下面是小编为大家整理的色彩在艺术设计创作中的表现论文，本文共11篇，以供大家参考借鉴!
篇1：色彩在艺术设计创作中的表现论文
色彩在艺术设计创作中的表现论文
摘要：艺术设计创作是具有两重的属性，一方面，是艺术设计创作属于艺术的范畴，是具有审美价值的，另一方面，艺术设计创作还具有实用的功能。因此，在艺术设计创作中，色彩的表达是表现创作者的一种对社会和对周围的感知过程。分析认为，艺术设计创作中的色彩表现体现了创作者的风格，也架起了创作者和观众之间的情感桥梁，色彩的表达也体现了色彩的情感需要，色彩的表现更是文化需求的一种诠释。
关键词：艺术设计创作；色彩表现；审美
所谓艺术设计创作其实就是用艺术表现的形式，通过审美的表现来结合社会、文化、市场和科技等多方面的因素，然后把这些因素和我们的生活紧密联系起来，创作在设计中。一般情况下，艺术设计创作从艺术的角度来说，是具有审美的功能的，从实用的角度来说，其实还是具有使用功能。因此，作为艺术设计来说，是为人的精神和物质文化而服务的，是满足人类社会的物质功能和精神功能的完美的结合，也是现代化发展的社会历史进程中的必然的产物和过程。实际上，在艺术设计创作中，对色彩的运用也是很重要的，色彩是通过人的眼睛，脑和大众日常的生活经验综合运用的情况下产生的一种在光的作用下的视觉的效应。这种视觉的效应是创作者对周围感情的认知，也是对感觉的一种向往。创作者在进行艺术设计创作的时候，也需要通过色彩的表达来表现自身内心的感觉和自己内心的喜好，而色彩也是最好的一种表达内心的过程。实际上，艺术设计中的色彩设计和表现就是一种颜色的搭配，在实际的艺术设计创作中，这种艺术的表现是千变万化的，通过艺术设计者的创作把色彩表现出来，再通过大众用眼睛来体会周围的环境，色彩的作用就凸显出来了，在人类的视线中产生相应的各种各样的效果，带给大众不同的体会，也会反映大众的美感认知、情绪波动和自身的审美的情绪。因此，在艺术设计创作中色彩的表现是十分重要的。
一、艺术设计创作中色彩的风格表现
在艺术设计创作中，色彩具有十分重要的作用，直接体现了创作者的风格，和把握创造的精髓。实际上，在现实生活中有很多优秀的艺术品，在创作设计中都是用色彩来体现风格的，作为色彩设计来说，就其自身的内涵有很多不同的风格的，比如由鲜艳、强色的暖色调的色彩配成的艺术设计创作的风格表现和由冷色调配出来的风格就是不同的。一般情况下，暖色调的色彩风格都是给人以明快的感觉，也可以突出艺术设计创作的主题。其实，在艺术设计创作中，生动的色彩设计可以诠释创作者那一刻的心情，以及呈现给观众，观众也可以了解作者的风格和作者想表达的主题，这种色彩的风格的体现是很直观的，直接在色彩的表现中表现了出来。另外，在艺术设计创作中，内涵的体现也是很重要的，很多时候浓厚的色彩直接对创作作品的内涵显示就起到了重要的凸显作用。
二、艺术设计创作中色彩的情感表现
在现实中，人们的感知的色彩是通过现实的眼睛来直观的反映和体现的，一般情况下，视觉器官在感知色彩的时候，都是伴随着其他器官而产生的综合性的知觉和感觉的意识活动。所以在艺术设计创作中，创作者使用色彩其实代表的是一个整体的形象和过程，包括了客观的创作者的印象、记忆、联想和情感的体现，只有综合的丰富这些元素和内容，才会在艺术设计创作中体现出良好的色彩的效应。比如，在实际的艺术设计创作中，同一类的色相或者色调的配色方式其实在画面相一致和颜色相一致的情况下，很难达到和谐统一的效果，但是如果色调反差很大的话，色调的落差又正好突出明显的颜色，画面是否丰富，色调是否统一其实带给观众的都是一种情感的需要，淡雅的紫色配上大雁的黄色，这样的情感需要其实就是一种色彩情感的体现。也体现了创作者当时创作阶段的心情，给观众也表达了自己的倾诉和追求。所以，色彩的`配色是一种情感的表现，在艺术设计创作中，要特别关注色彩设计配色的反差和魅力，善用色彩的配色来赋予颜色的内涵和丰满颜色的内涵。
三、艺术设计创作中色彩的文化表现
在艺术设计创作中，不管是商业的设计还是个人的爱好创作，实际上都是一种流行和文化的反映，色彩的表现是一种模仿和流行，色彩可以带来追随和认可。实际上，艺术设计创作者在色彩表达的时候，可以把色彩和同一色调的事物明显的表达出来，比如在平面设计中，可以通过平面设计的色彩表达方式直观的反映色彩中的流行的文化，在设计过程中，在思维上就可以演绎细微和微妙的色彩感受力。众所周知，红橙黄绿青蓝紫这些普通的魅力的颜色再加上黑白灰颜色，不同的颜色的搭配和属性就会呈现不同的创意和表现。在艺术设计创作者创作的过程中，在对色彩的感知过程中，实际上不能忽视眼睛第一时间的即视的感觉，要从文化魅力的角度来体现艺术设计创作中的色彩的表现。文化是一种流行，也是一种魅力，色彩的表达是文化流行的元素，也是引领设计的一种新潮，色彩给人的文化表现，给人一种文化的流行，艺术设计创作的色彩一旦拥有了文化的气息，也必将经得起市场的考验是流行的文化的体现。综上，在艺术设计创作中色彩的表现力量是很强的，直接反应了创作者的风格和情感和文化力，因此，艺术设计创作中，色彩的表现是十分重要的，也是设计创造者最直观的视觉表达，突出了创作的表现力。在艺术设计创作者创作的时候，必须根据色彩的实际情况和创作作品的实际情况来进行色彩的搭配和分析，用色彩来表现自己的心理特征，用色彩来感知创作者的思想和空间。因此，色彩是直接联系创作者和观众的桥梁，艺术设计创作中的色彩的表现是直观反映创作者和观众情感和思想的重要呈现。
参考文献：
[1]侯履晖，论艺术设计创作中的色彩表现，现代装饰(理论)，5月
[2]吴志华，色彩通感在审美活动中具有的价值，南昌大学，208月
[3]徐燕，论色彩在中西现代油画艺术中的情感表现，山西师范大学，年4月
[4]周小娟，浅析艺术设计中的设计色彩表现，安徽文学(下半月)，12月
[5]杜森，现代海报设计中的色彩表现，中国艺术研究院，3月
篇2：浅析色彩在商业空间设计中的表现论文
浅析色彩在商业空间设计中的表现论文
摘要：现代商业空间设计一般在强调设计的功能性及实用性的同时，也愈加重视设计的人性化和审美情趣，色彩在现代设计中发挥着重要作用。本文简要分析了色彩在商业空间设计中的重要性及其作用。
关键词：商业空间色彩属性色彩情感
色彩是设计中最具表现力和感染力的因素，特别是在艺术设计领域，它是强度最大的视觉符号。因此基于其不可替代的特征，我们如何在商业空间设计中去正确运用色彩是值得探讨的。
1.色彩在商业空间中的重要作用
科学家对人类眼球活动的研究显示，人对颜色的反应最快，在形状和色彩同时并存的前提下，首先为人眼所接受的是色彩，其次才是形状。商业空间主要是指办公、销售与服务场所，也包括产品的陈列与展示空间。色彩作为设计整体的重要因素与组成部分，具有审美性和功能性的双重作用。在商业空间中，色彩不仅对人们的视觉环境产生影响，还直接影响着人们的情绪和心理，并在一定的程度上影响着人们的活动行为，从而满足人们的物质与精神生活的双重需要。
2.商业空间设计中色彩的属性和功能性的体现
色彩之所以如此美丽，就是因为颜色之间存在着丰富的对比关系。而颜色的形象又是由色彩的要素决定的，因此色彩的三要素十分重要，即色相、明度和纯度。商业空间设计中可以利用色彩属性来营造气氛。同一色相的颜色，可以用明度的变化产生对比；同一明度的颜色，也可以用不同色相或纯度产生对比。为了增加空间色彩的活跃气氛，也可使用对比色或补色。使用高明度色彩可获得光彩夺目的气氛；使用低明度的色彩和灯光，往往给人一种温馨的感觉；使用纯度较高鲜艳的色彩则可获得一种愉悦的空间气氛；而使用纯度较低的灰色调可以给人安静和祥和的空间氛围，色彩同时也是一种语言，通过不同的色彩语言，表达不同的色彩功能。
3.商业空间中色彩的物理、生理、心理效应
