【导语】下面是小编整理的油画创作中观念与形式的思考论文（共15篇），欢迎大家阅读借鉴，并有积极分享。
篇1：油画创作中观念与形式的思考论文
油画创作中观念与形式的思考论文
摘要：当代艺术已迅速从媒体的解放到媒体观念化转变，前者改变了艺术的存在方式而使任何东西都可以成为艺术，这是艺术走出架上时的最初状态；而后者将这种新的艺术存在方式纳入到新的艺术结构中，即将任何媒体维系在观念之中。文中阐明了艺术创作中不可为观念而观念、为形式而形式，而应在观念先于形式的前提下，为表达强烈的主观感情去寻找合适的艺术表现形式。
关键词：油画创作；思想观念；艺术形式；装置
油画诞生于欧洲并发展于西方，作为一种艺术形式体现了西方人文精神和认识世界的方式。油画传入我国不过百年历史，直到目前已经发展到了一个空前繁荣的阶段。当代艺术已迅速从媒体的解放到媒体观念化转变，前者改变了艺术的存在方式而使任何东西都可以成为艺术，这是艺术走出架上时的最初状态；而后者将这种新的艺术存在方式纳入到新的艺术结构中，即将任何媒体维系在观念之中。
艺术的形式语言至关重要，它是连接艺术作品和观者的纽带，我们强调画面表现形式的时候，并不意味着可轻视作品的精神内涵和作者的思想观念。如果认为绘画只是表现形式语言的问题，那就从根本上否定了绘画的本质特征，绘画表现形式语言的完美程度，又依赖于作者的内在精神力量。传统的美术形态是一个艺术形式和语言技巧比较完善的体系，它的发展始终伴随着对形式语言的追求。
当下中国油画造型语言对图像元素的关注受传统中国绘画视觉图式和西方现代艺术的影响。随着人们艺术观念和审美观念的转变，当今中国艺术创造者一方面不再满足于对传统语言技法的研究，更多的是把目光盯住在世界文化发展的前沿动态，同时，他们也不断从民族传统美术的土壤中汲取营养，以中国传统绘画特有的审美角度扬弃了传统画面的图画叙事，他们自由地从各个方面提炼能激发自我敏感的因素，并在个人画面上赋予这些因素的全新的意味。
纵观当代艺术，有很多优秀画家能将思想观念与作品表现形式在自己的创作中很好的结合，用有意味的画面形式去体现创作者的思想观念，作者的思想内涵，将物予以人性化。如著名油画家尚扬的创作，没有西方现代主义后期一些画家的过分玩弄形式语言，在色彩、线条等形式因素中沉溺，缺乏内涵的流弊。他始终能热情地关注生活，他的作品《大风景系列》关注的是人类文化的历史变迁，他将地底奔突的熔岩视为人体中奔流的血液，火山经历了沉静、积蓄、不安、涌动到强劲喷发的过程，大体相当于一个时代文化思潮变迁的轨迹，他作品中喷发出的云雾是文明的碎片和沉淀，其中有汽车、茶壶、钟表、以及麦当劳的标志“M”、英文“SALE”则点出了这个时代浓厚的商业气息，这些文明的碎片，作为一种视觉符号，实质是作为时代文化的表层隐喻，具有某种非连贯的象征意义。
又如著名油画家石冲的创作，他曾经画过一些超写实的油画作品，光洁的表面在石冲油画里是引人注目的特征，但这个光滑的特征，只是他所想表现的画面主题的'一个“调味品”，一个手段上、媒介上的趣味形式，是为画面主题服务的，是“手段”而不是“目的”，他在制作那种令人迷惑的光滑表面质感的同时，仍在努力为自己的画面注入更多的内容与“意义”，使得自己想诉说的某种哲理、思想观念想法通过自己的画面形象传达出来。
进入90年代以后，新生代的代表画家们的绘画不仅仅停留在表达他们的自我状态上，同时还表现了这代人整体的精神面貌。画面的视觉形式感一直是画家十分重视的问题，它把画家的意匠提高到美的韵律，但形式语言不应成为画家个人怪诞的癖好，从而失去了朴素自然的品格。
综观艺术史，二十世纪的抽象派画家康定斯基、蒙德里安的作品就追求画面的形式。在蒙德里安的画中，以具有特定含义的符号来表达画家的“自我”，由于表现的含义和对象本身没有内在的逻辑关系，恐怕要超出造型艺术中视觉度的稳定性而不成其为造型艺术。任何事物都是有一定极限的，在视觉艺术中这就是影响人们欣赏的视觉度的关节点。
自从19杜尚展示了惊世骇俗的现成品艺术以来，当前世界的艺术潮流越来越向一种自然、原初、朴素的方式发展，这在装置等实物艺术形式中表现得最为明显。它们以各种各样的材料作为主要的艺术表现媒介，但总起来讲，仍是以现成品本身的物质形态作为表现载体，有着一个静态的物质外壳。也有一些画家过多的受西方绘画形式的直接影响，在表达精神内涵而遭受了形式的约束，而且越来越淹没在形式自身的泥潭之中，过分的注重形式是有一定危险的。
当前，中国油画的创作存在一个较大的问题是过分的、片面的强调个性和创作性（以油画为例），当下油画创作的制作性太强，考虑表面和形式的东西太多，画家为个性而个性、为创造而创造、为观念而观念、为形式而形式，这样创作出的作品自然缺乏动人的力量。“生活是艺术的唯一源泉”，其实，形式感本身也是来自生活的，也只有融人生活才能达到“自然”、“天成”的这种高品味，我们的创作也只有在观念先于形式的前提下，为表达强烈的主观感情去寻找合适的艺术表现形式。
参考文献：
[1]徐勇民.学校艺术教育与素质教育论坛[M].武汉:湖北美术出版社..
[2]周长江.解读创作.上海书画出版社..
篇2：油画创作中的个人风格-美术学论文
油画创作中的个人风格-美术学论文
摘 要：创造风格是一个画家区别于其他画家的重要特质，没有自己的风格就难以让人识别，就如同在临摹他人的作品一样。艺术创作是一种带有强烈个人色彩的精神活动，艺术的无尽魅力就存在于其作品的独特风格之中。创作风格与作者的气质和修养密切相关,风格更多地体现在画家个人的生活感受和艺术气质，在运用富有个性的艺术语言时所形成不同于他人的艺术风貌。本文将通过对中西方几位成功艺术家的作品分析来得出自己对创作风格的感受。
关键词：艺术个性;油画创作;个人风格;当代
油画的创造风格也被称为某一位画家的画风，纵观油画的历史，每个时代都有很多油画作品，这些油画作品都具有独特的艺术风格，这些作品都会由于作品本身的特定风格而被归于某个派别，这类派别即被成为流派。油画的流派分为两大类，一是以客观的再现为主的创造性作品，一是以主管表现为主的创造性作品。其中这两大类又可将油画分成后印象主义，野兽派，立体主义，抽象主义，浪漫主义，古典主义等等一系列的画派。但是无论是属于哪个画派的油画，一部成功的作品都能展现作者与众不同的艺术个性。
风格是艺术家对所关心的艺术问题长期思考,深入探索,反复试验的结果,它标志着作品在艺术观念与艺术表现上的成熟。中国文化具有鲜明的民族性,民族的审美精神愈是浓厚的,审美文化愈是民族的,就越有价值,就越能走向世界,为全人类所共有。中国油画就是因为抓住了这一点,在经历了诸多的理论探索和实践之后才终于形成了有中国特色的油画风格。而每个不同的中国油画创作家也体现了各自不同的个人风格。本文将从中西方不同的背景下，通过代表性的油画作品来分析不同油画家的'不同的创作风格。
下面来评价被称为“商人里最成功的艺术家，艺术家里最成功的商人”的陈逸飞的油画作品《踱步》。油画《踱步》主题是反思中国近代史、表现民主和人文思想。画家自己面对画面, 仿佛一卷卷胶片组成的真实形象在他身外延伸、呈示。美国《艺术新闻》杂志评价其作品“焦黑尖锐, 写实而意境深远, 有气势而专业”。这展露了陈逸飞被西方接纳的一线曙光。陈逸飞的成名作《占领总统府(1976)》，体现了一个文化思维封闭、艺术气氛单薄的时代。还有代表作《占领总统府(1976)》(1972),《古桥》(1983)、《童年嬉戏过的地方》(1984)、《寂静的运河》(1985) 等一系列的作品都体现了陈逸飞油画作品的最大特点，在于画面上弥漫着宁静和平和，在写实主义中渗透着中国传统的美感。无论是描绘江南水乡的风景还是生动传神的女子肖像，无不体现画家的一种追求：“运用西方的技巧，赋予作品中国的精神”。他一直保持着浪漫主义的风韵、雕塑般的凸现能力和删繁就简的聚焦水平。1984年的美国《艺术新闻》杂志将陈逸飞定名为“一个浪漫的写实主义者，作品流露强烈的怀旧气息，弥漫其中的沉静与静寂氛围尤其动人。”
中国现代另一位有名的油画家是王沂东，是中国当代油画新古典风的代表之一。王沂东出生于民风纯朴、山川如画的鲁南乡村。故乡的山水赋予了他具有浓郁的乡土气息和深刻精神内涵的艺术气质，在王沂东的画中具备了以下独特的风格特点。首先，他的画作中有很多美丽的乡村女子，无论是朴实无华的《王玉贞》、古典俏丽的《清代女子肖像》，还是披红重彩下的新娘，都给人一种不敢触摸的纯洁感。从1992年的《春姑》到后来的《梳妆》、《雪落无声》、《烛光》、《寂寞的夜》、《静静的河谷》和《小媳妇》都给人一种很纯净的感觉。
而在西方，毕加索的盛名享誉了全世界。他是从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代最具有影响力的现代派画家。一生画法和风格迭变。早期画近似表现派的主题;后注目于原始艺术，简化形象。毕加索一生中的艺术风格分为：早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“分析和综合立体主义时期”、后来的“超现实主义时期”等等。毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。在蓝色时期的毕加索生活条件很差，目击贫困、绝望与孤寂的人们，加上受到劳特累克画风的影响和在西班牙受教育时染上的西班牙式的忧伤主义。那个时期的蓝色是贫穷和世纪末的象征。代表的作品《卡萨赫马斯的葬礼》(《招魂》)。在粉红色时期：的毕加索经济好转，画面的颜色也转变成了粉红色的。这一时期的作品温和轻快、线条灵活。原始时期时的毕加索从非洲黑人的雕刻、象牙海岸的扁平面具和古伊比利亚雕刻中得到启发，开始了他的原始时期。分析立体主义时期的代表作品是《亚威农少女》，他用简练的几何形式表现多个角度的人物特征。综合立体主义时期侧重于利用不同的素材组合，创造新的母题，并利用拼贴的手法，是艺术接近于生活的平凡和真实。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。
马蒂斯与毕加索同为20世纪现代艺术的巨擘，而野兽派更引导了20世纪的绘画大革命。亨利·马蒂斯是法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。马蒂斯为首的野兽派画家，利用红、蓝、黄、绿等色彩，表达简约物象的自然本质，描绘内在真挚的感情与装饰效果，创作出令人惊艳，极度自由、奔放、华丽、平衡的作品。《生活的欢乐》也许是马蒂斯漫长的艺术生涯中最重要的作品。这幅画，比他的其他作品更为清楚地体现出野兽派绘画的特质。画中平涂的色彩、弯曲起伏的线条以及那些富于原始稚趣的人体造型，显示出高更的影响。马蒂斯在其艺术作品中表现出对西方传统艺术规则的颠覆，强调色彩的主观性和自律性，画面呈现一种强烈的反自然的张力。在色彩领域朝着越来越主观的方向发展，并在色彩与空间的问题上做了总结性的革新，即以无透视原理的二度空间，取代传统主要以明暗变化的立体感和透视原理的三度空间，从而获得了色彩的解放。
通过上文对两个本国油画家和两个西方油画家的分析，我们分析出了他们各自拥有的个人风格。在油画创作的道路上,探索适合于自己的创作风格是不言而喻的事, 然而创作风格的形成要经历一个长期实践的过程。创作风格的形成也是艺术创作成熟的重要标志，而恪调则是这种个人的艺术风貌所具有的美学品格，是渗透在作品中的意蕴和情调。油画艺术的创作过程无疑就是在创作实践中将自己城立的艺术观念、创造性思维、审美意识以及个人的艺术追求进行最集中的体现和展示。凝聚着艺术家的艺术观念、创造性思维、审美意识以及个人的艺术追求的“艺术个性”，构成了绘画艺术的生命，无疑也是绘画艺术最为恒久的动力之所在。
参考文献：
[1].黄平，试论艺术风格的多样性与油画创作中的艺术个性，自中华励志网，-8-15.
