私情，功利之情，写天地古今男女不能尽之情。故事中既有宝玉与黛玉“弱水三千，只取一瓢饮”的纯真爱情，也有更多的纯洁又深厚的友情、同情、关爱之情。如宝玉与晴雯，互相尊重、平等相处、相互扶持，突破了封建时代主仆之间的尊卑;宝玉与香菱，相互信任，宝玉为香菱找裙子一段，突破了礼教对女性的压抑、歧视。再如宝玉对刘姥姥虚构中的女孩念念不忘，盘算着去拜祭她的亡魂。

在一个严酷礼教统治飞环境中，主人公偏要做一个情感的采集者，珍视情感的每一处幽暗的闪光，达到崇高圣洁的人生态度的境界。

这种经典分析的方式，开拓了学生的视野，陶冶了年轻人的心灵，同时深刻地体会到“情感论”所阐发的丰富内涵。

三、从实用的角度出发，在理论结合实例分析的过程中，教导学生将来写作论文、以及艺术批评的方法

激发学生兴趣，不仅有教授知识的长远需要，也有解决学生当下实际问题的需要。艺术评论、

学术论文

篇9：浅谈音乐艺术与绘画艺术的个性与共性论文

摘要：

音乐艺术与绘画艺术是两种不同的艺术表现形式，一种诉诸于人的听觉器官，一种诉诸于人的视觉器官，这两者虽然利用的感官不同，然而它们之间存在着密切的联系，这两种不同的艺术形式相互借鉴，相互渗透。本文从音乐艺术与绘画艺术的个性与共性，特征来分析两者的区别与联系。

关键词：

篇10：浅谈音乐艺术与绘画艺术的个性与共性论文

不同的艺术门类具有不同的艺术表现形式，不论是在欣赏角度还是在创作角度上都会存在着差异，但这些艺术门类在艺术领域中又存在着联系，它们相互促进，相互渗透，以丰富的表现力来反映现实生活的审美化，共同促进艺术门类的发展。

音乐艺术是一种听觉艺术，无形艺术，它以声音为表现手段，诉诸于人的听觉，是一种有情感的艺术，时间的艺术，它的载体是声音和音响等媒介，借助于节奏、音响、旋律等以无形的艺术形式来传达精神。绘画艺术是一种视觉艺术，空间艺术，它通过运用各种艺术媒介如笔、墨、纸、砚等来将创作者大脑中的意象用点、线、面、光、色、影等媒介传达给观者，用一种平面的方式来传达创作者所要表达的精神情感。音乐艺术与绘画艺术同属于艺术范畴，两者之间存在着共性特征，但是在欣赏和创作角度上又有着各自的特点。

一、从欣赏和创作角度分析两者的内在特性

1.从欣赏角度来看，音乐是一种时间艺术，绘画是一种视觉空间艺术。

我们欣赏音乐，从细节、局部开始，直到最终演奏结束，我们才会从中体会到意味，它在时间里展开，在时间里运动，又在时间里结束，所以音乐艺术是一种时间的艺术。而绘画是在平面的材料上描绘，用二度平面创造三度空间的艺术。我们观赏一部绘画作品，绘画作品会以最直接的方式给欣赏着留下整体印象，而后才会具体分析其作品的细节之处，绘画作品要求整体的和谐，具有很强的空间比例布局，近大远小，近实远虚，它运用富于变化的线条在一个平面的空间里充分展现，所以绘画是视觉空间的艺术，此为音乐艺术与绘画艺术的一个不同之处。

2.从创作角度分析，音乐是一种表演艺术，而绘画则具有不可复制性。

音乐作品只能通过表演才能被听众接受，不论在创作之初，还是在创作之中，听众并不能很好地去领悟与了解这部作品，只有在创作结束之后才能被表演，才能让听众从乐谱、从演奏中发掘其妙处，这个演唱、演奏的表演过程也即“二度创作”的过程，可以无数次地进行，这种二度创作是积极的，可以加深作者对作品的领悟和技术上的修改与处理，使作品不断地向更优秀的方向发展。而绘画作品则侧重于它的不可复制性，创作一幅绘画作品，画者只有一气呵成地用笔将心中的意象用线条勾勒出来，才会具有浑如天然的意境。但是每个创作者的手法、风格、笔力以及色彩调和的浓度不同，创作出的作品也会不同，即使模仿技术再高超，也不能和原作一模一样，都会略有不同之处，这就是绘画作品的不可复制性，而在乐谱上音乐作品则不同，它可以反复修改直到创作者满意为止，这一点也是两者的不同之处。