色彩是一种物理现象，通过人们的视觉感受产生一系列的生理、心理和类似物理的效应，形成丰富的联想、深刻的寓意和象征，如冷暖、远近、轻重、大小等，这不但是由于物体本身对光的吸引和反射不同的结果，而且还存在着物体相互间作用所形成的错觉。另一方面，色彩在对人产生各种生理反应的同时也会引起不同的心理联想，如庄严、轻快、刚强、柔和、富丽、简朴等，造成不同的心理反应。认识这些不同的心理反应的现象，是进行色彩设计必不可少的工作。
4.商业空间中色彩的情感
自然和社会中不同的现象会引起不同的色彩变化,使人们产生多样的联想，从而在生活中逐渐形成了对色彩特定的心理反映。色彩情感的产生,不是色彩本身具备的功能,而是人们赋予了色彩的.某种文化特征，这种特征使人们对色彩产生一种经验性的好恶,每当看到这种色彩,就会本能的想起这类色彩所代表的事物或事件,继而心理上会对色彩产生某种感情，我们亦常常称之为感情色彩。例如：在商场的入口处以暖色装饰，烘托热烈的迎宾气氛；在购物区则采用这个时期的流行色来布置女士用品场所，可以刺激消费者的购买欲望。 5.商业空间设计中色彩设计应遵循的基本原则
色彩是大自然赐给人类最宝贵的财富之一，不论是远古时代还是现代文明，不论地域和种族，色彩都是人类所共有的语言，色彩都赋予人类共同的感情色彩。基于我们对色彩的感知和认识，在商业空间设计中，我们应遵循的基本原则就是必须满足色彩在商业空间中的功能性，遵循整体统一的原则，符合人类对色彩的感情规律，同时注重文化主题。
当然不同的民族文化对色彩有各自的传统，我们同时也必须予以尊重。例如：赤色与黄色在我们民族传统的色彩语言中，象征着幸福、庄严、神圣。结婚、新年庆典等喜事活动都离不开它；西方文化在结婚喜庆的活动中更多的是用银色或白色表达庄严、神圣、信任和纯真；绿色表示青春与希望；青色表示尊敬和诚实；橙色表示努力与忍耐；在英国，黑色象征着悲哀和悔恨；意大利人认为紫色是消极的色彩；荷兰人则喜好橙色和蓝色；在印度，黑、白和浅淡的色彩视为消极和不受欢迎的颜色；这些都影响了人们的审美观念。
色彩是商业空间设计中的灵魂，并不是单一、孤立的存在的，各具功能特点的色彩会彼此影响，只有遵循一些基本的原则，才能更好地使色彩服务于整体的空间设计，达到更完美的效果，创造出充满情调、和谐舒适的商业空间。
参考文献:
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〔2〕隋洋室内环境色彩的形式与功能《吉林工程技术师范学院学报》
〔3〕范松华论装饰设计艺术的色彩语言《学科视野》
〔4〕刘虹现代设计色彩语言的新观念《美术向导》
〔5〕赵彦全浅述色彩的情感与功能《中国校外教育.理论》
〔6〕孙椿龙点睛―浅谈商业空间设计中的气氛营造《艺术与设计》
〔7〕余刚商业空间设计遵循的原则《科协论坛》
篇3：海报设计中的色彩表现论文
海报设计中的色彩表现论文
海报设计是视觉设计中最具有外扬告知的形式载体，其主要的功能与作用是在任何的公共空间传播和散发信息。在公共空间接受信息，特别是色彩的信息，对色彩的要求应不同于其他的视觉信息载体。色彩对空间的穿透力应该是海报中色彩的基本要求和条件。如何有效地显示强有力的色彩生命力，对海报设计而言是至关重要的。
一个海报设计的形式载体，通常由一个特定的空间供荷载，所有的有关海报设计的视觉元素通常都会在这个空间中布置与展开。就海报设计本身的空间而言，将色彩以整体空间的面积与量比来进行调控，能最大限度地彰显色彩的爆发力，这是针对色彩本身在量化对比中显现的，其原理是大与小、多与少的关系。一种色彩或色系对一个空间的绝对控制，可以使该色彩形成明显的色性感应。视觉也可以从中得到某种反馈与印象。从专业术语的角度而言，以某种色彩控制整个空间而形成的调子，被称为主调。主调的形成通常是由二种色彩的构成方式来完成的：其一，单一色彩的整体运用，其二，则是多元色彩的并合应用。单一的色彩整体运用，指的是用单一的某一种色彩，比如红、橙、黄、绿、青、蓝、紫，中的某一种色彩或以某一色与其他色的混合，并以单一的方式出现。
这种主调的形式，其特点是色感倾向性清晰，有明确的色相或色性的视觉感受，同时对主题意图的诠释与表现极具明显，更符合于海报设计视觉语言的表述特征。
纯粹的原色色相在海报设计中展示其整体单一性的色彩表现时，色相语言的表达力也最具说服力和感染力，当然，前提是与其所要表述的信息须以吻合。色相的原始性同时也保持了纯度的纯净性，这二者是相互关联和不可分割的。色相的原始性和单一性与相对应的明度强差异相结合，可以使单一色彩在主调的调控下，得到最大化的释放与体现。众所周知，在同比的七原色之中也存在着不同的强弱关系，去掉海报设计本身以外的环境因素，最具张扬力的色彩自然是暖色系里的红、橙、黄，其间首推第一的是红色，然后是冷色系里的绿、青、蓝、紫。依照光源色的原理红色为最长光波，紫色为最短光波，因此，这种科学的分析与推论，在纯粹的视觉实践中也是名副其实的。然而，在非纯粹的视觉行为中这种建立在理論上的色极强弱往往未必能得到相应的印证。所谓的非纯粹的视觉行为指的是海报设计载体中主调色的应用与存在方式，应当明白的是，作为海报设计的主调，它必须处于一个实在的空间环境的'底色中。这种环境底色不可能不对海报设计的主调产生影响，反之可能会干扰甚至反作用主调色体现与发挥。不同的环境底色会与不同的海报设计主调产生不同的色极的对比效果，这种对比的差异越大，主调的视觉力度也就越大，反之则越小。
在实际设计的过程中，海报的主调的设计，一般不会考虑到环境底色的因素，因为，主调空间的底部通常被白色区域所界定，这就是为什么在一般的海报设计底部的四周都有一圈白色作为环境底色的缘故。因为白色属于无彩色系，它可以和任何程度的有彩色形成对比与协调。作为中性色的白色来做海报设计主调的底色是比较适合的。除单一色彩的整体运用以外，以多元色彩作为海报设计空间主调的，在海报设计设计申也时有多见。多元色与单一色的区别在于色相与纯度及明度上的多重性与丰富性。其主要的特征在于色彩偏离了原色的基本特征。色彩单体特征变得模糊，色性的倾向性也越趋丰富。由于多元性的主调的构成原理是来自于多种色性元素的介入。因此，所形成的视觉效果较之于单一色主调有了更多的灵活性与变化性，在海报设计空间的主调设计中，变化性的运用主要来自于色彩间的互混，互混的方式很多，有调和式互混，也有并列式互混，同时，还有非同一色系的秩序推移等。多元性基调的调和互混方式的图例多元性基调的调和互混方式，主要体现在二色以上的直接混合所呈现的第三种色性，这种方式在多元性海报设计中是常见的，比如蓝灰、黄绿、奶黄及玫瑰色等。就视觉效果而言，较为直观，透过空间，随着空间的扩大则容易变得微弱。这是因为色彩直接互混的结果，其原理是在空间的二次过滤和过程中的减法所致。就视觉效果而言，较为直观，透过空间，不会改变色性，但也随着空间的扩大则容易变得微弱。这是因为色彩直接互混的结果，其原理是在空间的二次过滤和过程中的减法所致。与调和互混不同的是并列式互混式的主调运用，并列式互混式的主调运用其原理来自于空间混合的构成方式，该方式的色混结果是由空间对并列色之间视错觉的影响所造成，因此，就空间而言具有较强的色穿透力。在实际操作上，色与色的并列往往建立和糅合在具体信息的视觉元素中，也就是落实在某些具象的图形、文字或抽象的肌理之中。因此，从这个意义上来说除色彩以外的任何视觉元素，在设计或处理其本身的色彩关系时，必须考虑对主调所产生的结果与影响。
多元性主调的色性虽然较为模糊，但还是有一定倾向，尽管这种倾向较为微弱，毕竟这种微弱是针对单一色主调力度而言的。若以绿色空间为基调，适当地嵌入黄色，绿色在黄色的剂化中，改变了其绿色的基原，开始向黄绿色转变，此时再介入一些红紫色，绿黄基调开始变暖，色性的走向更为含蓄与丰富，主调的色性变得偏离绿色更远，但是绿色的倾向还是存在的。多元基调的多重性致使其色性的倾向性明显减弱，但色层自然地变得丰厚起来。这种丰厚主要来自多元色层的介入，其造成的结果，是色彩纯度的降低，低纯度的色彩；会使色彩走向灰度，自然地会形成视觉上的厚重感。