[2].张晓宇. 浅谈当代油画创作中风格与个性的培养[J].文艺生活(艺术中国)，(5).
[3].王沂东,王沂东油画艺术[M].天津杨柳青画社,.
[4].王沂东,中国当代油画名家画集-王沂东[C],人民美术出版社,.
篇3：表现主义与新表现主义油画创作比较研究论文
表现主义与新表现主义油画创作比较研究论文
【摘要】表现主义是流行于20世纪的一种文化景观，其保留了事物原本的形象，是作者根据自己的想法进行随意变形的一种艺术表现风格。其主要特点是率性、大胆，主要表现的是绘画者的感情色彩。在20世纪80年代，这种极具抽象性的绘画表现形式再次在人们面前出现。但是这时这种新的艺术表现形式被称为新表现主义。那么这种新表现主义油画与20世纪的表现主义油画的区别和联系主要体现在哪些方面呢?接下来就结合我对表现主义和新表现主义的理解，谈谈自己的看法。
【关键词】油画创作;表现主义;新表现主义
表现主义和新表现主义油画有联系也有不同之处，这是因为两者所出现的时代背景不同，所要表达的思想也不一样。接下来就从此入手，通过对表现主义和新表现主义油画的探索，看着表现主义和新表现主义有何不同之处，进而揭示出新表现主义新在何处。
一、表现主义和新表现主义的共同之处
表现主义和新表现主义其艺术表现形式都是表现主义艺术，两者有其共同之处。但是在传承过程中也有区别，接下来具体看看表现主义和新表现主义的共同之处。
表现主义最开始是在德国建立起来的。德国不仅建立了表现主义，在哲学上还创立了形而上学的思想。表现主义的先驱艺术家爱德华·蒙克就因为长期住在德国，受到了德国理性思想的影响。他对自己所刻画的事物会极其激动，但是他会用理性来掩盖自己。这种掩饰他内心的激动情绪，就体现了画面的理性感。就拿他的代表作《青春期》来说。画面的主角是一个未成熟的少女，画面主要表现的是少女对未来的不安。她在黑暗中睁大眼睛体现了她的不安，而那缕射进画面，在少女背后形成投影的阳光，就使得画面变得更加阴暗。爱德华·蒙克用自己理性化的处理，使画面的表现感更为强烈，给了人更大的视觉冲击感。但是这样的画面却一点也不突兀，相反画面协调、形象内敛。这种理性的处理方法也可以给观看者带来更大的想象空间。
表现主义油彩画中一般体现的是批判意识，都表现了艺术家自己的主观意志。通过自己的画作表现出对社会不正常发展的反抗。一般体现的是对社会的不满和自己内心的抑郁。表现主义画家一般有他们对艺术的独特追求，通过对画面的线条、色彩、形式和构图的探索，能唤起人们的共鸣。因此这种独特的艺术表现形式在长时间的发展过程中得到了保留。
在20世纪80年代，这种艺术表现形式重新回到观众的眼前，并具有了一些新的时代特征，新表现主义随之出现。新表现主义与西方现代的简约抽象的画风有较大的区别，其更侧重于对传统的继承，保留了夸张的艺术风格。新表现主义强调的是画家的创造力、想象力和个性。并且蕴含了深厚的文化背景，更强调对时代和社会的关注。由此可见，新表现主义更具人文色彩。
就拿《街上的五个女人》这幅作品来说，画中的建筑色彩和人物外形较为虚幻抽象。画中的人物形象一般用绿色、黄色和黑色三种颜色来塑造，以纵向构图方式为主。不论是从左右还是从上下来看，画面填得较满，而且背景和人物之间没有明显界限。这样一来就增添了画面的整体性，让人从整体的画面中，可以感受到一种孤独感，这就可以凸显出画面理性主义的处理。画家可以通过交错的人物线条，让人物在黄色的背景中显得更加高傲孤独，这也从侧面体现了德国人的生活态度，表现了德国的民族精神特征。
由此可见表现主义对于油彩画来说是一种重要表现形式，不论是表现主义还是新表现主义都要利用到理性处理，正是由于这种理性的处理手法，所以表现主义才会得到不断继承。
二、表现主义和新表现主义的不同之处
虽然表现主义和新表现主义的主要表现手法一致，但是在许多方面两者仍有不同的特征。这是因为两者所处的时代特征不一样，从而导致了表现主义和新表现主义艺术思想有一定差异。接下来看看两者之间具体存在差异的地方。
由于表现主义和新表现主义产生于不同的时代背景，其蕴含的艺术思想也不一样。新表现主义是对表现主义的一种继承和创新。在表现主义手法中，艺术家只侧重于对绘画形式的探索。而新表现主义则侧重于表现画家的观念，更侧重于如何在画作中利用形和色的变化更好地体现画家的思想。
表现主义产生于19世纪代，那时欧洲正处于第一次世界大战的浩劫中。当时人们在一战中深受苦难，越来越追求新的思想潮流。人们需要表现心灵的深度，但传统的'油画表现手法已经不能适应人们的新需求，因此创新油画表现形式势在必行。而表现主义油画更侧重于体现画家心灵对构形的影响，更侧重于突出画家的主观感情色彩。蒙克、梵高等艺术家就是表现主义的杰出代表。
到了20世纪80年代，由于时代的发展，画家对构形的探索进入了一个新的时代。当时抽象主义艺术发展到了顶峰，新表现主义应运而生。这一思想的产生使德国很多艺术家转变了传统的意识和思想，逐渐接受了新表现主义。新表现主义油画的构形特征较为怪异离奇。通过这些怪异的形象来表达当代人对时代的追求。从外形上来看，80年代新表现主义作品看起来远离优美，大多是通过一些丑陋的形象来表现主题特征。这是由于随着时代的发展，人们觉得美好的东西并不能够满足自己情感表达的需要。因此创造了一些怪诞丑陋的形象，因为这些形象更符合当代人的心理特征，同时也能给人更大的冲击力和感染力，更好地体现新时代的时代精神。这也是新表现主义和表现主义的不同之处。
结语
表现主义中的理性主义是西方绘画史上的突出杰作之一，它影响了20世纪的绘画表现手法。虽然美术史根据两者的不同时代特征，将其分为两个阶段。但是两者在表现形式上仍有一些共同之处，同时由于时代条件不同，其表现的思想特征也各有差别。从客观程度上来说，新表现主义是对表现主义的一种成长和发展，但这两种形式的产生环境都是在德国，这也决定了两者之间有一定的趋同性。由此可见新表现主义是对表现主义的一种继承和发展。
参考文献：
[1]廖琛.德国新表现主义与中国意象表现主义比较研究[D].金华：浙江师范大学，.
[2]张金松.德国新表现主义绘画对中国油画的影响[D].开封：河南大学，2013.
[3]张黎红.表现主义与新表现主义油画创作比较研究[D].北京：首都师范大学，2006.
[4】高远，从再现现实到意象表现——新时期对于现实主义油画创作方式的反思与突破U].河北师范大学学报(哲学社会科学版)，2013(2).