二、音乐艺术与绘画艺术的共性

1.两者都是对人的感官的刺激反映。

音乐艺术和绘画艺术都是通过对人们感官的刺激从而使人产生精神上愉悦的审美体验，音乐诉诸于听觉器官，绘画诉诸于人的视觉器官，虽然感官不同，但都是一种情感艺术，他们都能通过自身的特性来激发人们的情感，音乐艺术用高低快慢不同的节奏、调式来抒发情感，借助声音媒介将情感传达，而绘画作品则用色调、明暗、内容等形式将作品所要表达的精神传达与感染欣赏者，用一幅幅作品给欣赏者展示历史的、民间生活的、抽象的等不同艺术形式的风采，用这些绘画元素来刺激人的视觉器官，加深对艺术作品的审美理解。

可见，不论是音乐艺术还是绘画艺术，这两种艺术形式尽管使用的媒介不同，但都可以用不同的艺术表现形式来促进欣赏者在欣赏过程中审美情感的提升，透过不同的风格特色让欣赏者更好地领悟其作品的内容与情感，把握其作品的精髓。

2.两者都可以取材于客观事件或事物。

音乐与绘画艺术都可以取材客观事物的参照反应或取材于形象生动的民间故事的一部分，也可以取材于某一种艺术种类作品所传达出来的精神特征。例如《拾穗者》就是受到人们在农场干活的这一实际生活场景的真实反映，《高山流水》《百鸟朝凤》又是对大自然真实美景的形象描写。一曲《梁祝》取材于一个民间爱情故事，用优美、舒缓、凄惨等不同的音色与节奏来抒发这一凄美故事的叙述。由德拉克洛瓦（1789―1863）所作的《希阿岛的屠杀》取材于史实，用昏迷呻吟的老人，病去的老妇，痛苦不堪寻乳的孩童，被绑在马背上的少女，再看入侵者那邪恶的面孔，残酷的掠夺枪杀，与受难者形成鲜明悲惨的对照，不得不令观众情感动容。所以总的来说，二者虽然是两种不同表现形式的艺术作品，但都是取材于民间生活或大自然的客观事物或历史故事，再充分利用不同的形式来刺激听觉或视觉感官，将主题内容表现的淋漓尽致。

三、音乐艺术与绘画艺术之间的联系

事物之间是普遍联系的，音乐艺术与绘画艺术也不例外，这两种不同的艺术门类之间也存在着联系。

1.音乐艺术具有绘画艺术的色彩因素。

音乐用不同的音色，不同的乐器，不同的音响来共同组合创作，就如同绘画中不同的色彩会给人带来不同的感受一样，在绘画中的暖色系能给人带来一种有温度，暖洋洋，或者炽烈的感觉，而黑、白等冷色系则给人一种冷冷的感觉，而音乐中的高音低音，旋律音色的不同，同样和绘画中的色系一样给人们带来不同的感受，《百鸟朝凤》用欢快的曲调，仿佛真的有百种鸟类在欢乐的鸣叫，用这种轻快优美的节奏来给人们展示高兴喜悦的情感。而《码头工人歌》中缓慢的节奏、沉重的.音调、反复强调的重音等等，给我们一种身临其境的疲惫不堪的劳动工人辛苦劳作的场景，所以说音乐艺术中有着动态的绘画艺术色彩。