以色秩序作为主调的排列方式，在海报设计设计中也并不鲜见。色秩序的混合与上述二者不同之处在于有序、有条理及其循序渐进的色彩处理方式。色秩序主调的处理可以从单一到多元，一者可分亦可合，应视信息所需而定。单一色序通常指的是同色系明度与纯度的渐序变化，此类主调的视觉通常显得较为自然和含蓄，相比较单一性互混式，且多了一份变化与对比。跨越了同一色系的界限，色相便显现了两个乃至两个以上的色性特征，此时，色相在秩序变异中，体现了多色彩的丰富性与变化性。就色性的特点而言，多元性秩序渐变，能更强的体现色彩表现特征与魅力，在视觉受众上也就更有吸引力和穿透力。无论是单一性还是多元性的色秩序主调效果，体现视觉画面的空间多层性与丰富性是他们共同的特点。主调的运用，并不是简单地理解为单一色彩对空间画面的统一性控制，事实上，所谓的主调控制，指的是以某种色彩以压倒多数的色量来进行整体的构筑而形成的相应的色主控，并以此来达到某种特定的色彩倾向的目的。但这仅仅是基本调子与色层，就海报设计而言还应有少量的有别于主调的色彩，来进行局部的对比与调控，使主调的色性显得更为强烈和明显。同时，也会使整个空间变得更为丰富与生动。主调的色控位置一般体现在海报设计的背景层，背景层通常是海报设计面积最大化的区域，因此，也最能体现主调的特征之处。当然，作为主调的背景层并非是海报设计的全部，除此以外，还有更多相关的视泰所涉及的色彩与主调通常会拉开一定的差异，拉开差异的目的是为了体现画面的空间和层次，以显示信息要求的主欢和虚实关系。非背景色彩的元素，其色彩的表现与运用是视信息元素的前后关系而定的，离背景越远的，与背景色的距离越大，反秩序渐变方式的图例之则越小。
篇4：前景化在唐诗创作中的表现
前景化在唐诗创作中的表现
摘 要：本文通过运用西方文体观中的前景化理论对唐诗在多个层面上进行解析，以期突破静止描述、分类的体裁研究方式，从不同视角来欣赏前景化所带来的艺术美感，并为唐诗文学价值的解释提供有力的依据。
关键词：前景化;唐诗;文体
一、引言
对于文体学基本理论及其对象和研究方法，中国传统古典文学流派与西方各有偏重。中国传统意义上对文体的认识主要是对体裁及与体裁相关问题的阐发。借助于语言方法研究文体风格的西方文体学则在20世纪前半叶开始成为一门独立的学科 。本文通过运用西方文体观中的前景化理论对唐诗在多个层面上进行解析，以期突破静止描述、分类的体裁研究方式，从这一角度来欣赏前景化所带来的美感，并为唐诗文学价值的解释提供有力的依据。
二、唐诗中语言运用的前景化解析
唐代是中国诗学的盛世，唐诗的艺术灵魂已经融入整个中华民族的血液之中，成为泱泱华夏文化传承中的典范与精髓。下面我们就从构成唐诗文本的语音、语法、语义方面的偏离以及平行的角度对唐诗的前景化进行考察。
(一)语音偏离
人们在日常生活中主要运用语言的交际功能，较少受表达的需要刻意考虑语音的节奏或韵律，而偏离常规的语音前景化在诗作中经常使用。从而在语义表达内容的基础上，额外产生出作品的音乐美。韵律是我国诗歌中不可缺少的艺术特征。声律是唐代近体诗与古体诗最明显的区别，平仄的运用不能任意，讲究平仄交替和句与句之间的“黏对”。例如李白的《送友人》双句句末均用平声韵，单句不用韵。句式为“二二一”和“二一二”节奏，文学史是文学体裁和风格的演变史，其嬗变的外部原因归结于社会历史的发展，内在程式即是文体风格前景化的演变过程(马菊玲，)。唐代近体诗在韵律形式选择上与古体诗的灵活用韵规则相偏离，造成了在社会历史背景下与之前社会所接受的常规相违背的语音突出现象。这种偏离往往都关联到了作品的整体意义，从而形成了唐诗诗作区别于其他作品的独特音乐美感。唐诗中也不乏篇幅较长的七古，如张若虚的《春江花月夜》，全诗三十六句中九次换韵，声韵与诗情同步，相得益彰。近体诗严格的韵律背景化为这一历史阶段的风格，作者在个人语言艺术形式上的革新成为新的前景化凸现出来，把作者所要表达的意境美和情感美演绎得淋漓尽致。
(二)语法偏离
在唐代诗歌中，偏离语法常规的诗作不难觅得。温庭筠《商山早行》中三、四两句“鸡声茅店月，人迹板桥霜”历来为人所称道。这两句诗把代表十种状物的十个名词组合到一起，中间没有任何限定动词的出现，本来是不符合语法规范的。但这样的组合结构反而保留了名词的具体感，“鸡声”“茅店”“月”凸显了一种空间静与动交织的场景，使读者自然而然联想到早行所见，“人迹”“板桥”“霜”，却与上句形成反衬，“莫道君行早，更有早行人”，这种组合而成的名词结构句使读者对作者想要表达的“早行”产生出无限的联想与共鸣，从而传达出特殊的艺术感受。
王维的《山居秋暝》颈联“竹喧归浣女，莲动下渔舟”，作者采用因果倒置的方法，把作为结果出现的“竹喧”和“莲动”提前，主谓语放在句尾之后又进行倒装，变“浣女归”为“归浣女”，“渔舟下”为“下渔舟”。经过作者超乎寻常的前置处理，诗句叙事显得更加真实并富有生活气息;倒装句巧妙设置悬念的办法，使读者产生出与心理预期相违背的失协感受，取得了很好的'文体变异效果。
在特定的语言环境中，作者通过改变词语的常规组合方式来表达独特的意蕴并使读者获得一种美的享受。如柳宗元的《江雪》中的“独钓寒江雪”，作为状语的“寒江雪”被放在谓语之后，全诗的主题在结尾点明，这种不符合常规的语言处理向读者传递出了悠远而孤独的境界。
(三)语义偏离
语义偏离经常出现于修辞语言里。如杜甫《春望》中的“感时花溅泪，恨别鸟惊心”。作者触景生情，情移于物，将个人的感怀怅恨之情弥漫于周遭其他的活动和体验当中，扩大了诗人的情感蕴含，使读者更能体会到作者的“感时恨别”。相应的手法又如刘禹锡的《西塞山怀古》中的“山形依旧枕寒流”，作者用“枕”这个动作描写西塞山巍峨耸立下的长江在寒秋中滚滚东流，拟人的手法赋予了“山形”沉重的意象，既呼应了上句的“人生几回伤往事”，又照应了文中诗人触景生情，怀古感伤的慨叹。
《左迁至蓝关示侄孙湘》中韩愈用“一封朝奏九重天，夕贬潮阳路八千”的夸张手法写出了作者因一封奏疏而无故获罪的怨愤之情。李白的诗作中大量运用夸张偏离的手法，如“燕山雪花大如席，片片吹落轩辕台”，“桃花潭水深千尺，不及汪伦送我情”，“吟诗作赋北窗里，万言不及一杯水”，凡此种种，都产生了惊人的审美效果。
(四)平行
平行包括对称、并列、重复以及排比，通过在形式上对某些特征进行强调而产生前景化的效果。张若虚在《春江花月夜》中为紧扣题面，反复写春、江、花、月、夜五个字，平行使全诗所表达的诗情画意渲染在这五个字的反复咏叹上，达到了显著的效果。李白《蜀道难》在全诗的开头、中间和结尾处三次重复“蜀道之难，难于上青天”，从形式和意义上都突出了全诗的主旋律。给读者留下了蜀道艰险的深刻印象。
三、结语
本文运用西方文体观中的前景化理论对唐诗在语言运用和修辞中所体现出来的多样的表现手法进行解析。唐代诗人正是通过创作中对诗歌语言的加工和别出心裁的处理，达到了前景化的预期效果。彰显出了唐诗艺术创作的张力和艺术广度。
参考文献：
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2、申丹：《西方现代文体学百年发展历程》，外语教学与研究，(1)。
3、张同俊：《文学语言与前景化》，甘肃联合大学学报，(3)。
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篇5：现代艺术设计中图形符号的表现论文
现代艺术设计中图形符号的表现论文
摘要：图形符号是现代艺术设计中重要的部分。图形符号已经成为被广大群众所接受的一种视觉语言之一。在现代艺术设计中，使用图形符号一方面丰富作品的内涵；另一方面，借助图形符号对文化进行传播，图形符号成为现代艺术设计中必不可少的组成部分。其表现的主要形式是正形与负形、同构图形、共生图形等，成为艺术设计及构成作品的基础。