篇4：中国油画创作中的东方语言论文
中国油画创作中的东方语言论文
每个艺术家在进行创作时都蕴含了自己的独特的观察、表现方式，所以绘画语言有着多样的表达方式，但创作者真正关注的是哪种方式真正契合自己心境的表达。作为土生土长的东方人，长期受到本土文化的熏陶，所以在进行自己的艺术创作中只有注重思考传统文化的表达，探究东方文化的神韵，只有在自己的艺术创作中形成具有中国味道的绘画形式，才能形成自己的艺术风格。
自五四运动和新文化运动后，西洋画才真正的进入了封闭了几千年的传统大国――中国，在这种完全不同的文化冲击中，许多伟大的艺术家和思想家进行了艰苦的探求，以寻求找到一种新的平衡点，使得中国文化和西方文化达到一种和谐和统一。早在20世纪初期便有了对西洋画和中国画发展的探索，早期的传统画家不能够接受西画，但随着西方势力的不断扩大使得他们不得不面对西画，这两种文化便发生激烈的碰撞，既有“守旧派”又有“革新派”，当时他们的思想并不很是成熟，直到30年代一大批留学艺术家的归来，中国的传统绘画和西洋画的发展才有了明确的方向，尽管道路坎坷，但是仍然艰难的前进着。其中在中西结合上最为有影响力的有刘海粟、林风眠、徐悲鸿等人，他们三人都主张中国画的改良，既不全盘西化也不恪守古旧，要“师法造化，寻求真理”“融合中西以创新”，既吸收西方绘画的艺术风格和表现形式又保留中国传统绘画的艺术追求，希望中国画能够借鉴西方的艺术风格和训练方式，丰富中国画的血液。
经过30多年的探索发展到了60年代，中国油画创作真正的进入了追寻本土的阶段，就是在吸取西方绘画精华的同时，使油画创作更具有民族个性。中国绘画的特性强调意境，追求“气韵生动”，用最简单的形式表达最丰富的精神内涵。在使用中国传统元素进行油画创作时，必须在中国画中寻到自己表达所需的元素，并且能将它们与自己的油画创作完美的结合在一起，能用自己的观察和研究，领悟到真正属于自己的表达方式，使自己的油画成为具有东方元素的艺术语言，让画面更加气韵生动和传神。中国绘画讲究笔墨的使用，以写意为主，追求的是一种内在的“神似”，注重表达人物的内在情感和画家(艺术家)自己的精神感受，所以说中国画是一种有意境绘画，是一种表现艺术；而西方的油画则是以写实为主，追求一种艺术形象的再现，以似为美，这两种风格迥异的艺术形式和追求在进行必要的融合发展上，既不能机械的改变某一艺术形式为另一种艺术形式使用也不能笼统的全部接受并不假思索的盲目嫁接，要在两者的精华之处或者它们本身所存在的缺陷上进行必要汲取或补充，这就为中国画与西洋画的融合吸收提供了的发展的温床。
当下，中外油画都在发展，但许多油画家为了赶上西方绘画的脚步，刻意追求一种自己都不是很明白得思想性和时代性，甚至希望能够引领油画创作的潮流(当然这并不是什么坏事)，但这种急功近利的表现有时会起到反面效应，不仅不能够引领世界“潮流”自己却被世界所淹没完全的西化，失去了自己本应具有的东方味道；另一些画家则保持这冷静的头脑，借助东方特有的语言表现出自己的画面思想，在西方文化和东方文化的交流之中能够消化吸收它们的精华之处进行必要的艺术创作，而形成了具有东方文化底蕴的现代艺术，这就是所谓的“越是民族性的就越是世界性的”。
2l世纪，由于文化的多元化和交流的迅速化，东方画家越来越具有本土文化的自觉性和创作的主动性，在油画创作中着重表现具有东方审美情趣风格，形成可一种全新的油画语言，为油画扎根于本土奠定了基础。纵观近百年油画在中国的发展历程，自中国社会接触到油画后，就开始了油画创作的学习，从反对到借鉴再到最后的融合创新，都体现出了鲜明的民族个性，这种民族性在不断的融合中发展壮大。从油画的民族化来讲，许多的艺术家创作者一直在对其进行不懈的探索。例如，林风眠将西方印象主义的艺术风格与中国水墨和意境结合在一起，从而形成了自己鲜明的绘画语言特色。徐悲鸿则将法国古典主义的写实性绘画与中国传统的文人画有机结合在一起，对后世画家产生了巨大的影响。当代画家靳尚谊、罗中立、陈丹青等的油画风格，对中国油画的民族性的完善和发展起到了很大的推动作用。如果说从外表上看油画的民族性，是中西方绘画的结合，而内在上却是中西文化交流的融合，现代绘画的民族性是这些画家们为中国油画的发展注入的新鲜血液。使中国油画创作的表现形式具有丰富的内涵和语言元素，最为重要的是民族神韵与民族精神的张扬，人类文化的发展史启示我们，一种文化作为一个国家的标志，必须要有强大的生命力和民族性，否则不堪一击。
当下是油画的发展进入了全所未有的时代时期，时代发展必然带来艺术创作形式的变化，改革开放的脚步使得中国走进了世界，在这种开放的时代下，怎样进入到世界文化中并且随时可以保护本土性文化成了当下讨论的话题，中国油画的时代性由此张开。随着对时代性的过度追求，加上金钱的刺激和观念的影响，中国油画出现了偏离现象，当我看了“艺术遭遇市场”节目后，感悟颇深，很多艺术背后隐藏着巨大的经济利益，这种现象严重危害者中国油画的'健康发展。所以，我们要把握好本土文化的根基，力图彰显出东方文化的传统个性，不能违背油画创作中的基本原则，我们要对油画进行积极的思考和探究，让绘画领域多元化，这就会使我国的油画不论在哪个领域都会得到巨大的拓展。
华夏文化有着五千年的历史，有着丰富的优秀文化传统，与西方文化有着巨大的差异，但我们必须坚持自己的立场，体现出具有民族特色的灿烂文化。刘继宗在《兼论当代中国油画模式的构建》中指出：“立足于本民族文化，把中国的民族性与现代性双轨合一，是当代中国油画的发展方向。”东方文化中所蕴含的东方语言，是一种‘似与不似’的意境，是中国文人艺术哲学的最高境界，中国文人精神的最高标准则为境界，纵观历史，中华文化虽然受国外来名族文化的冲击，但在取其精华，去其糟粕之后，始终保持者自己的文化精髓，这便是境界所在。天人合一的思想深深扎根于华夏民族的心中，而在今天它所包含的文化价值和精神价值已经受到世界各地学者的重视；随着人类文明的进步，创作者必须要肩负起巨大的历史任务，在油画中表现出东方语言，让东方的艺术境界与世界接轨，齐头并进。一代又一代的艺术创作者们，积极彰显着我国民族的优秀文化，在对外来文化的汲取与借鉴中，不断创新，张扬本民族的传统特色和时代特征，为创造具有东方审美情趣的和富有时代特征的中国油画而不懈努力着，我们期待着21世纪的中国油画发展新纪元。
篇5：浅谈油画人物创作的技法与表现论文
浅谈油画人物创作的技法与表现论文
摘要：这是一篇全面分析创作过程的文章，在这里具体分析油画肖像的创作经历，从最初的创作源头思路寻找，以及创作途中遇到的种种问题，包括搜索图书资料，学习大师或者画家的绘画语言，研究画家等社会背景和作品特征，从而在自己创作的同时学习和借鉴的过程。西方绘画在引进的同时，影响着我们的多数前辈，在他们的艺术思想影响下，晚辈的我们不断的学习耳濡目染，潜移默化在我们绘画的每个角落。艺术绘画的过程，也是一个不断模仿不断研究不断创作的过程，正是我们这些追求梦想和研究创作的后辈学习的重要阶段，在这里，分析了我的创作。
关键词：创作过程；绘画技法语言
一、创作的准备
1.生活来源
人物是我们最熟悉不过的了，但最熟悉的往往会视觉中成为视而不见的对象，我们的认识往往容易落入概念的窠臼和表面。对于大部分人来说，他人的存在只要我们感觉到并使自己有安全感就足够了，无需观察他们的形态和特征。就此一点，我却不然。每天与我息息相关的生活最重要的一部分就是我的同班同学，在他们的眼里我普通的像颗野草，但是也是他们当中必不可少的一份子。当然同学们个个形形色色的模样便早已刻入我的脑中。
2.资料获得
为了能表现出人物的个性突出，同时可以把他们作为我们学校学生的形象代表，我选择了我的三位同班同学。自我觉得，同学们当中他们三个人平时的生活习惯和个性张扬特点在同学们当中显现！
3.构思形成
就他们三人平时的生活习惯。外形特征和身体语言，我通过对他们平时的观察，然后每个人进行交谈与采访进一步了解每个人物他们所处的生活背景和个性，由此来延伸作品人物背景的创作。
二、构图的形成
画成为一个三人三幅系列，通过平时对一些画家的作品观察和研究积累，我想为了能够更突出人物本身及其他们的个性特点，采用“抽象化的背景处理为宜图”作为每幅画里人物所处的环境，为了让观者更开阔的`想象。
三、作品的绘制
1.起稿
对着照片，开始素描稿的训练，经过自己的想法全部尝试，最终画出素描效果图和色彩稿。
2.作品的绘制
表现对象是油画创作的内容，是创作中无法回避的研究课题，它可以是具体的也可以是意象的，更可以是抽象的。首先，画的像是其一。第一张画，通过观察在讲求人物准确性高的基础上，通过对外表的形象观察，更重要的是要融入对象当中去，脑子里一遍一遍的反复对人物平时给自己留下的深刻印象，和他们平日里在同学们眼中的样子，摆脱表现对象客观存在对艺术表现的束缚，打破普通知觉的经验和常规，从对客观对象的观察中寻找自己的独特视角，避免流俗和雷同。面对不同对象的创作，体验会不同，反思也大径相庭。
3. 技法表现
油画本体语言潜藏着无数的可能，并通过画家对材料创造性的理解和使用方式产生不同的艺术效果。油画它本身包括了颜料、媒介、基底材质、笔触等多方面的综合元素，如果忽略了任何一方面的研究，都会对语言的表达产生阻碍。因此，对油画语言深入的感知体验也是一个不可或缺的环节。在画飞燕的脸部和衣服的过程当中，不断经过调色顺序、敷色的厚薄，不断使用刮刀避免画的太厚，笔触的肌理效果和运笔的方式的各种尝试，我采用了直接画法，人物的刻画是属于写实风格，背景则放松颜色及笔触，轻松自由的韵律。经过对范勃作品的背景研究，我借助了他的运笔和颜色分布和颜料的薄厚，将自己的感受和对画本身的理解感受，创作了背景，赵飞燕的背景是冷调子。为了使人物体积感和质感更强烈，在素描关系上下大力度，不断调整。刚开始尝试了几种画法，有些不熟练，怎么画都觉得没感觉，不是自己心中想要的，最后不断尝试大概五六遍之后才画出了点效果，觉得还不错，这才定了下来，背景画的比较薄，是为了强调它的空间感和透气感。