2.绘画艺术具有音乐艺术的动态性。

绘画艺术始终以色彩的浓度变化，线条排列的长短粗细形状等类似音乐艺术的节奏韵律一样占首要地位，宗白华先生认为中国画是“气韵生动”。由于画家的风格不同，所以绘画作品的表现手法也不尽相同，但他们都用不同线条的运动趋势、色彩的自身表现力来展现，又如同音乐艺术中高低、快慢不同的节奏和韵律一样。只不过绘画艺术是用静态的表现形式表达了音乐艺术所包含的艺术特色。五代南唐顾闳中的名作《韩熙载夜宴图》，从图画中我们可以看见轻歌艳舞、琵琶弹奏的热闹场面，在欣赏之中我们似乎是瞬间把这静态的图画转化为一种动态的有着曲子琵琶弹奏的音乐场面，从中营造出一种美的气氛，令人身临其境的奇妙感觉。所以说在绘画艺术中总是和音乐艺术有着千丝万缕的微妙联系，而这种联系又在彼此的相互联系，相互融通、促进。

四、结语

不同艺术门类均有各自的特点，音乐艺术的特征在于追求美妙的旋律、音色，以传达出不同艺术效果的作曲，绘画艺术的特征在于追求用点线、色彩、光影来塑造新的艺术角色形象来诠释对美的一种认识，是对现实生活的展现。在一定意义上，这两种不同的艺术门类有着本质的区别，但是又有着相似点和共同点。事物是普遍联系的，在音乐作品中融入丰富的色彩来赋予听觉艺术的审美特性，在绘画艺术创作时舒缓的音乐也有助于优秀艺术作品的诞生，可以激发创作者的灵感，以更丰富的情感、更投入的状态创作出更加优秀的作品。所以说这两种不同的艺术形式在有着个性的基础上渗透交融，更有助于艺术创作活动的发展，因此我们应当更好的让不同门类的艺术相结合，共同来促进艺术的成长，丰富艺术的内涵。

参考文献：

[1]齐易张文川著，《音乐艺术教育》，人民出版社，。

[2]胡凌著，《绘画艺术教育》，人们出版社，2001。

[3]杨辛谢孟主编，《艺术欣赏教程》，北京大学出版社。

篇11：音乐艺术教育状况与建议的论文

音乐艺术教育状况与建议的论文

高校素质教育中，音乐艺术素质教育的重要性和影响力不容小视。通过鉴赏音乐的方式，人们得到了精神享受，受到教育启发，也得到身心的放松娱乐。作为一种情感艺术，音乐反映着人们的思想感情，能提高人们的审美意识，培养人们的崇高品德，提升个人的内在修养，是一种审美性的学习，能让受教育者收获音乐的人文关怀。

一、目前高校音乐艺术教育的成果

1.实践锻炼效果显著

音乐艺术教育提高了学生的实践动手能力，如社团的开展，让学生们自己组织开展音乐相关活动，使他们能够广泛活跃在社会的各个舞台，成为组织高校音乐艺术活动的中坚力量。与此同时，音乐艺术教育可以提高他们自身的实践能力，使得学生们的整体综合素质得到提高。

2.创造能力显著提高

，获得第十一届CCTV全国电视青年歌手大奖赛通俗组银奖的就是来自北京大学原创音乐剧中的选段《疯狂自行车》《男生田甜》。，同样也是一位普通高校的工科类研究生创造了国内第一个钢琴个人网站，他还创作并出版了多本关于钢琴演奏和音乐理论的著作。

3.就业能力和创业能力得到拓展

音乐本身就是一种创造，非音乐艺术专业的毕业生只要有才华亦可从事音乐相关的事业，同时现在许多来自普通高校的艺术特长生与那些毕业于专业院校的学生相互补。音乐艺术教育使得他们个人在理论修养及文化底蕴方面有一定提升。

二、反思我国高校音乐艺术教育的现状及主要问题

现今我国教育体制落后，社会以及人们的思想观念老化，这些原因严重限制了当前我国高校的音乐艺术教育的普及和发展，在这种前提下学生了解的音乐知识很少，学生自身的音乐素质也普遍较低。相关调查显示，在对近千名在校大学生进行的音乐素质问卷调查中，表示喜爱音乐的学生占10%，而100%认为在高校开展音乐艺术教育课程是很有必要的；然而，对他们进行实际音乐知识掌握程度的调查结果却让我们相当失望，仅有2.6%能够识别简谱，0.2%的学生能够熟练掌握一种乐器，而系统学习过音乐基本理论的人数几乎为零。造成这种反差的原因主要包括以下几点：