关键词：现代艺术设计；图形符号；视觉语言；艺术设计
在现代艺术设计中，不仅要将作品的信息以及内涵传递给观众，而且还要将作品的观念以及意识传递给观众。现代艺术设计中涉及的信息主要由相关的图形、符号以及文字色彩表现出来，在语言形式方面来看，这是典型的一种视觉语言[1]。这种视觉语言主要是运用相关的意念以及相关的设计方法来实现，同时组合与设计的过程是一个逻辑性与创造性相互碰撞与结合的思维过程。在现代艺术设计中使用图形符号，旨在让观众可以更加深刻地领悟到作品中信息以及设计者的创作意图与观念，这是一种将创意视觉化的表现。
一、现代艺术设计中图形符号的来源
图形符号主要来源于日常生活。在生活中，可以通过逻辑与创造性思维对各种事物，以及经历进行加工与联想，使之成为有特点的图形创意元素。比如，可以通过一片落叶领悟到生命的启示；也可以在水滴中感受到世界的广袤无垠；还可以在掌纹中体会到生命的可贵等等。设计者只有在生活中细心观察，汲取创作的养分，才能将图形符号融入到作品中，进而创作出可以打动人心的作品，更好传递出设计者的精神以及意念。因此，要想不断地丰富现代艺术设计作品的内容，就要努力去发现去寻找生活中的图形符号。
二、图形符号作为一种视觉语言对现代艺术内容的传达
在创作出合适的图形符号之后，对图形符号的分析就变得格外重要。在进行现代艺术设计时，如何更好地用图形符号来传递设计作品的内容，这是现代艺术设计十分重要的一部分。设计者在现代艺术中运用图形符号不仅提高了作品的画面效果，而且更加生动形象地传递了作品的内容，使作品更容易被观众接受，哲理性更强。例如，福田繁雄是日本一位著名的设计师，曾经就20世纪60年代发生的越南战争做了一次以“保卫世界、制止战争”为主题的招贴。在这一作品中，作者运用简洁明了的设计方法征服了很多观众的心。另外，在中国的一次艺术展会中，曾经有一个以“走向21世纪”为主题的招贴。而这一作品运用的是具有传统文化因素的图形符号以及邮箱的符号，实现了传统因素与现代因素相结合，使观众眼前一亮。所以，在现代艺术设计中，运用两种或者多种差异比较大的图形符号，并且可以使之完美地结合在一起，这就是这次作品的成功之处。
三、现代艺术设计中图形符号的视觉语言表现
在现代艺术设计中，图形符号作为一种视觉语言，主要是设计者利用创造性与逻辑性思维，将其形象化与视觉化。对图形符号进行创造是现代艺术设计的关键环节。总的来说，图形符号作为一种视觉语言，在现代艺术设计中主要表现在以下几个方面：
1.正形与负形的表现
正形与负形二者之间是通过借用特定的空间，隐藏着两种不一样的关系，可能是相反、相联或者相关的关系。因此，正形与负形在一定程度上形成了一种相互碰撞、互不相让的关系，同时，也正是这种关系才彰显出现代艺术作品的艺术魅力所在以及在视觉上的满足感。
2.同构图形
所谓的同构图形，是设计者对生活中的一些元素加以改造与创新的图形，具有较强的独创性。这种图形十分重视图形符号在现代艺术设计中的视觉性、艺术性以及它们之间的创意联系。同构图形很好地处理物与物以及形与形之间的关系，彰显现代艺术设计作品中整体感的概念，体现哲理性的创意理念。
3.元素替换
元素替换就是图形符号中的一种元素被另一种元素所替换，是一种较为异常的组织形式。一方面在视觉形象上树立了一种独创性的形象；另一方面，在创作意念上，赋予了作品深刻的含义。在现代化艺术设计中，设计者要着重抓住各个图形符号元素之间的内在联系，将其组成新的图形，使之具有深刻的含义。
4.共生图形
两个及两个以上的图形符号共同使用一个空间，即同一个边缘轮廓，两个图形之间相互依存，因此，二者构成了缺一不可的统一体。共生图形是一种由一个主要的图形符号派生出来的其他图形符号，这种派生出来的新的图形符号是整个现代化艺术设计中的亮点。
5.矛盾空间
在进行现代化艺术设计的过程中，设计师故意打破空间的限制，将两个在空间布局上相互矛盾的图形符号进行重新组合，然而，这种矛盾图形的亮点就是这种反空间、反逻辑以及违反事物发展的客观规律，有利于给观众留下深刻的印象，让人回味无穷[2]。
6.改变空间位置
为了实现在同一个整体中有多种不同的空间联系，设计者可以通过改变图形符号在现代化艺术设计中的空间位置，或者改变空间的大小来实现这一设计目标。这种通过改变图形符号的空间位置的方法，有利于增强图形符号的视觉化，体现设计者的创意所在，给观众留下难以忘怀的印象。
7.影子现象
影子现象是一种新颖的表现方式，设计者通过对图形符号的影子进行处理，主要是通过想象将一种图形符号的影子转变为与之相似或者相关的图形符号的影子，旨在给观众以强烈的视觉冲击，并彰显设计者的创意理念。
8.夸张手法在现代艺术设计中，为了突出图形符号这种视觉语言，设计者通过虚化、放大、缩小以及中断等方式，将图形元素进一步夸张，以突出图形符号在现代艺术设计中的形象，增强其艺术感染力以及视觉冲击。
9.拟人手法
这种手法在现代艺术设计中的应用十分频繁。这是一种诙谐幽默的表现方式，主要是通过假设以及想象的思维，将图形符号与人的表情动作以及神情特征相结合，使图形符号成为更加人性化的视觉语言。拟人的手法有利于将作品的信息传达给观众，便于观众的理解。
四、现代艺术设计中图形符号的视觉语言研究
目前，图形符号的视觉语言最突出的特点是脱离了长时间以来形式主义美学的局限，站在更高的角度对视觉艺术的本质进行研究[3]。在现代艺术设计中图形符号的视觉语言是构成作品的基础，具有形式以及内容的双重属性。然而传统的图形符号设计只看重形式的`塑造以及表现，更多的是注重形式上的审美与风格。在现代艺术设计中设计者越来越多地使用图形符号的视觉语言，根据这种符号语言来表达创作者的意图和思想。在对现代艺术进行图形符号设计的同时，首先要学会塑造图形符号，在生活中寻找相关的图形符号，作为设计者还要懂得符号的结构，才能够创造出有价值有意义的作品。只有为观众提供丰富有内涵的作品，才能发挥图形符号的视觉语言的价值与作用。图形符号的塑造与设计，需要设计者有坚实的审美能力，要有独特的创造性思维。在现代艺术设计中融入图形设计的最大目的就是将作品的信息用具有视觉意义的图形符号表现出来。这种视觉语言一方面可以再现现实，表达设计者的情感，另一方面还可以彰显出作品当中蕴含的丰富思想。在伏特加的广告设计中，采用了“同构图形”的视觉语言技巧，即将伏特加的瓶身与各种经典、时尚，以及前卫的图形符号相结合。它包括两种基本的层次结构，表面上看是两种图形符号的相似性连接，更多地体现作品中的思维以及创意特点。当前许多现代艺术设计仅仅看到了表面上的结构关系，而忽视了另外一个比较深层次的结构关系，正是这种关系才可以将酒瓶与图形符号之间的关系用夸张，以及拟人等方式表现出来，才可以更好地表现出设计作品中的创作价值。
五、结语
总而言之，随着社会的进步，图形符号被更多的应用于现代艺术的设计当中，同时，在现代艺术设计中融入图形符号的设计元素是一种特殊的视觉语言。图形符号的创作灵感主要来源于设计者在生活中的细心观察以及亲身体会，设计者的观察角度要更加敏锐，能够归纳概括出日常生活中司空见惯的事物与经历。这种图形符号的应用使现代艺术作品更加视觉化与艺术化，充分体现了设计师的创造力以及逻辑思维能力，彰显了设计师对生活的联想以及享受。因此，在日常生活中，不难发现现代艺术设计注重的因素是多个方面的，设计师要从设计作品的实际出发，在生活中寻找创作灵感，巧妙地将图形符号融入到现代艺术设计当中，这种做法可以在很大程度上提高设计作品表现力度以及本质与内涵。
参考文献：
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[3]苏湉.传统吉祥符号在图形设计中的图解与传承[J].工业设计,(11):88-89.