在油画创作中我们不仅要考虑画什么，而且要更多的考虑如何表现出个人的风格，考虑所采取能表现自己个性语言和创作体材相符合的技法表现。所以在作品中情感表现也需要相应的创作技法与之相统一。早期油画创作中采用“担泼拉”画法①，即用鸡蛋和蛋清作为调料溶合矿物颜料作画，再做薄而透明油罩在画中。15世纪尼德兰画家凡爱兄弟用亚麻仁油和核桃油等快干油作为调和剂，并使颜色易于调和，被广泛的运用，特点为运笔自如，并可层层敷色，提高色彩明度，能较重充分的表现物体的真实感和丰富的色彩效果。在创作中，技法的运用是一副好作品的必经之路，要不断探索取于大胆尝试，以多元化的技法以求表现画面的主题需要。
4.整理完成
通过反复深入塑造，就以上所有的创作经验，开始另外俩张画，开始总觉得画面当中颜色太单调，整个画面的气氛怎么都调动不起来，总觉得不能感染人。于是我翻阅好多大师的画，反复画背景，调整颜色和黑白层次关系，这才觉得差不多。我认为创作一定有思想，相当于有了灵魂。有了思想再加以创作情感表现和真情透露才将是一副有价值且完美的创作。在画的过程中，我的眼前不断浮现平时和她相处的点滴和我对他的了解，只有付诸于干这些情感的东西才能打动人心，才能使得自己的作品给人留下思考的余地，通过作品表达的思想情感而感染观者，带着观者走进你的画面，读懂你的心思。假如一幅没有思想没有情感没有表达意义的作品，谈不上打动观者，必然是一幅失败的创作，所以油画创作中思想感情的表达是尤为重要。
美国有影响的美术家苏珊?朗格则强调艺术形式与情感表现的关系，提出“艺术是情感的表现”②；在创作过程中，人物的形象面部表情及其特征要表现的更艺术更生动，必定要先了解人物的情感思想及她的生活背景，只有这样想了通过艺术的语言表现出来才会更有价值。弗洛伊德的表现论学说，“以它的心理分析学为基础，专门从潜意识和情感心理学角度阐发艺术的表现过程”③。西方近现在种种艺术表现论反对客观现实内容，对现代主义艺术产生重大影响。正如象征主义、抽象主义等把艺术表现情感创作推向极致。
四、创作总结
首先，在我看来，一幅好的作品它的必胜点在其选材，比方说能随着当代社会的发展变化，科技的发展，人文的思想进步改变，我们在选材时当然就可以考虑到这些方面，最好能涉及一些社会人文方面的，及其创作想法与创新点，只有在这俩点的必备下才可成为好作品。然而，往往广大艺术爱好者及“所谓”创作热爱着却忽略了这一点，不论什么题材，只要有照片便一味执着的开始“所谓”的创作。所以，我们才把他们称艺术爱好者。西方的发展油画也正是因为由文艺复兴时期开始，达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗等大一批艺术家的大胆尝试和创新才推动油画艺术的不断发展。
其次，则是技法。油画的基本技法很多，例如文艺复兴时期达?芬奇画的《蒙娜丽莎》运用多重技巧和笔法结合科学，光学原理表现出蒙娜丽莎最经典的微笑。经哈佛大学的神经科学专家利文斯通博士研究蒙娜丽莎嘴部深画40层颜料，每一层都很薄。证实并不是用笔所画，而是作者把颜料涂在手上继而画在上面。而每一层颜料都要几个月风干，推算大约才能画出蒙娜丽莎的微笑。画面上表现的蒙娜丽莎圣洁的微笑，妩媚的微笑，富有魅力的笑，这也是这幅作品创作的经典之作也是给观者留下最深刻的印象，最能打动观者的切入点。
篇6：情感在油画风景创作中的重要性论文
情感在油画风景创作中的重要性论文
1再现风景
“摹仿”“再现”的价值，在西方美学史上曾被多次强调，古希腊哲学家亚里士多德，提出艺术家之所以把艺术当作自然和现实的“一面镜子”，是因为艺术的本质是对自然的摹仿。因此，这个时期就孕育出了写实风景。瑞士著名心理学家皮亚杰在《发生认识论》中提出：风景画的创作和欣赏活动应该是一个互逆的系统发生的过程，在画家和受众之间进行。在这种绘画中，画家借助对自然风景真实的描绘，向这个自然风景的容器倾注自己的情感，把自己对世界的理解和感受传达给世人。欣赏者既能在共鸣中寄托自己的情感，又能通过对这种景物的真实欣赏体会到画家的情感。那么在这幅画面前，就产生了一个共同的投射点，这是来自创作者和欣赏者的情感。19世纪的英国风景画画家康斯特勃尔，一生创作了无数有关他故乡题材的风景油画作品。有人这样打趣道：他一生“就像蒙在鼓里的蜗牛一样，与故乡的磨坊相依为命”。确实，生活在故乡的小河边、树荫下是他的愿望，故乡的山山水水悄无声息地变化便是他取之不尽、用之不竭的绘画题材，正因为他对故乡有着无限的热爱，才能在他的作品中向世人展现出最完美的景色。我们欣赏康斯特勃尔的作品，并能与之达到情感的'共鸣：儿时的伙伴、成长的见证这样的角色都是被一座平常的山、一棵平凡的树来充当，这也是我们欣赏康斯特勃尔非常重要的原因―――这种深深依恋故乡的情结。俄罗斯巡回画派画家列维坦，生活在俄国寻求变革的白色统治时期。他最具代表意义的风景作品是著名的《弗拉基米尔卡》《墓地上空》《傍晚钟声》等均呈现一种悲怆和凄凉的气氛，表达了当时压抑的社会情绪。相信每个欣赏者都被康斯特勃尔的直率、朴实，透露出雄浑、奇异，以及对他们大自然独特的、诗意的诠释而深深感染着。
2表现风景
除了上述写实性较强的画家，在风景油画的创作历史上，还有一批画家，他们注重艺术作品独特的个性和鲜明的特点，认为自然景物只是一个载体，画家能够从自然景物中得到启发，利用构图、色彩、线条和笔触等绘画技术作为符号，构建一个个似是而非的轮廓，去创作具有鲜明、独特个性的艺术作品。在他们的笔下，传统作画中用透视、严格的比例等来制造一种视觉逼真的幻象效果的方法被抛弃了，风景的自然形态变得次要，甚至荡然无存。艺术家用带有情绪化的色彩、线条来创作，他们的作品带给欣赏者的是一种色彩和情绪上的纯粹美感。这种风格的艺术家，更强调情感和绘画因素的表现力。巴比松画派的柯罗被称为是梦幻诗意风格的代表，他的画虽然朴实无华，但是却有着深深的寓意，画中大部分描写的是清晨的静谧，有时还会描绘出烟雾缭绕的梦幻，色调柔和。例如，他的作品《疾风》，让人感觉到作者作画时的激动心情，那在狂风中不甘弯腰的大树，让人不禁想起创作者内心中不畏强权的大无畏精神，也反映着当时现实社会的情感态度。印象主义画家是这种风格的先行者，印象派对色彩的运用开启了美术史上的一场真正的革命―――它打开了光和色相互辉映的大门，使得传统油画中暗淡的画面像自然本身一样充满光彩。例如，莫奈的《日出印象》等，画中诸物象没有具体的轮廓，只有似是而非的光影与无比丰富的色彩。从后期印象主义画家凡？高的风景作品中，我们可以对他的色彩和笔触的精神内涵有更深一层的了解。
凡高生前不为人知，常常像梦游似的疯狂地作画，他极力冲破印象主义用光和色来表现瞬间印象的限制，追求个人的独立精神和主观情感的表现。这一切情绪全部化作扭曲、颤抖的笔触和强烈、明快、响亮的色彩。《普鲁旺斯的果园》《星夜》《村道》等作品的画面上挤挤挨挨、粗野狂放的线条，翻滚跳跃、尖锐刺目的色彩，骚动狂乱、焦灼不安的气氛以及升腾燃烧、充满张力的空间等，使有限的画面难以容纳，无法承受。无论你高兴与否，风景都在那里，创作者给它以欢快的色调，它就会高兴，而赋予它灰暗的色调，它便会哭泣。油画风景创作有了灵魂才能鲜活、生动，才能引人入胜，这个灵魂就是创作者的真实情感―――必须具有真情实感才能将生活的真实转化为作品的真实。艺术创作的源泉来自真实情感的体验和流露，风景画是画家心灵深处诚挚的、热烈的情感倾诉，康斯泰勃尔的纯真朴实，透露出雄浑奇异，柯罗的恬静温柔，无不表现了画家对大自然魅力和诗意的独特感受，作为欣赏者，只有进入创作者作画的情景之中，体会和感悟作画人彼时的情感，深入理解作品的感情内涵，才能静观自然，凝思自己，顿悟一切。
篇7：媒体变革与平面设计创作思考论文
媒体变革与平面设计创作思考论文
摘要：传统平面印刷媒体和以计算机、互联网技术为代表的新媒体是平面设计的视觉信息载体，媒体科技的革新正在影响着平面设计的创作方式和内容。本文阐述了在新媒体时代，平面设计与数字媒体技术进行融合及创作的现状、前景，媒体科技的迅速发展为传统平面设计注入了新的活力，平面设计师可以通过数字媒体技术来发掘新的发展空间，进行艺术设计创新。
关键词：平面设计；媒体科技；融合；创作
平面设计需要创新。在图像泛滥的年代，媒体科技空前发达，平面设计需要借助新技术突破自己的边界，增加作品的深度以获得信息的有效传达。相对于其他类型的艺术设计，平面设计的传播媒介范围相当广泛，具有良好的媒体适应性。在传统印刷媒体时代，平面设计从理论到实践已形成了完备的系统，在学科和专业建设上基本成熟。平面设计通过组织文本、图形、色彩等视觉元素的形式与结构，使情感和信息得到有效传达。平面设计是典型的边缘学科，作为设计艺术，以不同形式的媒介为载体，可以进行跨界组合。在传播技术层面，平面设计需要信息载体。现代媒体科技的发展，为平面设计形式和内容的创新提供了空间，平面设计所涵盖的范围还会继续拓宽。当前数字媒体技术革命使人类进入信息传播全球化时代，艺术设计正在经历“数字化生存”，平面设计的理论和实践层面也会面临变革。“人人都会平面设计”的这样一种说法，体现了平面设计的大众性和广泛性，其实平面设计应有的“深度”更需要研究和探讨，当前也最缺乏具有深度的作品。
一、媒体科技发展与媒体特性