1.对音乐艺术方面的师资力量投入欠缺

除却音乐艺术类的专业院校，我国很多普通高校对音乐艺术教育不太重视，因此师资力量的投入极为欠缺。大多普通高校在音乐艺术教师队伍建设上，不仅表现为数量上的欠缺，而且对教师本身的素质要求也十分放松，表现在教师学历低、教研能力不足。就这种状况而言，当前的师资力量根本无法满足高校音乐艺术教育的基本需求，导致这种现象出现的原因主要是因为我国音乐艺术教育的起步晚，现在无法形成一个完善的体系，另外相关教育部门对其也没有达到应有的重视程度。如果放任这种现状继续而不采取积极措施的话，极有可能造成高校音乐艺术教育的再次空白以及音乐艺术教育质量低下。

2.高校中对音乐艺术课程的设置欠妥

大多高校安排音乐课时极其有限，多则一年，少则半年，而且对课程的安排也缺乏延续性。原本学生对音乐知识的了解就有限，音乐素质也极其缺乏，这样的安排对提高大学生们的音乐艺术教育根本就是杯水车薪。同时课程缺乏连续性也对学生们的音乐学习造成困扰，这样的教育连达到培养和提高学生音乐素质的基本要求都谈不上。另外课时安排的局限性直接导致课程内容的编排缺乏系统性。教师们只能笼统大概地给同学们介绍音乐相关知识，并未考虑这些知识是否合理，是否能被学生们吸收；无长远的计划，更谈不上提高学生的音乐素质了，同时也忽略了音乐艺术教育的功能与目的。

3.音乐艺术教育普及范围狭隘

一些高校的管理层没有抓住音乐艺术教育的工作重心，误将演出当作重点，却忽视基础知识教学。甚至因为要保证演出成功，而中断音乐素质课程。类似于这样，将丰富特长的活动重心频繁引向参赛表演，只能使得内在的音乐素养和内涵降低。

三、根据我国高校音乐艺术教育的现状提出的'可行性建议

1.加强社会各方对高校艺术教育的重视程度

根据《中国教育改革和发展纲要》的要求，应该在教育法规和制度上确立相关条款，使得音乐艺术教育在各级各类大学学校教育中得到应有的重视，同时各级教育部门和学校应该积极地将音乐艺术教育列入到重要议事日程和教育发展规划中，确保音乐艺术教育在我国逐步走上法制化、规范化的轨道。

2.采取多种途径开展音乐普及教育，扩大高校艺术教育的普及范围

（1）让音乐课程多元化当今各个高校由于设置的音乐教育课程都比较单一，根本就满足不了大学生对音乐知识的渴求。因此，为了提高和培养大学生的音乐艺术素质，充分发挥音乐教育的功能，就应该在确保音乐艺术教育师资力量充裕的同时设置多门音乐课程。如：《音乐概论》《视唱练耳》《基础乐理》《合唱与指挥》《中国音乐史》《中外音乐欣赏》《西洋音乐史》《合奏》《歌唱基础》等，这样才有可能真正的落实大学音乐艺术教育的普及与提高，同时也给大学生学习音乐提供了更多的选择。

（2）改革原有课程形式原有的音乐课都是采取小班（35-50人）的形式集体授课，这样只能满足少数学生的需求，而达不到音乐艺术教育普及的要求。介于此种现象，迫切要求我们在确保教学质量的同时，将小班教学提升到中班（100-150人）的授课方式上，这样便可让更多的同学有学习的机会，但原有的课时安排只能作为学生们了解音乐的基础理论知识及歌唱、合唱指挥，音乐欣赏等相关知识的基础课教育。除此之外在掌握了以上相关知识的基础上，可让同学们自学或进入提高班学习。