篇6：浅谈设计色彩及表现方法论文
浅谈设计色彩及表现方法论文
摘要：文章从绘画写生色彩与设计色彩的不同特征，论述艺术设计专业中设计色彩及其表现方法。设计色彩是以绘画写生色彩为基础，依据艺术设计专业自身的特点与要求，运用色彩归纳、概括、提炼等手段，表现和呈现空间，它着重强调物象的形式美感以及色彩的对比协调关系，更好地培养艺术设计者表现色彩的能力。
关键词：设计色彩 艺术设计 表现方法
在现代艺术设计专业与产品设计、包装中色彩起着十分重要的作用，它与设计产品造型、图案纹样、材料加工一样，是产品设计的主要内容之一。所以，不同的产品设计本身就包括了不同色彩的设计。而设计色彩与绘画写生色彩既有区别，又有联系。绘画写生色彩是以光照作用下产生的色彩变化为主、对表现物体瞬间引起变化的色彩进行敏锐的捕捉，真实地再现自然物象，绘画者的科学认识与观察是表现写生色彩的正确方式。设计色彩则以绘画写生色彩为基础，根据设计专业的特点和要求，运用色彩归纳、概括、提炼等手段，表现物体之空间，它更注重和强调物象的形式美感以及色彩的对比协调关系，培养设计者表现色彩的能力。绘画色彩是感性的、客观的、空间的、真实的，而设计色彩则是理性的、主观的、平面的。这就要求进行色彩学习时，要有侧重地做写生练习。设计色彩将视觉中观察到的色彩经过有目的地筛选、梳理、提炼、变化体现出来。设计色彩是绘画写生色彩与设计用色之间结合的桥梁，是以培养学生的设计思维及表现能力为主旨，经过绘画写生色彩训练，在具备正确观察和认识色彩的前提下，进入设计色彩表现方法的学习是从事艺术设计色彩的必经之路。
一、设计色彩的特征
设计色彩是艺术设计专业一门基础课程，它对现代艺术设计专业如广告、插图、标志、设计、建筑外观、服装设计有着重要作用。它在美化生活、满足物质需要的同时，也提供了精神上的享受，因此色彩的协调与正确运用是产品成功走向市场的保证。正是由于色彩的特殊性，在绘画写生色彩中可以有个人喜好来运用和表现色彩，而在设计色彩中则不允许有明显的个人偏好。当人的审美观念随着时代的发展而不断提高时，设计色彩也在随着时代而不断创新，并要符合时代性与环境、地域等不同的审美要求。同时强调以实用为前提，注重大众接受为目的，其要求色彩效果明确、清晰、单纯。设计色彩在绘画写生色彩的基础上通过高度概括、提炼、归纳等手段，夸张变化地表现出来。它不受光源色、环境色、固有色的影响，它的最大特点就是不满足于自然中客观变化的色彩，而要灵活地调配出比现实生活更理想的色彩，表现出更高境界的色彩。这就要求设计者有丰富的想象力和对色彩的控制能力，同时具备较高的个人审美艺术修养。
二、设计色彩的配色
艺术设计作品的造型以写实和变形为主。写实是指比较真实地反映生活中的物象特征；变形是在不背离物象的基础特征以及自然规律的前提下，根据设计者的审美取向和审美感受对物象进行概括、简化，改变其表现物象的外在形式，将“自然”形态转化为艺术形态，它是对自然物象“形”的美化过程。“变形”是依据不同对象特征所进行的变形，是自然物象的升华。“写实”与“变形”二者是相互联系的。视觉的需要促使着形的变化，有韵味、意味、趣味的“变形”也满足了形式与内容的高度统一。而设计色彩主要以表现平面、单纯、秩序的形式为了。在艺术设计中出现的形象，无论是二维形象还是三维形象，在构图上都处于平面状态；而物象色彩多采用单纯的颜色，使形象具有审美感染力和表现力，形成画面效果所具有的秩序感、韵律感、节奏感。这些形式设计者一般采用重复、渐变、放射、对比、统一等法则来体现，最终达到赏心悦目的效果。设计色彩配色原理，艺术设备者设计色彩时在颜色选择上可以丰富多彩，也可以只选几个颜色，甚至用一种颜色来表现。设计色彩作品之所以打动人，不在于色彩是否强烈，而是色彩的丰富变化上。即使用一种颜色通过黑、白、灰变化其明度或纯度，作出等级色组成的画面，使画面效果产生秩序感、节奏感。设计色彩的配色，要求色彩的形式和内容应该冷暖对比协调统一，通过形与色的结合来实现色彩传递和表达感情的目的。不同表现主题具有不同的韵律，不同的色调可以给人不同的美感。设计色彩的调和方法主要包括同类色调配、类似色调配、邻近色调配、对比色调配、互补色调配等。
三、设计色彩的表现方法
1.变换环境、物象引起的色彩变化学习：任何物体的色彩面貌呈现都是与周围色彩比较的结果，它是固有色、光源色、环境色的综合体现。通过练习可以使学生直接而生动地认识局部与整体色彩的关系，从中发现并掌握一些变化规律与表现形式，为日后理性地运用色彩语言表达设计思想奠定有力的基础。要求对一组静物进行写实色彩写生，然后变换静物组合。如：a.变换光源色（由日光变为白炽灯等）；b.变换少量物体；c．变换和拆除静物组合的部分衬布等，使该组静物产生局部变化。最后将前后几张作品对照，从中感悟局部色彩变化所带来的整体色彩变化。在此基础上，为了更进一步地提高对色彩内在联系和变化规律的把握，以及自由运用色彩语言的能力，可以继续进行色彩组合默写训练、变调训练，使学生在解决问题的过程中，理解和掌握设计色彩知识。
2.色彩归纳表现：通过掌握对自然色彩的分析、概括与提炼，从中了解如何将画面由三维向二维方向转化的方法，了解由写实表现形式向设计表现形式转化的.过程。也便于更加理性地用色，为日后走向设计工作奠定基础。在写实的基础上，对同一景物、风景、花卉进行色彩归纳，并进行概括和提炼的实践。由于客观物象的色彩千变万化，因此在做这一练习时，先画一幅写实性色彩作业，然后再完成两幅不同处理方法的归纳色彩写生作业。色彩归纳训练，是沟通写实与装饰色彩画法的有效措施。归纳色彩写生同样重视色彩感受中的第一印象，只是更进一步地表现对象色彩的本质特征。其表现形式的不同之处是，归纳色彩写生是在排除了光色影响下的色彩作去伪存真的处理，有意识地追求平面化的画面效果。
归纳色彩写生一般有两种方法：一是在保持原有光色关系的基础上，将几种邻近距离范围内的近似色都转化成它们的平均值色，以平均值来代替它们，尽量以平涂式处理，但并不是将对象单纯地用固有色来代替。二是在保持写生物象色调特征下，加强对色彩的主观处理，作必要而适度的夸张，如加强色线的曲直对比、色彩分布的疏密对比等。丰富的景物组合适宜作为写生对象，处理画面的方法除以平涂色块，还可以勾线填色，或对局部进行繁化处理等。同时还应注意色块之间的着色边线必须肯定、明确，颜色在色块内一般不能渐变、渗化等变化。
3.色彩的装饰性表现：要求这一环节是继“色彩的归纳训练”之后的又一个培养具备设计思维能力和设计表达手段的重要命题，它分别以风景、花卉、人物为对象进行装饰色彩的技法练习。以主观性为主，以美化画面为核心，运用归纳、变色、象征等表现手法，讲究色彩自身的韵律效果。装饰性色彩表现是印象派和现代画派画家常用的手法，如高更、劳特里克等。练习应循序渐进，由归纳写生开始过渡，在色彩归纳的基础上尽可能地强调其装饰性，将形体与色块
较大程度地整化。第二步可以尝试“限制用色”的方法，达到以一当十的目的，只用数种色彩根据不同搭配形式，产生各种不同的色彩样式。第三步“借用色彩”，吸收古今中外优秀装饰作品的手法，尤其是装饰绘画和图案设计的主要手法。与色彩同样重要的还有体现色彩效应的描绘手法如色点缀，勾线描边、渐变、间隔色块等可以增强画面色彩的丰富性与装饰性，使画面色彩呈现出循序感，从而色彩效果达到调和。
4.色彩抽象化表现。要求摆脱视觉对形象直接识别的依赖性，锻炼学生的设计思维能力，是设计表达手段的重要环节。使形象与色彩取之自然，逐渐脱离自然，最终又作用于自然。使色彩与形式具有暗示、象征、传递意念的功能。通过一些命题设计（如：激越、和谐、生命等进行锻炼）来完成。学生由于自己的经历、文化背景不同、性格等因素导致命题对其有着不同的心理响应，在进行抽象练习时，根据个人的理解不以任何具体形象为装饰的对象，而运用单纯的点、线、面作为表现的形象，来组成作品的面貌。
5.色彩肌理效果表现。要求选择归纳、装饰、抽象中的一幅作品，在不改变其形的前提下，进行肌理效果的处理。如将水粉纸更换为木板，颜料中加入沙子、木屑、碎玻璃粒、石膏粉等方法以取得很好的质感效果，用油画在画面上运用拓印、渲染、磨擦等技法，使画面达到新的境地。