从铅活字印刷，到摄影的诞生和照相排版技术革命，再到计算机和互联网技术的迅猛发展，媒体科技从未停止发展的脚步。新技术给平面设计造就了新的可能性，平面设计也参与了人类视觉传达史上从传统媒体到新媒体的过度。传统媒体是指计算机和互联网普及前的平面设计媒介，主要涉及书籍和招贴设计等印刷出版物，由于以传统印刷媒介为载体，平面设计也被视为一种传统的视觉信息传达设计。当前信息传播已进入数字时代，相对于传统的'印刷媒体，数字媒体又被称为新媒体（NewMedia）。新媒体同样是一个很宽泛的概念，计算机媒体、互联网、在线游戏、电脑光盘、交互式网站、智能手机等数码产品，均属于数字新媒体范畴。与传统媒体相比较，新媒体具有“数字化”“交互”“动态”的特征，信息传播时效性更强，而传统媒体具有线性和静态的特点，传播的时效性有一定局限。新媒体最大的特征就是数字化，数字技术把图像、文字、声音进行二进制编码（0和1），这是一种计算机数字语言。所有的素材文件资料都以数字的形式进行存储和输出，形成所谓大数据（Bigdate），应用于艺术设计创作和生产生活。数字媒体技术创造了全新的传播形式。对于平面设计而言，任何特性的媒体都具有可以利用的优势。在媒体科技与艺术设计不断融合的历史语境中，平面设计正在经历着变革和创新，当今的平面设计作为一种全新的视觉传达形式，需要重新思考和重新定义。
二、平面设计艺术、新媒体科技的融合与创作
现代平面设计是一部不断革新的历史。媒体自身也不断在进行变换、革新，新媒体也不例外，随着信息技术的发展，新媒体与传统媒体在数字技术平台上相互交叉与融合，逐步形成功能更加强大的媒体空间系统，对平面设计而言，媒体信息资源不可或缺。新媒体的演变与计算机技术的发展同步，计算机为平面设计师提供了创造性的工作方式。从第一台电脑在平面设计工作室中出现，到当前计算机网络的空前发达，数字化革命为平面设计开辟了新的领域，如互动网页设计、计算机动画、运动图形、实验设计，平面设计师需要学习和认识这些边缘领域。新媒体的出现为平面设计注入了新的活力，也产生了新的创作方向，对于描述这个时代的平面设计而言，“新媒体平面设计”是一个比较合适的概念，内容大致可以分为三类：网络设计、动态图像设计、印刷品设计等。新媒体平面设计师使用数据库进行创作，有广泛的艺术、人文资源可加以借鉴，自由度和创作空间更为广阔。数字媒体科技介入艺术设计行业，首先引发设计工具、方法的变革，设计作品的形态也变成了一种非物质的数字与信息。因此，设计师需要加深自己的知识和专业水平。新媒体平面设计作品会包含更多的内容，更多的可能性，作品的科技和创意含量也会增加，对于平面设计师来说，这是一大挑战。在融合新媒体科技进行设计创作的过程中，平面设计师应发挥媒体特性的优势，探索新的法则，创建具有个性化的、且具有唯一性的艺术设计语言，来彰显自己的设计文化和设计哲学，增加平面设计的深度。媒体技术革命为平面设计创新提供了机遇和挑战，在这样一个大背景下，平面设计更需要多元化的想象以及创造性思维，把不同的媒体资源融入到自己的艺术创意过程中，努力保持技术技巧与艺术技巧的平衡。平面设计与媒体科技的融合，是艺术与科学的结合，两者互为创新的动力和途径，李政道先生常说：“科学界所有重大难题的解决，都是由艺术想象所突破。”基于这一认识，我认为平面设计还会继续融合各类新媒体资源，艺术设计各领域之间也会打破边界，跨学科、跨媒体设计将是未来平面设计创作的方向。
三、结语
当今媒体科技空前发达，各类新媒体层出不穷，平面设计不仅要跟上美学的发展，还要能赶上科技的进步。平面设计师需要进行跨媒介设计创作，迅速掌握新工具，去学习新的领域，这是设计创新的前提。没有新事物、新鲜血液的注入，当前的设计就会僵化，新媒体科技正在变革艺术设计行业，这一改变要把我们引向何处？现在回答这个问题还为时尚早。以数字技术为支撑的新媒体还在持续发展，从长远来看，与新媒体融合有益于平面设计创新。平面设计既然与媒体科技已经发生了联系，就不会再与之分离。
参考文献：
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[5]苏霍金（苏）.艺术与科学[M].三联书店出版，1986.
篇8：现代童话创作中对传统形式的借鉴与创新
现代童话创作中对传统形式的借鉴与创新
你们一定读过很多民间童话吧？细心的人一定不难发现民间童话中有很多定型化的表现形式和表现技巧，它们使民间童话变得非常的通俗易懂而又有趣，因此长期以来民间童话都一直很受小读者的青睐。而我们的作家也很看重这些表现形式和技巧，经常有意识地在创作中加以借鉴吸收，并有所创新。下面我们就来简单介绍一下在现代童话创作中对传统形式的借鉴与创新。
首先是对传统结构形式的借鉴。
民间童话的结构类型大都较为固定，比如有三段式、梦幻式、历险式、奇遇式、寻宝式等等。这些定型化的结构模式经常为童话作家所运用，把它移植到现代童话的创作中。比如张天翼的童话《宝葫芦的秘密》运用的就是梦幻式的结构方法。王葆在梦幻中得到了他梦寐以求的宝葫芦，可宝葫芦在满足他各种愿望的同时，也给他带来了无穷的烦恼。在梦醒之后，他终于明白了不劳而获的害处。王铨美的《睡在扁担上的小熊》（《娃娃画报》90.10）用的则是典型的三段式的结构方式：小熊出门旅行欲住旅店，挑三拣四总不满意，最后天完全黑了，小熊再无挑选余地，只能屈居在狐狸旅店的柴房里，靠着自己的扁担呼呼大睡。一而再，再而三的三段式故事发展，不仅将矛盾冲突步步推向高潮，而且使整篇故事充满了浓郁的趣味性。
第二，是对传统类型化人物与意境氛围的借鉴与模仿。
民间童话中的人物大多有固定的类型，比如“公主”、“国王”、“王子”、“灰姑娘”、“三兄弟”、“两姐妹”、“女巫”、“魔鬼”等等。同时，时代背景与时间地点也大都不确定，而往往泛指“在某某王国”“某个小山村”或者“从前在……地方……”“很久很久以前，在……国家……”等等，形成了民间童话特有的固定模式，让人一听便知这是民间童话。那么当这些特有的模式被借用来创作现代童话时，你就会有一种似乎是在欣赏传统童话的审美感觉。比如武玉桂的《公主的猫》和《方脸盘儿和圆脸蛋儿》（《娃娃画报》93.7/91.3）就非常出色地借鉴了这种模式，人物与意境氛围都与民间童话类似：《公主的猫》的故事发生在“一个没有猫的国度里”，人物是“公主”“国王”等等；《方脸盘儿和圆脸蛋儿》故事背景是模糊的，人物则是传统的“老公公”、“老婆婆”。然而，在传统氛围中，故事所表达的主题思想却具有深刻的现实意义，而且充满了浓郁的儿童情趣。
第三，是对传统“小道具”的借鉴。
民间童话往往借助一些具有神奇魔力的“小道具”为核心来演绎故事。如《白雪公主》中的“魔镜”；《阿拉丁和神灯》中的“神灯”等等。这些具有神奇魔力的“小道具”一旦被用于现代童话的创作中，那么也一定会使现代童话染上了神奇的.魔力。比如杨楠的《王七开餐厅》（《娃娃画报》93.8）借用的就是传统“小道具”式的“魔锅”和“魔铲”，来演绎一个保护野生动物的现代主题。王七凭借“魔锅”和“魔铲”开餐厅发了大财，但山上的动物却面临着灭绝的危险。于是动物们联合起来，救出了被抓的小动物，毁了“魔锅”“魔铲”，迫使王七餐厅关门停业，从而拯救了更多的野生动物。正是巧妙地借助了“魔锅”“魔铲”这个传统的“道具”才使得现代“环保”主题写出了新意。
传统童话的表现形式和技巧还有很多，它们对现代童话的创作具有广泛的运用价值。但对传统形式的借鉴立足点永远在创新上，而不是单纯的模仿，其中内容的新颖独特是创作的关键。
篇9：现代工笔花鸟画创作形式与传统技法比较研究论文
现代工笔花鸟画创作形式与传统技法比较研究论文
摘要:工笔花鸟画是中国传统绘画领域的重要组成部分, 也是一门特点鲜明的传统绘画艺术.传统工笔花鸟画发展至今, 无论是在绘画的形式与技法上, 还是在绘画创作的主题与立意上, 都有了与以往不同的发展与变化.现代工笔花鸟画需要在继承传统工笔花鸟画的基础上不断创新.
关键词:现代; 传统; 工笔花鸟画;
中国传统绘画艺术源远流长, 艺术形式也分类清晰、样式众多.宋代, 工笔花鸟画的发展达到了高峰阶段, 无论是绘画形式还是创作主题, 都得到了长足的发展.在绘画技巧和创作内容上, 传统工笔花鸟画为现代工笔花鸟画的发展与进步提供了坚实的基础和底蕴.社会文明的进步离不开艺术文化的发展和提高, 所以, 工笔花鸟画的发展也代表着当时时代和社会的文明程度.现代工笔花鸟画呈现出百花齐放的状态, 高度发展的社会也为现代工笔花鸟画的发展提供了良好的氛围和环境.
一、传统工笔花鸟画特点
传统工笔花鸟画创作的题材多倾向于真实、生动且鲜明的物化形态, 对于写实的形象表达较为具体化, 这也造就了传统工笔花鸟画在创作中表达出传神的美感.传统工笔花鸟画在笔墨、晕染处理中具有其他绘画种类所不具备的特点.面对自然界中的物象, 创作者可以将其表现得淋漓尽致, 表现出传神、写意、写实等画面效果.工笔花鸟画作品凝结着创作者的情感与感悟, 达到人画合一的境界.秩序化与单纯化的创作过程, 得以省略繁枝俏叶, 得其神而兼其韵, 所描绘的形象更为鲜活, 节奏感更加突出, 充分表现了活力与神态.
纵观中国传统工笔花鸟画的各个发展阶段, 院体画派的工笔花鸟画更加强调其画面画风的形似与法格, 但形似与法格都没有成为工笔花鸟画创作的唯一尺度.文人画派中, 工笔花鸟画创作则更加注重对自然和情感的表现, 画面洒脱而不拘于形式感和章法, 创作实践中更加倾向于画者对自然和生活的态度与情感.在传统工笔花鸟画中, 针对于画面的构图大多采取较为客观的布局与考量, 创作者观察和感受自然状态下的物象, 从而使绘制的作品也活灵活现, 客观、写实地传达出自然界中的各类景物.在整体画面的构思中, 留白的运用恰到好处, 可以给观者带来无限的遐想与思考, 这也得益于中国传统文化内涵的熏陶与感染.