3.加大对音乐艺术的资金投入力度，加强相应的师资队伍建设

各大高校只有加大对音乐艺术教育的资金投入才能有效地加强高校音乐艺术的建设。资金的投入能保证完善的音乐教学条件和教学设施，这是音乐艺术教育提高的必不可少的条件，然而除此之外，至关重要的是建立一支高素质的音乐教师团队。在培养师资的同时也要保证师资队伍的稳定性。不能只是要求教师履行职责，在生活和工作方面，学校应给予教师细微的照顾及重视，只有提供了良好的工作氛围，才会出现更具特色和优质的教学。制定合理的设计课程，并将课外辅导音乐艺术活动也归入教师的工作内容，适当地安排教师的工作量，以此提高教师的教学热情。

4.教学方法的改革创新

实践永远是学习的有效途径，所以高校应该积极开展相关音乐活动，如学校内部各学院或校与校之间定期举行关于音乐交流的竞技比赛，亦可开展校园歌曲创作征集活动等。高等学校在努力提高大学生较高层次的音乐基本理论知识和技能教育的同时，可以提倡学生们积极主动地组织、策划相关校园音乐艺术活动。这种教学方法可以有效地提高大部分学生的音乐素质，甚至可以使得部分学生在音乐演唱、演奏、创作、欣赏、指挥等某一方面达到专业或准专业水平。

5.学校应大力提倡音乐艺术培养

学校是向学生传播文化教育的主要场所，所以要加强音乐艺术教育就必须要从学校抓起，各大高校应该大力提倡音乐艺术的培养。学校应在条件允许的情况下重视学生音乐基础理论的学习，多组织一些与音乐艺术相关的活动，积极调动学生学习的积极性，鼓励学生建立音乐艺术社团等。这样学生就可以在潜移默化中提高自己的音乐艺术素质，增强自发了解音乐艺术的积极性，从而使得自身的音乐艺术素质得到发展。

随着我国改革开放的深入，先进的艺术教育方式和音乐文化文流活动在音乐教育的改革中起到了积极的推进作用。我们也正在探索适合我国国情、符合我国音乐文化传统的艺术教育理念。另外，我们还需要不断地开阔视野、提高艺术修养，建立一种被广大人民群众所喜闻乐见的、深受年轻人热爱的音乐教育模式，最终让接受音乐艺术教育成为一种自然而然、必要的行为，从而真正提高学生们的文化艺术修养。

篇12：浅谈本科院校音乐教学改革与创新研究论文

一、本科院校音乐教学现状分析：

1. 管理机制不完善

音乐教学在高校发展的历史相对较短，并且在很短的时间内，我国高校在音乐教学管理没有机制、未建立诚信经营、管理人员的职位空缺出现时，非理性的管理机构，如学校的音乐教学管理人员的内部问题，不会有大量的职业教育管理人员，虽然这也可以归因于缺乏教育和管理人才，但是不得不承认这是高校音乐教育管理工作人员不专业的事实。

2.学科课程设置不合理

今天，有一些高校已按照以前的课程模式，专业课程教音乐课基本上是一种形式。一些普通高校，抄袭其他专业艺术院校的学术课程设置，而不是根据实际情况进行设置，导致不合理的课程，发展潜力小等特征。

3. 教学与实际联系少

艺术是现实的产物，实际教学自然离不开的产品。在我们的本科院校音乐教育，最大的弊端是音乐太死记硬背的教学方法。在中国的传统教育最注重死记硬背，而中国的这种教育，对后来教育造成了一定的影响。

二、本科院校音乐教学改革与创新，并能促进音乐教学发展的措施

音乐教学改革是一个漫长的过程，需要有效的措施进行调整，从本科院校音乐教学的现状出发，并为了促进当代音乐学科发展，我提出了以下几个建议措施：

1.提高学科重视程度，完善教育管理机制

虽然有着一系列发展音乐教育文件作为音乐教育发展的政策基础，但是在音乐教育发展中，相对其他与其他学科，重视程度是不够的，并没有完善的教育管理机制。因而，在本科院校音乐教学改革过程中，必须摆脱传统的音乐教育观念，大幅度提高学科重视程度，建立重视与发展并存的观念。在音乐教学学科设置中，一定要抓住重点，联系学生实际，开设有利于学生发展，有助于影响社会的学科。完善的管理机制，是确保音乐教学改革持续有效发展的重要保障，在管理机制设置中，要保证人员配置合理，机构设置齐全，管理制度有用。具体操作可以是，学校加大音乐教育学科重视程度宣传，教师联系教学实际进行学科设置探索，教学管理制度严格执行。