通过对绘画写生色彩、设计色彩特征的认识，使学生从理论学习到实践练习、从感性认识上升到理性认识，从绘画写生色彩的科学观察认识到主观理性地归纳设计色彩。从而培养学生理解与把握色彩、生动表现设计色彩的能力水平，使其掌握不同设计色彩方法在今后从事的不同艺术设计领域中发挥作用，为将来从事的艺术专业正确地使用色彩、设计色彩打下坚实的基础。
篇7：绘画艺术中色彩表现的意义论文
绘画艺术中色彩表现的意义论文
摘要：印象派作为欧洲艺术史上的一个重要画派，先后经历了三个不同的阶段——印象主义、新印象主义和后印象主义。印象派所体现的独特绘画理念和形式，对艺术界产生了巨大的影响，至今仍具有研究价值。文章首先对绘画中色彩表现的形式进行了分析，对其所表现出来的美学特点进行概括，从而明确了色彩在绘画中所表现出来的美学属性，并对其审美价值进行提炼。
关键词：印象派；审美价值；色彩表现
一、色彩表现形式的特点
形式在西方美学中具有非常重要的地位。李斯托威尔在《近代美学史评述》中曾经说过：“只要对美学的历史稍微的瞥一下，就可以充分了解形式论所表现出的重要地位……形式一直处于最为显著的地位。”日内瓦学派的重要代表让鲁塞也曾经说过：“如果说存在一个相关的概念能够引起矛盾或者是分歧，这个因素必定是形式这个典型的概念因素。”因此，对于色彩形式的分析是对色彩表现出的审美价值进行探析的基础。在绘画艺术形式中，色彩的运用具有非常久远的历史。古老的洞窟绘画就对色彩进行了大量的使用，虽然只有黑色、棕色、赭石等单一的色彩，但是仍然能够营造出原始、质朴的艺术效果。物理学家牛顿运用三棱镜实验从太阳光中分解出不同的颜色，发现了具有可循性的光谱。米歇尔尤金谢弗勒尔的《色彩的协调和对比规律》，在牛顿的基础上从心理学方面说明了色彩之间的对比带给人的不同心理效果（如冷暖对比、色度对比、明暗对比等）。
二、色彩在绘画艺术中的体现
色彩在绘画艺术中的使用最早可以追溯到原始时期的洞窟壁画中，从这些人类早期的壁画、洞顶画艺术中可以看出，其所运用的色彩主要来自于自然界。如，黑色来自于炭火烧尽之后留下的残渣，红色通常为动物的血液，所呈现的色彩比较单一，大多运用平涂的形式记录，同时也成为人们战胜自然、征服自然的印证，彰显出人类与生俱来的生存本能和走向文明的精神力量。古希腊绘画中对色彩的运用表现单纯，具有非常明显的符号化倾向与较强的装饰效果。古希腊绘画对色彩的运用趋向于理性的特质，绘画线条轮廓的表现虽然较之古埃及绘画有所突破，但是在色彩方面仍然表现出比较简练的风格。在绘画作品中，区域单色化的艺术表现特征比较明显。古希腊画家阿佩莱斯通常运用黑色、红色、白色、黄色这四种颜色作画，不是因为没有更多的色彩可供使用，而是阿佩莱斯追求比较简洁的绘画风格所致。中世纪以后，绘画中色彩的运用逐渐被重视起来，人们开始运用不同的色彩形式进行艺术表现，在色彩表现方面呈现多样化的特点。
三、色彩在绘画艺术中所具有的审美价值
随着绘画艺术的不断发展和创新，绘画中色彩所表现出来的装饰性特点逐渐削弱，但是对于印象派画家而言，色彩的装饰性具有很大的吸引力。在印象派绘画家的观念中，色彩所具有的.装饰性效果并不仅仅依附于造型，而是具有独立的艺术价值。这对后来的后印象派、野兽派和维也纳分离派等都产生了巨大的影响。现代画派的色彩使用都在不同程度上借鉴了印象派的色彩理论，并融入了东方绘画的特点，从而创造出极具特色的造型、色彩组合形式。色彩的运用在获得画家重视的同时，也成为彰显绘画者思想、情感、意识的有力的媒介载体。运用色彩独特的艺术表现形式进行象征性的主观表达，使油画中色彩的象征性表现变得突出。现代绘画的色彩运用，色彩不只是用于对客观事物的表现方面，更扩展到对绘画者抽象经验和思想观念的表现方面，绘画者通过对画面色彩的协调搭配，对自身的思想、情感进行表达，给人以不同的审美体验。
结语
在绘画艺术的历史发展中，色彩的表现如同音乐艺术中跳跃的音符一般，成为绘画艺术中最重要的艺术表现形式之一。作为人类对世界进行认识的重要媒介，色彩被赋予了社会经验和画家自身情感经验的双重载体特征，其独有的表达特点和艺术魅力成为众多画家为之着迷的重要原因。探究色彩所具有的独特魅力，具有重要的理论意义和现实意义。
参考文献：
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[3]王宇.色彩符号及其应用研究.美与时代，（2）.
篇8：民歌创作与演唱艺术表现论文
一、对民歌创作的认识
l、民歌是劳动人民自己唱自己，直接参加创作、演唱的人不如民歌普遍。民歌的编作传唱过程和人民群众劳动生活过程是紧密结合在一起的，而戏曲、曲艺和器乐的创作往往需要深入生活，认识生活之后进行。民歌就是在社会生活过程中进行创作和演唱的，对人民生活的反映要比其他艺术更快速更直接。
2、民歌中还有其他体裁具有叙事的表现特点，如某些农田歌、山歌、号子，广东、闽西的客家山歌等都常有长篇叙事的题材，特别是与表演相结合以及形式上得到进一步加工、修饰时，我们就可以把这些看作曲艺音乐的起初。
3、许多民歌离不开器乐，民歌中的时调、歌舞等大多有器乐作伴奏。这种艺术形态一直流传至今，其实都是歌曲、舞蹈器乐艺术的结合体。比如南方民间的吹打、丝竹、曲牌有《茉莉花》、《大跑马》、《紫竹调》等等都是民间民歌曲调组成的。
4、学习民歌，不论对专业的创作还是演唱、演奏都是很重要的。我们不仅应该从民歌取丰富生动的语言和各种音乐素材，掌握各方面艺术表现手法和各种技巧与艺术经验，在作曲和表演技术中，包括旋律、结构、调式、节拍、词曲结合，衬腔、声乐的演唱处理、发音等，只有在民歌题材中了解到人民群众的音乐特点。
二、学习歌唱的有效方法
1、首先学会声音的模仿，初学者收到声音信息后，接着这个信息的模式发出想象似的声音。模仿可分为三种方法：直接模仿、间接模仿和自我模仿。初学者除了听取教师对歌唱原理和技巧动作的表达，另一种学习方法就是对老师的示范进行模仿，也就是直接模仿。
2、学习歌唱，应该先了解歌唱器官的构造和发声的简单原理。当气息自肺部经支气管、气管呼出时，喉头两声带闭合，由于气息对声带的冲击，声带振动而发声，音波又在各共鸣腔里得到了调节和扩大，发出响亮、优美、具有语言特征的歌唱性的声音。呼吸是发声动力，喉头声带是发声的音源，各共鸣腔使声音扩大和美化。没有学过歌唱的人，以为声音的高、低、强、弱是由喉部肌肉调节的，因此越唱越高，喉头就越卡的紧，越唱声越弱，就把喉咙缩小，以至越唱越累。人声不但有高、低、强、弱之分，还能唱出丰富的音色变化。主要是由共鸣腔不同的调节产生的，在大脑神经支配下，通过对共鸣腔和呼吸肌肉精细的调整，会产生各种不同的音色变化。唱低音和高音时，由于运用的主要共鸣腔不同，就产生低音和高音两种不同的音色，胸腔共鸣，声音低沉宽厚，头腔共鸣、声音高吭明亮。呼气的延长和缩短，连惯和顿断以及呼气强度的变化，配合声带的振动，还能使声音产生长、短、连、断、放、收等变化，运用的`好就连贯自如。
三、歌曲创作体会
94年我曾灌制音带，是由江苏音像出版社出版的《今晚互道一声再见》，是著名作曲家蔡海波的作品专辑，我担任主唱。都是别人没有唱过的创作歌曲，前后提到过创作来源于生活，认识生活之后才能进行创作。这次创作为我以后的发展打下了坚实的基础，十多首歌的二度创作使我演唱水平突飞猛进，风格也更加突出，比如我过去虽然唱过河北民歌，象《回娘家》等歌曲都是学人家的，河北民歌到底应该是什么风格，当时只略知一、二，专辑中有一首地道的河北民歌《神星诗会》主题歌《神星恋》，为了唱出河北民歌的风格来，便和曲作者两次到河北保定满城县的神星石旁，寻根求源，并登门拜访词作者，全国著名的农民诗人张志明，请他谈创意图和反复听河北邦子的唱段，琢磨其中的地方剧种，河北邦子唱腔。由此看来一首歌曲，能为广大听众所接受，成为他们喜爱的歌唱者，从作词、作曲、演唱、配器、录音合成，不知要凝聚着多少创作者的辛勤汗水，而且艺海无边、学无止境。
四、歌唱艺术形式