二、现代工笔花鸟画的创新之处
现代社会物质文明与精神文明都得到了前所未有的大发展, 现代工笔花鸟画创作也呈现出一种繁荣、多元的态势.如今, 文化交流十分频繁, 中西方文化的碰撞也在工笔花鸟画中得以体现.现代工笔花鸟画在继承传统工笔花鸟画精髓的同时, 不断吸纳和接受西方文化艺术形态的思维方式, 并结合了现代人对自然界的不同感受和态度.现代工笔花鸟画从某种角度来说是中西结合的产物.无论社会文明如何发展与进步, 工笔花鸟画的精髓没有本质的'变化, “师法自然”“形神兼备”的本源不能任意改变.如今的绘画环境更加自由、开放, 现代工笔花鸟画在某种意义上说是创作者内心情感的一种宣泄和释放, 固有的创作体系已经悄然被社会文明的进步所改变, 创作形式也不断革新.当然, 现代工笔花鸟画的创新不见得就是一种改良, 现阶段创作者应该着力于各方面的尝试与突破.
三、传统工笔花鸟画与现代工笔花鸟画的共性
任何时代, 工笔花鸟画都是中国传统文化艺术的瑰宝, 在继承与发扬中都应当保持工笔花鸟画的文化内涵和艺术底蕴.中国传统文化艺术不应当被现代文明所隔离, 而应该对其进行传承和发扬.从绘画创作角度分析工笔花鸟画的传统与现代, 应当站在历史的高度.传统工笔花鸟画与现代工笔花鸟画都表达了对自然的向往.
古往今来, 工笔花鸟画的绘画语言在不同时期发生了较大的变化, 但工笔花鸟画的本质和初衷是不变的.在高度文明的现代社会, 工笔花鸟画作为一种艺术形式, 其本源是传达中国传统艺术文化理念, 使世人更了解这门传统绘画艺术.现代工笔花鸟画无论如何发展、变革, 都离不开中国传统艺术文化的支撑, 现代工笔花鸟画也是对传统工笔花鸟画的继承和发展.
参考文献
[1]倪春燕.宋代与现代工笔花鸟画形式语言比较研究.华东师范大学硕士学位论文, .
[2]李自然.生态文化与人.民族出版社, .
[3]王峰.浅析宋代工笔花鸟画的艺术特色.艺术科技, (3) .
篇10：浅谈平面设计创作中的加与减论文
浅谈平面设计创作中的加与减论文
摘要：平面设计本质上是对自身意图的表达，准确地说是由委托人定义，由设计师阐明的意图。平面设计师要吸收语言概念，并赋予它们形态，把这些形态整合成有形的、可感知的体验。体验的质量须依赖于设计师在创作或选择阐明概念或信息的形态时的技巧和敏锐。设计师要想设计出成功的作品，需要有效地打通设计环节中各个方面内在的联系，形成系统性和综合性设计知识技能融合，而不能总是为设计而设计，把设计变成简单的“技术活”。
关键词：平面设计；设计作品表现；设计创作过程
一、设计创作中的“加”―――设计作品表现需要广泛的全面积淀
如何才能设计出成功的平面设计作品？是一个时常苦恼着每一个设计师，让他们拍破脑袋而百思不解的问题。为此，不少设计师做了很细且深入的研究与探讨。然而一直以来，人们总是试图通过某一单项的设计能力的培养，或技术上的提高显示自己作品的“抢眼”。然而，过于遵照设计技术的“升级”来做设计往往会阻碍设计本身的发展，技术支持往往只占整体设计因素的一部分而非全部。在英国设计理论家约翰沃克、朱迪阿特菲尔德所著的《设计史与物质文化论丛》一书指出：评价者对一件现代设计作品的期望往往体现在以下方面：（1）功能性；
（2）可靠性；
（3）服务；
（4）美感；
（5）感知质量。由此可知，设计这项工作是综合性的工作；设计出来的作品也是一件综合性的产品。设计贴近市场，需要懂得营销；设计作品推介，需要书面表达尤其是与客户的语言交流、说明自己设计意图的能力；要顾客从产品本身得到高质量的.感知体验，则需要设计师懂工艺，懂材料，懂搭配，等等。设计师要想设计出成功的作品，需要有效地打通设计环节中各个方面内在的联系，形成系统性和综合性设计知识技能融合，而不能总是为设计而设计，把设计变成简单的“技术活”。
二、设计创作中的“减”―――设计创作过程是对作品精减、提炼的过程
“减法”一词来源于数学术语，原意是寻找两数之差的算术运算，泛指在原有数量中去掉一部分。但是，设计领域中的减法与数字概念有所不同，在这里“减法”泛指去除、去掉的意思，用以达到凝练、简洁、纯粹的设计效果及目的。20世纪30年代著名的建筑师、包豪斯第三任校长密斯凡德罗提出了“少即是多”（lessismore）的观点。这是一种提倡简单，反对过度设计的设计理念，被奉为现代主义设计的经典论调，也成为减法设计的基本观点。例如在平面设计中，日本知名设计师田中一光把现代平面设计的视觉传达和简洁表现整合到日本传统艺术中，设计语言简洁洗练，使作品产生一种如日本插花般素雅纯净之美，在亚洲设计界掀起了一场如何在现代设计中传承传统文化的反思。他的海报常在空无一物的空间巧妙安排简单元素，展现致尚简约的美感，避免使观者长时间沉浸在作品的审美氛围中而产生疲劳感。“减”并不是说着什么工作都不做，而是要在设计过程中进行更多思考，更多整合，做到有所为有所不为。减法设计并不等同于一切从简，其中蕴含深刻的设计哲学，并在新的时代体现出新的设计理念：它主张通过最少的材料损耗实现功能的最优化；它倡导运用精简的方法进行设计整合，发展出“以少胜多”的多功能组合设计；它渗透了绿色环保的理念，奉行节能高效的原则，以设计的费心代替生产的费力。在设计中做减法往往比做加法的难度与挑战更大。设计是一个既综合又精简，既复杂又简洁的矛盾体。这是设计的两大特征，也体现了设计的基本精神。这是一种活泼性的版面视觉语言。如果版面本无多少精彩的内容，就要靠制造趣味取胜，这也是在构思中调动了艺术手段所起的作用。版面充满趣味性，使传媒信息如虎添翼，起到了画龙点睛的传神功效，从而更吸引人、打动人。趣味性可采用寓言、幽默和抒情等表现手法获得。独创性原则实质上是突出个性化特征的原则。鲜明的个性，是版面构成的创意灵魂。试想，一个版面多是单一化与概念化的大同小异，人云亦云，可想而知，它的记忆度有多少？更谈不上出奇制胜。因此，要敢于思考，敢于别出心裁，敢于独树一帜，在版面构成中多一点个性而少一些共性，多一点独创性而少一点一般性，才能赢得消费者的青睐。
参考文献：
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篇11：艺术观念中的性相特征与语言选择的论文
关于艺术观念中的性相特征与语言选择的论文
论文关键词：艺术观念;人性本体;性相特征;语言选择
论文摘要：作为现代设计与绘画艺术，应以多视角的认识论与方法论来认识其艺术设计与绘画领域的各种不同“性相特征”与语言选择，从而整合各自独到的艺术观与方法论。
由于不同的“性相特征”须选择不同的“语言结构”方式，其艺术表现因形式、风格而各有不同。绘画与设计，作为两种不同形式的艺术表象，在世界各地多元文化的互相浸透与整合下，其界限趋于融汇而显得模糊不清。因此，传统意义上的绘画与设计在其发展的进程中，常常表现为被现代艺术所取代。这种现象的产生，理应归功于时代演进的人性本体精神。如果艺术都要表达个性化了的审美特性，那么不管何种门类的艺术同都属于形式各异且“个性化”了的精神产品，并同时作为客观实在的精神实体而存在。这是人性本体的审美价值取向所决定的。毫无疑问，绘画与设计均属于艺术品范畴。其作品内涵的“立意与观念”，实质即是个体精神价值取向所决定了艺术作品的灵魂。选择这些与灵魂相匹配的语言、方法与逻辑形式(包括独创)，就成了呈现画面审美价值的关键所在，无怪乎在哲学中，有其“观念形态”的名词界定之说。
一、观念与性相特征的关系
“现代艺术”除偶发性艺术、实验艺术、儿童艺术外，只要预先有实现自我精神价值取向定位的艺术作品，都不可避免地要面对如下问题：一、创造某种客观表象的价值意义何在?二、主观上能否创建某种具有独特性精神价值的表象?三、实践过程中是否能够实现超越自我，即以此来升华自我精神?正是因为被这种纯真的“内在”精神所驾御，那么，意向性的某种特定“观念”则应运而生，如若“观念”有这样一种思考前题，性相问题的特征一经创立，就成了被精神化了的艺术作品。过去，许多理论家有 “形象特征”一说，把“形象”特征称之为客观实在的外在表象，我在这里估且以“性相”取代“形象”二字，其实质是因潜藏在“人性本体”的内在精神与“感官知觉”之别。具体地说，“性相特征”则是已被内化了的精神形态(它同时也包含着抽象与具象两种类别)。从“性相特征”出发，我们能够极大地注入客观形象的精神内涵，从而强化“人文本性”的标志性特征。
“内化”了的外在形象，从心理学与生理学、物种学与形态学的角度看来，“性”有别，则 “形”各异，犹如倔犟与懦弱、男人与女人、物种之类别、方圆之形态等等差异，大干世界，万物之美，大凡可说均同属于内化之“性质”不同，因而其形态各异。由此，社会现象才显得如此千姿百态、丰富多彩。新、奇、无非在于“观念内涵”的变异。
但是，假若“性相特征”是“人文”所造的价值取向，那么，抽象与具象、写实与变形、理性与感性，就只是一个心理定向问题，可以理解为不同观念下的不同语言表象，出于个人特定的“性相”所造。因此作为 “人文”的表现，我们从过去的“自然景观”过渡到目前的“人文景观”，其实质就是一个“质”的变化，说明人性化了的多元文化与自然文化在表象上有着“人文”特征的差异。因此，确立“性相特征”的标准，实际是在一种多元文化交织中被提取且重新整合的“新人性化”表相，即个人智能与价值取向的内在精神特性。
在实践超越自我的过程中，体验着艺术的真谛，浸透在美化了的精神实体之中，看起来仿佛是“艺术品”而纯属于唯心主义的产品，但实际是由社会滋润着艺术家个体精神的成长，因而它仍是客观的(客观精神及其产品)。因此内化了的“性相”特征，仍属于社会精神的外延。
二、性相特征与艺术语言的关系
绘画与设计同作为精神“性相”的客观实体，作为与艺术相“匹配”①的绘画与设计“语言”组构方式来构建，其首要问题，即是对绘画与设计语言中(点、线、面、色彩、明、暗、形态、方法、质材、技法等诸要素)的选择与界定，从而构建其形式上新产生的“性相特征”。出于不同的人文特点(或不同性别)，对其周围事物的认知方式、价值取向，则大不相同，其表现在对同一客观现象的描述上，各自则存在有表达方式上的认知差异，一如演译与归纳、摸似与表现、比喻与象征。这些现象，究其原因，主要表现在界定某一现象之前的观念界入。由于各自所注入的文化内涵不同，认识方式各异，因而在所表现的精神价值取向上、定性上各不相同。因此，在选择与界定语汇形式上，譬如：对点、线、面某一形式的界定(定形、定色、定调)上，乃至方法与构图等，则各不相同。