2. 拓宽音乐学习渠道，改革音乐教学方法

在音乐教学中，我们应该想方设法拓宽音乐学习渠道，改革音乐教学方法第一，立足音乐课堂教学，注重音乐实践活动中音乐与文化的结合，充分体现音乐教学的人文性。第二，注重音乐课堂教学资源的拓展，弥补音乐课堂教学资源的不足，积极发挥丰富的课外资源的优势如果仅仅依赖于课堂教学，是远远不够的，必须大力拓展音乐学习的渠道，充分发挥课外音乐资源的作用譬如充分引进广播音乐、电视音乐、网络音乐等资源，合理整合音乐课程资源，真正实现课程资源的最优化设置。第三，要关注学生对音乐风格的把握和对音乐文化的了解，要遵循音乐教学的听觉艺术特征，确立学生在课程开发中的地位，努力寻找人文性与探究性的`有机结合点。

3.充分发挥计算机网络优势，创新音乐教学手段

随着时代的进步，科学技术的发展，计算机信息技术已渗透到各行各业之中，特别是本科院校音乐教学更是不可或缺，这是由于计算机网络平台为本科院校的音乐教学工作提供了丰富多彩的资源，高校音乐教师应充分发挥多媒体优势，借助网络信息技术创新音乐教学手段，构建具有本科院校音乐特色的网络教育平台，以便于确保最大化的利用音乐资源作为教学管理机构，应建立健全一套网络系统，使得学生能结合自身技能水平的高低有针对性的选择相应的网络课程，并安排教师把课程教学模块内容发布在局域网，将音乐基础知识与训练和欣赏等方面的内容融入这一网络系统之中，使得学生在学习知识的同时得到训练，在训练的同时欣赏音乐带来的愉悦作为本科院校，应加大资金投入力度，有针对性的购置音乐资源数据库，以便于学生能够系统全面的借助视听材料，提升自身的音乐文化素养与此同时，本科院校还应建立健全一套网络原创音乐交流系统，并鼓励学生创作并表演音乐本科院校构建网络音乐教学平台，不仅很好的补充了课堂教学，既缓解教师教学压力，也方便学生进行自主学习，而且有利于课程的预复习和加强与巩固既充分发挥了多媒体的教学优势，也创新了音乐教学手段。

参考文献:

[1]范巧珍.普通高校音乐教育教学改革探析[J].歌海,(02).

[2]洪波.浅析高校音乐教育中电脑音乐的应用[J].青年与社会.中外教育研究,(12).

[3]徐颖周.浅析多媒体技术在高校音乐教学中的应用[J],吉林工程技术师范学院学报,(11).

篇13：小学音乐教学与创新教育探索论文

小学音乐教学与创新教育探索论文

摘要：随着我国教育事业的快速发展，将创新教育引入到各个学科的教学活动中，是学科教学改革的重要方法。在小学音乐教学中落实创新教育，有利于小学生音乐学习兴趣的形成，更能够提升小学生的音乐欣赏能力与创新能力。开发具有创新意义的小学音乐教学方法，有利于小学生音乐素养的全面提升。

关键词：小学音乐；创新教育；教学活动；音乐氛围

创新教育，是以学生为主体的教育，更是重视学生潜能开发与个人需求的教育。在最大程度上开发小学生的创新潜能，激发学生的音乐学习主动性，是在小学音乐教学中落实创新教育的重要手段。利用创新教育，让学生积极地参与到音乐知识的开发过程中来，会让学生逐渐意识到音乐学习的乐趣，成为音乐知识的追求者。