1、在歌唱训练中，歌唱器官的控制运用技能需要有相应的知识来给予定向和调整。这种知识大体有三个来源：前辈的经验总结及其言传身教；声乐理论带来的声音映象；歌唱者本人的经验总结和声音模式（包括感性认识的部分）。歌唱器官的控制运用作为一种技能训练，必然存在着三个阶段： （1）掌握局部动作阶段； （2）动作的交替阶段； （3）动作的相对协调和完善阶段。在基础训练阶段（第一和第二阶段），不但要重视歌唱器官的功能锻炼，加速它的二次进化，同时还必须加强支配意识的训练。歌唱者在达到第三阶段的训练后，演唱时的各部位动作的方向、幅度、速度、。力度和程序都不需要高度的意识控制，但这并不是说达到了自由王国，可以随心所欲地去唱。即使是技巧较完备的歌唱家，在试唱一首作品时，也要根据作品的规范、个人的理解、掌握技巧的程度、嗓音条件及其特点所提供的可能性，以及对该作品的适应性等等进行一番精心的有意识的设计。
2、歌唱者在适当的时候，可以开始习唱歌曲。对这种学习必须是极端严格的，从音准、节奏、力度和速度变化，读字、分句、气口、情感等都要一字一字、一句一句地仔细推敲，为日后的歌唱奠定坚实的基础。有一位颇有才能的年轻歌手，把各种类型的曲目，从戏曲到歌剧咏叹调都唱了。其实做的很勉强，真正的特点反而得不到有效地发挥。要看到人的声音不是样样都能的，必须有所侧重。
3、有人认为只要有一条好嗓子就可以唱好歌，这种想法是十分幼稚和矛盾的。有时乐感好的人虽然表现欠缺，也能唱得出几首还听得过去的歌，但往往肤浅没有深度、不耐人寻味。要完美地表现它，只有进行深入学习。当然，作为一位优秀歌唱者来说，要做的事情很多。例如对语言方面的修养，对哲学、历史、生理、心理等多方面的知识等等，但能注意上述几点，相信会对每个歌唱者带来莫大助益的。
证明声音较好，发声状态合理，就要凭感觉记忆在反复的练习中把它掌握和巩固。只有长期不断观察、辨识和体验人声的特点，才能提高这种能力，在这个基础上就有可能逐步掌握各音区相应音色和声音特点及其成声规律，从而建立正确的歌唱感觉。每一个歌唱家都有自身的，与众不同的方法。但有一点是相同的，有着一颗矢志不移的事业心。
篇9：略谈敦煌壁画图式色彩肌理在创作中的运用论文
略谈敦煌壁画图式色彩肌理在创作中的运用论文
【摘要】本文主要以敦煌壁画的绘画图式、色彩及肌理研究为出发点，探究敦煌壁画对个人绘画语言的影响，确立其在本人绘画创作中的价值和地位，为我所用。
【关键词】敦煌壁画：图式：色彩：肌理
引言
敦煌壁画从早期完全受西域佛教壁画风格的制约，到后来逐渐形成了它独特的面貌，其图式、色彩极其华丽、丰富。同时，由于时间蹉跎、自然风化，敦煌艺术已成为一门残缺的肌理艺术。这些在我们现代绘画创作中值得学习和借鉴。
一、敦煌壁画图式、色彩、肌理对个人的启发
(一)图式布局自由观的启发
绘画本身是依靠图式来组织画面、传达审美意趣和价值观念。图式本身有很强的导向作用，能准确在画面上呈现出纵向空间和横向时间感。敦煌壁画截取佛教经典故事，通过提炼、取舍，在二维空间上幻化而成视觉图式。散点的、流动的、意念的视觉效果是敦煌壁画的图式特征，在一幅画中，俯视、仰视、平视等角度交替出现。人物与环境的关系也不按现实描绘，而是按心理幻化的方式呈现出来，拉开与真实生活的界限。这种丰富的图式，表现出壮观恢宏、气势磅礴的境象，犹如太极世界，循环往复，无法用语言表达，只能用心感受。
壁画的这种空间布局形式使我受益颇多。在我的绘画探索和研究过程中利用敦煌壁画图式布局造型观，使焦点透视和散点透视交错应运，多维空间与二维空间相渗透，具象和抽象相融，以充分展现艺术语言的丰富性和多样性。
(二)色彩主观性的启发
色彩，是人类对视觉对象的物理本体及其感光知觉现象的叫法。敦煌壁画的色彩给人的第一印象即是“流光溢彩”“绚烂至极”，敦煌色彩并非拘泥于客观现实，而是画师依据手头现有颜料进行主观搭配，所以画面呈现出极大的幻想性。置身色彩的洪流之中，我深深体会到了传统民族色彩的鲜明性和独特性。
敦煌壁画色彩给我启迪，其厚重效果是简单设色法无法达到的，需要借助综合技法来满足现代艺术家的创作需求。从艺术创作本质来说，艺术就是艺术家通过各种媒介把自己的内心世界外化，因此画家要把色彩作为有效的工具，通过主观色彩把个人情感表现出来，并运用各种艺术手段和媒材技法，做到入画合一。
(三)肌理美的启发
绘画肌理是依附于自然的，它是艺术家在观察自然的前提下，表达不同的环境、物象质感，是个人情感的表达方式。
敦煌壁画经历一千多年历练，其受自然条件影响，风蚀、氧化和剥落现象严重，人为的破坏又增加了难以弥补的伤痕，我们已无法看到壁画原貌。但这些壁画留下了特殊肌理，这些独特效果吸引着我，极具震撼。画工的先前努力描画与自然后天侵蚀本是矛盾的，但在敦煌壁画中成为天作之合。这种深沉的肌理美吸引着我，这也是我在艺术语言的应用中追求的，这些肌理给了我极大的启发。
二、《敦煌印象》的构思与探索
在绘画艺术创作的过程中，探求符合个人审美风格的艺术语言非常重要。我的家乡就在河西，走廊文化深深扎根在我内心深处。走廊文化是一种包容性、综合性极强的'文化，敦煌莫高窟更是其中佼佼者。所以在进行创作时，我便选择以敦煌壁画为突破口。我多次去敦煌进行艺术考察，从洞窟整体布局，到细微肌理效果，都进行了细致解析。壁画中那磅礴的图式布局、绚烂斑驳的色彩、自然沧桑的肌理效果，都深深震撼了我。在创作中，借鉴敦煌壁画的独到之处，我更注重造型的灵活性、画面布局的自由性，用主观的色彩和丰富的材料来表达内心的感受。我确定了一个创作主题――敦煌印象，这并不是对敦煌壁画的复制，而是敦煌艺术与个人艺术实践形成的焦点，注重表现自己对敦煌内质的理解，试图表现对敦煌文化的一种虔诚敬仰，一种深沉的热爱之情。
首先是草稿的构思与绘制，在广西生活让我对少数民族女性形象产生兴趣，所以我试图将家乡的敦煌壁画与广西少数民族人物结合进行创作，从而打破敦煌壁画特有的地域性和绘制意图，形成冲破时间和空间的现代风格人物画。在图式上，减弱焦点透视，形成连续、自由视觉效果，并以多幅小画组合成整体的形式来呈现画面整体布局。每一小画既可以单独欣赏又作为组合中的部分来呈现整体气势。这种组合的形式可以随展厅环境的变化而变化，也可以自由组合、变换外形，这一点也正和敦煌壁画空间造型手段形成呼应。在绘画材料选择上，由于壁画绘制于墙面，它流露出一种沧桑与厚重感，普通宣纸不能淋漓尽致地表现这袖感觉，所以我选择较厚的托裱纸和毛边纸，经过实验，它们的韧性以及厚度能够呈现宣纸所没有的独特肌理效果。在颜料的选择上，我选择了国画矿物颜料和广西特有的泥土(颜色多样，如红色、黄色、黑色、白色等)。实验证明，国画颜料与有色土结合能很好地表现出类似壁画的效果，以石青、石绿、赭石、黑色为主调，摆脱客观色的约束，大胆、自由地变幻色彩以发挥主观情感表现力。在用笔方面，我追求一种自由洒脱并趋向粗犷的感觉，因为潇洒自如的笔触和刚劲有力的线条会使画面产生力度与速度感，这与敦煌壁画的表现内质十分相契，也更有助于传达个人丰富的情感。丰富的肌理效果是敦煌壁画的重要特点，所以我下了大的力气来实现此种画面效果。我最倾心于剥落和划痕，壁画中的脱落和划痕是其经过时间历练的见证，
张冀山/敦煌印象
是其所遭遇磨难的记载。而在我的画面中，“划痕”更多是作为我画面一种独特的绘画语言存在，是个人绘画语言的一种笔触形式的表现，抒写我的心境和情感。在绘制的过程中我先用骨胶掺入广西各色泥土调制均匀作底子，再在上面用其他颜料进行绘制，绘制完成后待画面完全干透，用刀片等尖锐的东西在画面上进行刻划。划痕的长短、宽窄、曲直都要有表现力，不能繁冗、拖沓。“剥落”的效果，我则利用骨胶、清漆等材料，在画面上多做几层底，在制作过程中随时发现和保留一些偶然的肌理效果。之后用水冲、揉纸、拓印等方式来实现。敦煌壁画的肌理是在时间和外力反复作用下形成的，我的画面虽然是人为的制作，但它体现了我对敦煌艺术语言的追求，因为它蕴含了我对敦煌生命沧桑感的体验。
结语
在我的创作过程中，一定要根据自己的审美感悟，确立起适合自己精神气质的主基调。敦煌壁画在图式布局上繁复令人目不暇接，彼此相连、时空交错。这使我体悟到要从二维的视角中摆脱出来，用多维的视角和思维去审视画面。敦煌壁画的色彩是观念色彩，是经过岁月洗磨后的沉积色。它是时间和物质的结合体，把“客观色”融八个人的“主观色”。这些都要求我通过更深入的研究形成自己关照生命的形式和独特的审美风格。
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[5]张元，赵杨.艺术材料的遐想[M]，北京：高等教育出版社，.