篇12：歌舞电影音乐中的创作与特性论文
歌舞电影音乐中的创作与特性论文
人们在观看电影时除了受到视觉刺激，还会受到听觉刺激。音乐就是电影表达声音艺术的途径之一，是一种美的呈现形式。一般来说，电影会配有背景音乐，也会有片头曲以及片尾曲，但歌舞电影一般以音乐作为剧情的推动机制，突出影片的关键情节，营造影片氛围，其创作与影片的关联性是密不可分的。本文主要从电影音乐的简介、歌舞电影的特点以及音乐对歌舞电影的影响三个方面进行阐述。
一、电影音乐的简介
电影音乐就是为电影而创造的音乐，它作为电影的背景音乐、片尾曲、片头曲等形式呈现给观众，是电影这个综合艺术中的重要组成部分。电影音乐的演奏一般与电影的对白合为一体，会在电影放映的过程中被观众熟知。无论是哪一种电影类型，都会有其相应的电影音乐。歌舞电影属于一种比较特殊的电影，一般这类电影中会穿插很多音乐，甚至以音乐作为对白，推动电影的剧情向前发展。音乐电影与普通电影相比具有更明显的音乐性，也具有更高的艺术境界，更能调动观众的情绪。音乐之所以能充分调动观众情绪主要是通过其音调结构来表现，在音乐当中，旋律的流动或休止、加速或抑制、冲突与解决都会带给听众完全不同的情绪。音乐正是通过这一点来推动影片情节的发展，帮助观众更好地投入到影片当中。
二、歌舞电影的特点
歌舞电影在世界电影发展史上占据着重要的地位，其兴起于好莱坞，后在印度不断发展，至今已经到了一个非常成熟的阶段，这种类型的电影在情节中会插入很多不同类型的歌曲，以推动电影的发展而著称。歌舞电影的叙事、影像风格以及歌舞艺术手法都有很鲜明的特点。歌舞电影的叙事结构比一般电影更加分散，更有艺术性。很多歌舞电影的发展都是通过人物对白、戏剧冲突来实现，而歌舞电影的戏剧冲突在很多时候会通过歌舞或者音乐表现出来。在歌舞电影中，歌舞的节奏决定着电影的节奏，整部电影与音乐息息相关，通过音乐来表现电影的故事梗概。歌舞电影的影像风格与普通电影有区别，普通电影的影像风格通常通过电影拍摄的角度、电影总体的画面特点来呈现，但是歌舞电影的影像风格除了通过电影的`视觉效果来呈现，还通过电影的音乐来呈现。[2]一般来说，歌舞电影中的音乐节奏明快，其影像风格就会相对鲜明；而音乐电影中的音乐节奏轻柔，其影像风格就会相对温暖。歌舞电影中的歌舞艺术手法与普通电影也有很大的区别，在很大程度上，普通电影中的音乐是辅助部分，为剧情的需要调节音乐来营造电影情绪。但是歌舞电影中的音乐占主要地位，无论是台词还是剧情的发展都离不开音乐，整个电影可能会呈现出一派歌舞升平的景象。
三、音乐对歌舞电影的影响
音乐对歌舞电影的影响非常大，主要体现在表现文化精神、抒发人物心情以及参与叙事三个方面。每一个时代每一个地区都有自己的文化特征与精神风貌，因此，不同地区、不同时代的电影象征着那个时代、地区的文化精神。而歌舞电影中的音乐自然也具有时代性，我们可以从音乐的特点中感受到那个时代的代表元素。例如《歌舞青春》就代表着21世纪青少年的活泼好动，也代表着欧美特有的文化底蕴。歌舞电影中的音乐能够很好的表达电影人物的心情，很多时候，电影中的音乐可以作为对白来呈现，通常各个时候都带有一定的戏剧冲突。将人物的心情用音乐表现出来可以增加电影感染力，强化电影的叙事特征。电影叙事学实际上是指电影通过哪些元素、手法来达到叙事目的。电影叙事系统通常是由画面、音响、语言、音乐、字幕五个部分构成。[3]在叙事元素中，语言、画面、字幕及音响的叙事能力是显性的，具有客观、具体、直接等特点。音乐在电影叙事中呈现出隐性特点，具有间接、主观、抽象等特点。电影音乐的应用是实现叙事的一种有效手段，它对电影情节、叙事时空、观众接受心理的构建都具有重要作用。
四、结束语
电影的成功不外乎演员精彩的演绎、导演的正确指导、音乐元素的充分应用。在电影中，音乐始终是为电影服务的，它不仅能起到推动电影情节发展的作用，还能引起观众共鸣。为了加深观众对电影的理解，我们必须将电影与音乐有机结合，创造出引人入胜的视听盛宴，将电影赋予更多生命力与活力，营造主体氛围，从而促进我国电影事业更好地发展。
篇13：高校体育教学中反馈形式与作用论文
穆斯卡莫斯顿曾经说过：“没有哪一种学科能够像体育一样，每一堂课都能给学生提供广泛的发展和历练机遇”。在高校的体育教学中，通过精心设计做出的教学过程能够促进学生在运动中进行积极的思考，在公平竞争和自我协调中进行人际交往。在体育教学过程中，每种反馈形式都有各自的特点，并对学习过程产生影响，通常可将反馈定义为“告诉某人他的表现如何”，这种简单的定义忽略了反馈对行为表现和塑造认知观念所产生的影响。反馈是学习过程的基础，主要原因有两个：改进或改变教学内容、教学行为或课堂的组织形式；塑造自我意识。
一、反馈的类型
在体育教学中，教师可通过以下几种方式给学生提供反馈：符号、身体姿势和语言。符号可以是评分等级（如：优、良、中、及格等，分数0-100）这些符号可以作为评估学生的标尺之一。身体姿势（又称身体语言），包括头部动作、面部表情、手部动作和手势等。语言可以是书面语言或口头语言，并且在不同的语境或文化背景下反映出不同的意义和内涵。反馈可分为四种类型：评述性反馈、纠正性反馈、中性反馈和模糊性反馈。以上四种类型的反馈，可以是具体的或非具体的反馈、公开的或私下的反馈、针对个人的或小组的或班级的反馈、及时性的或延后性的反馈、在表现过程中或表现后给予的反馈。
1、评述性反馈
评述性反馈是运用判断性词语进行教学反馈，既包括正面的词语也包括负面的词语。它的主要作用是在体育教学课堂中对学生的学习行为做出判断。这种反馈有可能有益于维持师生关系，也可能会破坏师生关系；既可能激发学生的学习，也可能妨碍学生的学习过程。按照反馈的内容又可分为具体性和非具体性的评述性反馈。如：“很好，就这么做！”即为非具体性评述性反馈；“很好，练习排球下手发球时，你能够保持握拳姿势并且手心朝上”即为具体性陈述性反馈。当注重技能学习、更改、或特别注重细节、过程或程序时，比较适合运用具体的评述性反馈，可以激发学生产生认知和情感效应，使学生关注和掌握反馈的意图。反馈的越具体，反馈的信息就越精确和有效。“你让我感到失望”“你还不够好”等反馈，时很严厉的反馈，在任何情况下教师都不应该使用这样的反馈。无论具体性还是非具体性的反馈，都不能妨碍学生完整的学习过程。
2、纠正性反馈
纠正性反馈是在体育教学活动中针对错误行为进行的反馈，包括对错误的识别和纠正。例如：“蛙泳时不要从左右两侧呼吸”、“下一次要用眼睛盯着球”等。它所关注的重点是错误本身，而不作评价判断。在体育教学中，如果教师过度使用这种纠正性反馈，可能会导致教师过度关注错误，打击学生继续尝试和努力的积极性，进而产生放弃的念头。
3、中性反馈
中性反馈一般都是如实的描述动作，既不做出判断也不予以纠正。例如：“你的动作套路里包含许多扩展动作”等。尤其要注意语气的使用，有时候语气可以使反馈的形式发生改变。在课堂教学中，教师一般习惯于使用评述性反馈和纠正性反馈，中性反馈更加认可学生的感受，激励学生在课堂体育教学活动中保持学习的积极性，教师将做出最后结论的机会交还给学生。
4、模糊性反馈
模糊性反馈无法代表具体的评述，也不能识别错误或者纠正问题，更无法如实客观的描述整个教学活动。例如：“让我们再做一次”，“你还没有发挥你的潜力”等。这种反馈要求接受者对反馈内容的含义做出结论。但是当我们需要准确的数据或知识时，模糊性反馈会引起误会并妨碍学习。当教师与学生在教学内容上发生交流时，频繁使用模糊性反馈可能会让学生感觉到教师缺乏与学习内容相关的系统知识。
二、反馈的特征
每一种反馈形式都有自己的评价标准、目的、关注点和影响。没有哪一种反馈形式是最好的，但所有反馈都对加强和改变教学内容、学习行为、组织形式、塑造自我等方面具有重要作用。具体特征有：影响学生的学习行为；影响学生的学习结果；激励、挑战、鼓励学生或拒绝、挫败、迷惑学生；改进或改变标准；显示对学生的尊重与否；鼓励或挫伤学生的学习积极性；是学生兴奋或丧失信心；增进或摧毁与学生的情感交流等。
三、反馈的.组合和目的
在高校体育教学过程中，教师往往将单一的四种反馈组合成多种不同的形式。当教师、学生和学习内容三者之间发生密切的联系时，任何单一的反馈形式都无法满足课堂的教学需求。所有的反馈目的是一样的，都是要强化或者改变教学内容、学习行为和课堂组织形式，它有助于塑造学生积极的学习氛围，反映预期的教学目标。
四、反馈的优缺点
1、评述性反馈的优缺点
正面的评述性反馈能让学生在体育课堂学习中得到激励和强化，愿意重复动作练习。但是，连续的、习惯性的正面反馈如果过多使用，学生会逐渐降低学习的积极性和质量，学生会觉得无论怎样的表现都将获得奖励性反馈，进而产生懈怠。负面的陈述性反馈会在课堂教学中及时暂停错误的动作，但是重复的负面评价会让学生不愉快，变得压抑，挫伤学习积极性。
2、纠正性反馈的优缺点
纠正性反馈可以让学生认识到错误之处，把注意力集中在错误的地方，进而重做以后出现正确动作的可能性会更高。但是，如果在体育课堂中学生无法及时的纠正指出的错误，在反复练习中可能会产生挫折感。
3、中性反馈的优缺点
中性反馈可以客观实际的表明教师认可学生之处，促进了教师和学生的课堂有效交流，减少学生在学习过程中对教师的过度依赖，促进学生的自我评价和提高。但是，对于那些习惯于接受纠正性和评述性反馈的学生会产生不适应，导致学生会催促教师予以评述性反馈，例如：“老师，这个动作您觉得怎么样？”等。4、模糊性反馈的优缺点模糊性反馈有利于在课堂创造出一种安全的氛围，但是，某种程度上说它也会干扰有效的学习和任务的精确传达和落实。
五、总结
体育是一门关于运动技能、比赛规则或自由创造动作的学科。课堂反馈实施的教师就是重点。反馈意见来源于教师的价值观，尽管学生是反馈的接受者和受影响者，但反馈意见不会考虑学生的感受而主要体现权威者的反馈意见和判断。总之，反馈有助于塑造一个人的认知、个性和人生观。因为每一种反馈方式都从不同的角度评价教学活动，所有反馈方式的拓展使用可以帮助我们对教学过程的感知进行扩展。所有教师追求的目标影视运用反馈的知识体系而不是依赖于教师个人的喜好进行反馈。
【参考文献】
[1]MuskaMosston,SaraAshworth.体育教学风格[M].北京:高等教育出版社,.3.