一、营造良好音乐氛围，促进创新教育

对于音乐学科来讲，审美是学科的特色，审美教育是学科教学的特殊部分。要促进创新教育模式在小学音乐课堂中的落实，教师要认识到音乐教学的艺术性与审美性，利用有效的方法对教师进行美化，促进良好学习氛围的形成。美化教师环境，让小学生从进入音乐教师的那一刻起就找到音乐学习的兴趣与美感。用音乐作品的欣赏，让小学生全情投入，有利于教学活动突破传统教学模式的限制。在小学音乐教学中，教师要善于动手与动脑，根据不同年级小学生的音乐学习爱好创设有效的教学情境。首先，从教师的桌椅摆放来讲，传统的桌椅摆放为横排竖列式，这样的桌椅摆放方法过于规矩，会给小学生带去学习压力。鉴于音乐学习内容具有艺术性，教师可以利用艺术性的手段摆放桌椅。将桌椅摆成圆形、半圆形或者小组方块型，有利于教室美感的提升，也能让小学生的音乐学习心理更加轻松。其次，做好教室的墙面装饰。教师可以在墙上挂一些山水画与音乐家的生活图像，让小学生在进入教室之时，有一种走入音乐殿堂的感觉。通过音乐教学环境的创新，促进教学氛围改变，是小学音乐教学中实施创新教育的重要举措。

二、突出学生主体地位，促进创新教育

到底谁才是课堂教学活动中的中心，一直是一个备受争议的问题。在小学音乐教学活动中，教师与学生的地位谁高谁低，是影响教学质量的一大难题。部分教师认为教师是教学活动的主宰者，在课堂教学中有绝对的决定权。小学音乐课堂中必须要体现教师的中心地位，保障教师的权威。但要落实创新教育，就要认可新课程标准提出的学生主体观点。肯定小学生的主体地位，才能让教学目标更加明确。在传统的课堂中，教师犯了错误，小学生发现却不敢说，小学生有个性化学习需求，不敢向教师表达。这只会让课堂教学变得越发死板，不利于教学进步。教师要关注小学生的音乐学习感受与学习需求，在课堂中为学生服务。选择小学生喜爱的方式实施教学，重视课堂中的师生交流，才能促进教学创新。比如，引导小学生学习“狮子舞绣球”这首歌时，教师不能为了教学方便让小学生反复跟自己学唱。教师鼓励小学生离开座位，根据歌词的内容与歌曲的旋律做出狮子舞绣球的`动作，给小学生展示个人能力的机会，有利于小学生感受到音乐学习的快乐，逐渐爱上音乐学习。用不同的方式实施音乐教学，对于小学音乐教育的创新发展十分重要。

三、提升教师个人素质，促进创新教育

要在小学音乐课堂中落实创新教育，教师必须要具备创新教学的意识与能力。教师要给学生讲一点知识，自己必须要掌握十点，甚至百点知识。教师要重视个人音乐专业能力的提高与教学技能的提升，从多年不变的教学模式中走出来。要对小学生的创新能力进行培养，落实创新教育，需要教师从教学方法上积极创新。从学校来讲，学校要重视教师创新教学能力的培养，定期举办创新教学大赛，给教师动力去思考新的教学想法，并积极去实施。从教师个人来讲，教师要建立与时俱进的教学思想，跟上新课程改革的步伐，积极去学习新知识。比如，引导学生学习“藏猫猫”这首歌时，教师就可以将游戏与音乐学习结合起来。小学生对于游戏的向往是不能抑制的，将游戏活动作为小学生学习音乐的吸引点，有利于小学音乐课堂教学趣味性的提高。

四、结语

综上所述，创新是教育改革过程中的一个重要元素。将创新教育模式与小学音乐教学活动结合在一起，能够让音乐学习满足小学生的精神需求，促进小学生更加积极地面对音乐课堂活动。重视民族进步与国家发展的灵魂，将创新元素植入到小学音乐课堂中，是构建高效小学音乐课堂的重要方法。

参考文献:

［1］明月辉．浅谈小学音乐教学中的创新教育［J］．学周刊，2014，(05):221．

［2］王庆明．小学音乐教学中的创新教育探讨［J］．现代企业教育，2015，(02):346．

［3］张丽云．小学音乐教学中的创新教育研究［J］．新课程，2015，(09):113．