篇10：论文：色彩在动画设计中的应用
摘要：人们对主观色彩的感受和解读，自然会反映到动画场景设计之中，这就是我们对动画场景设计色彩提炼的意义所在。
关键词：动画；影视；场景；色彩
在影视动画场景设计中主观色彩的运用，是从事动画场景设计教学的教师，必须具备的基本功。大千世界、五彩缤纷，我们在动画场景设计实践中应把握对象最本质的色调，理性地筛选刻画对象的色彩关系，使动画场景设计去伪存真，去杂存精，使动画场景设计作品得到质的升华。
人类对色彩的体验，随着时间的推移，不断地积累和发展，逐渐形成了自己的审美情趣，渗透了诸多对色彩感受和解读的主观因素。在中国，用白色悼念亡者，用红色乞求避邪，用黄色象征权贵，这已成为人们的生活习惯。人们对色彩的这些感受和运用，既有社会文化因素，也是由其本能所决定的，是生理机能的客观反应。人们对主观色彩的感受和解读，自然会反映到动画场景设计之中，这就是我们对动画场景设计色彩提炼的意义所在。尽管有些人对色彩感觉不太敏锐，但在动画场景设计作业中，同样能画出较为丰富的色彩来，全凭主观色彩意识的分析和判断，将动画场景设计对象的色彩关系跃然纸上。
篇11：浅析色彩在景观设计中的运用论文
浅析色彩在景观设计中的运用论文
摘要：园林景观在设计的时候，我们要合理的运用色彩，这样可以更好的优化园林景观，同时，还能帮助游客对园林景观的历史和人文深入的认识和了解。这也就要求设计人员在设计园林景观的时候一定要重视色彩的搭配。文章从颜色的基本知识进行阐述，重点分析了冷暖色、同类色在园林景观中的详细应用，并指出固然颜色在园林景观设计中的重要性，但在应用颜色上也一定要综合考量影响园林景观整体美感的各类颜色元素。还要对园林景观的历史意蕴、文明意义和地区特点进行的分析，从而使园林景观经由颜色表现出其美观和历史文明。
关键词：园林景观设计；冷暖色系；运用
1色彩在园林景观中的应用
1.1色彩在园林景观中的应用
黑、白、灰3种颜色，这些颜色在提现中称之为无彩色，在对园林进行建设的时候，在运用设置的时候运用的比较多。在传统园林中，很多时候都会将这3种颜色运用到私人园林建设中，青瓦灰墙与江南特有的水景相互映衬，组成了一副完美的中国水墨画面，这也能很好的体现古诗文人的朴直的品德。对于现代人们在园林设计中，对于这些颜色一般都是运用在墙体上面，在人行道的一旁人们用黑色涂画较多的图案，通过与四周的环境的比较构成一种沉稳的感觉，将白色和灰色混搭组成高空色彩，通过将黑白的相互运用的过程，也就让园林景观变得庄严大方并且带有现代气息。在对这些设计的时候也就让四周的环境变得优美，在日常生活中主要对一些廊桥的雕栏运用一些红色，让其构成文雅圣洁的韵味。在对植物进行搭配的时候，对于这些无彩色的建筑中不能成片的栽植，对于较多的白色会使人感觉伤感，通常情况下，人们都会运用植物对颜色进行调和，对于一些地方采用绿化设计对色彩进行综合，通过运用植物的绿色让人们的眼睛获得色彩的整体美感，在对这些色彩的运用中，对于相邻的色彩颜色过于鲜明的.时候，我们也就需要对颜色进行调和处理，对色彩进行友好的搭配。对于灰色主要介于暖色系和冷色系之间，所以在不同的季节，在原有的色彩上进行园林色彩的配置，这也可以更好的条理人们的生理需求，更好的满足人们对审美的需要，然而对特定的色彩，可以利用灰色对黑白色进行分析处理，灰色因为其安宁幽静的生理体现，同样平常应用于一些功效性的修建，以满足人们对宁静温和生活的需要。
1.2冷暖色系在园林景观中的应用
冷暖色系这里主要就是对光的波长和可见度的分类，也对人们之间产生的情感反应的展现，因此在园林设计中利用彩色的特点，满足人们的需要。冷色系主要就是指青、蓝以及相邻的色彩，也就是波长较短、可见度低的特点的色彩，一般都是在一些空间狭窄的地方运用，可以增加空间的深远度，对于冷色系可以让人感觉比较安静。比如南京中山陵的建设，屋里主要就是采用的蓝色为主，让人感觉庄严，屋前主要采用的绿色的林木进行搭配，增加了一份悲惨感和敬佩感，而灰色石阶的铺砌，又增长了全体景观的沉稳和厚重，和其余冷色彩景观共同构成了中山陵整体上沉稳肃静的景观特点。
1.3同类色在景观设计中的应用
对于同类色彩主要就是指一些色彩相差不大的，视觉比较接近的颜色，比如，我们在对橙色，黄色与翠绿色等。对于这些统一的颜色深浅分类不同，也就可以更好的保证色彩的合理运用，对于茶青与浅绿等。在对同类色进行运用的时候可以借助景观的颜色的辅助，对植物组合表现相应的主题，也就具备相同的条理感和空间感，让整体环境觉得活跃，可以更好的提高人们的生活趣味。如上海的陆家嘴绿地中间地带，因为主题是“绿”，通过对中间景观对绿色进行运用，大片的草地加上碧绿的水面，同时加上各种绿色的花木，这对这些色彩的搭配中也就比较灵活，假如，这些景观没有任何的差别，那么也就显得比较枯燥。
2叙述色彩运用的经典案例的精妙之处
通常来说冷色系重要是说蓝色、青色和它们的邻近色，冷色系的颜色经常给人一种悠远的感触感染，在园林景观计划中经常会在一些空间较小的计划中采纳冷色系颜色，罕见的应用方法便是应用一些冷色系的动物来增长景观的空间感。在园林景观计划中，应用冷色系与红色或许寒色系停止组合搭配会给人一种欢乐晴明的感觉。比如说如今很多的广场中，计划者都将一些冷色系的动物与寒色系的动物混杂摆放，从而使旅客从中得到一种视觉上的满足感。假如我国的一些南边地域因为气温较高，园林景观计划时也会经常采纳冷色系颜色，这类计划办法可使人们在酷热的夏日感受到一丝视觉上的清新。
3结束语
在园林景观设计的时候，对色彩的搭配具有很高的要求，需要对园林的色彩起到良好的感染作用，更好的增加游客对色彩的心理需求，在对颜色的运用中需要进行合理的搭配，不要胡乱使用色彩，才能更好的保证园林景观的效果，还要对色彩设计中的影响因素全面的分析，提高色彩整体融合性。
参考文献
[1]贾可,曲莎.色彩在园林景观设计中的运用[J].现代园艺,2011(11).
作者:王娟娟 王晓丹 单位:陕西省林业调查规划院 商洛市农民科技教育中心
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