[2]汪康乐.体育教学方法学[M].北京：北京体育大学出版社，.12.
[3]谢月静.如何使普通高校体育理论课的教学更具实效性[J].体育世界,.12(3).
篇14：新课程教学中的困惑与思考论文
新课程教学中的困惑与思考论文
摘要：去年9月，我校近400多名初中一年级新生进入了新课标、新教材的教学。面对新理念、新课标、新教材，教师们在新课程实验中遇到了不少的困惑，但也在实践中不断探索，努力寻求解决的对策，使我校的课改实验工作进展良好，初见成效。
关键词：质量 科学素养
（一）课堂教学中的困惑
课是这样导入的：
“我们在日常生活中经常会接触到与质量有关的事情，如到超市称一斤的白糖、两斤的饼干等等，一斤或两斤都表示某物体的质量，到底质量是怎样一个概念呢？我们先来看一例子。”
讲台上有一小杯水和一大杯水。
我拿起两杯水问学生:“这两杯水中，哪杯水的质量较大呢？”
“大的那杯,”学生答得很响亮
“为什么说大杯水中的水质量大？”
“因为大杯水中水比较多”
“对极了”，我点头，“所以说物体所含物质越多，那么它的质量就越大。”于是我顺利写下了板书：质量是指物体所含物质的多少。
“质量有单位吗？”
“有，老师，小学里学过，质量单位有吨、千克、克、斤和公斤”。
“很好”，我给以充分的肯定，“这些单位之间有怎样的换算关系呢？”
“1吨＝1000千克”、“1千克＝1000克”、“1千克＝1公斤＝2斤”
学生答得很干脆。
“非常好，老师想知道你自己的质量是多少斤，合多少千克呢？”
“我有80斤、40千克”
“我有84斤、42千克”
……
“很好，请同学估计凳子有多少千克”
“1千克”
“2千克”
“2.5千克”
“我们的书本呢？”
“1千克”
“0.2千克”
“0.5千克”
“老师也来估计一下”，我也凑热闹，“凳子约5千克，书本约0.3千克，我也只是估计，有些同学的数据可能比老师还要准确”。
到这里还算比较顺利。
“好，现在请同学讨论回答老师这样一个问题：凳子从你那儿搬到我这儿，你说质量会不会变呢？”
“会变。”
“怎么变？”
“变大了”。
“为什么？”
“因为搬到老师那儿较远，有吃力的感觉”
“噢！是这样，同学们，你们同意他的观点吗？”
“同意。”
真想不到会有这样的结论，如此一来，就不能得出质量与物体位置无关的结论了。
我灵机一动，马上换个质量较小的圆柱体，这样怎不会有吃力的感觉了吧！
“现在，我们再看这个圆柱体，从我的左手换到右手，质量怎么变”
“放左手时质量大，放右手时质量小”
“为什么？”
“因为放左手感觉比较重，放右手时感觉比较轻。”
这下惨了，越帮越忙，真的得不出我想要的结论了。可是后面教导处的两位老师正听我的随堂课呢？
于是，我在“质量是指物体所含物质的多少”下重重的划上一条线，再次强调质量的定义，面后一字一顿地说“同学们看圆柱体从手的左手到右手过程中，圆柱体本身所含物质有没有变多或变少？”
“没有变多，也没有变少”
“既然圆柱体所含物质没有变多，也没有变少？圆柱体的质量就应该没有变化吗！”我也有点急了。
“假如，我把此圆柱体从甲同学手里，换到你的手里，质量会变呢？”
“在力气大的同学手里，质量就比较小，在力气小的同学手里，质量就比较大。”
晕倒！怎么就这么难理解呢？我无可奈何！
“这是你们猜测的，实际上，这圆柱体不管是在哪一个人手里，质量是一样的。”
“啊！？”学生好象有些不可思议。
后来，我们又进行了几轮问答：
1、“假如，将此圆柱体带到月球，它的质量怎么变。”
“变小。”
“因为在月球上它会飘起来。”
2、“假如，使此圆柱体温度上升10℃，你认为它的质量怎么变？”
“变大。”
“因为热胀冷缩，它的体积变大了。”
3、“一杯水竖直放置与倾斜一个角度放置时比较，形状会不会发生变化。”
“会。”
“质量会不会变？”
“不会”，因为水没有变多，也没有变少。
只有这一次，大部分同学给了我想要的答案。
4、“若这杯水结成冰后，质量怎么变？”
“变大。”
“因为水结成冰后，体积会变大。”
我真恨不得呼一口冷气，将这些水冻成冰，让他们好好称称。这节课的重点可是下面的托盘天平的使用。这时，时间已经用掉大半，真是无可奈何花落去。看来，还得下节课补上。
（二）为什么会困惑
对质量概念的理解，怎么就这么难呢？我困惑不解。于是我请同事们帮我一起探讨。
1、难在与日常生活经验不相符。
比如搬椅子，久了会吃力，感觉好像是椅子变得沉重了。圆柱体左手拿觉得较重，右手拿觉得轻些，但我却说它们的质量没有变化？这些都是与过去的经验相冲突。
2、初一学生还没有分子的概念。
质量是指物体所含物质的多少，这是个抽象的概念。比如说，水的质量就是指水中所含水分子的多少？在水结成冰体积增大的过程中，水分子总数并没有增减，只是分子间隙变大了的缘故，所以水结成冰后质量不变，但学生连分子的概念都没有，是不可能理解这一层的！
3、质量与重量的区别。
学生现还没有学过重力，不知道质量与重量的关系，而且，平时生活中就是这么说的，比如有人问你“你多少重？”“我有100斤”等。学生都把质量当成了重量，将它们相混淆。
（三）问题与思考
课程改革对我们提出了严峻的挑战，在此次课改中应运而生的科学课，我们对它的实践和研究还处于起始阶段。虽然有自然课、常识课的教学经验，但我们更应以研究者的心态去适应不断变化着的新课程改革，置身于教学情境之中，对出现的问题进行探究。
我觉得目前我校的科学课教学中还有如下的困惑有待于我们去研究：
1、对科学课“科学味”的认识
科学课应该是怎样的？我们是否可以这样认为：科学课应该具有科学性、重视证据和事实；科学课应该不断质疑、反复求证、亲身实践；科学课上应倾听别人发言，积极发表自己意见。而综观当前的科学教学，“科学味”不足也是一个不容回避的问题。如学生仅仅完成了一次实验操作就匆匆下结论；汇报交流时，有的学生把科学记录丢在一边信口说来，人云亦云；还让人不安的是学生很难做到学会“倾听别人发言”，质疑别人的观点。我们科学教师在知识的科学性上更应“咬文嚼字”、“谨小甚微”，除了设计好教学过程外，对知识本身的关注也不容忽视。
2、对活动材料的认识
材料是教材的重要组成部分，材料通向科学、引起经历、发展思维。直接材料的选择必须居于某个特定的概念，材料之间必须组成与概念有关的联系，这就是我们常说的要选有结构的材料。在观摩课上，一些设计精妙的课堂教学中，教师经常会根据不同的教学需要，适时地出示不同的材料，引起学生不同的探究经历，不断朝着既定的研究目标前进。如比较水的多少，先给每组出示三只形状不同但水面高度相同的瓶子，猜猜哪只瓶子的水多？学生发现靠比眼力比较不出，教师再出示同种容器来比较水的多少，这下行了，但到底多多少呢？还是比较不出，再引出用量筒进行测量比较。这样材料出示的顺序无不体现出教师精心地设计和对材料的.深刻认识，使学生每一步的探究都能向前跨一步。
但有的课上出示的材料是学生不熟悉的或过于单一，学生的探究兴趣很难维持较长的时间，也很难获得理想的探究效果。
3、在学生由争论引发真正的学习活动时，为了赶进度，老师不舍得花时间或根本不想花时间；或者课时不足时，有些教学内容不能完成； 同时由于受学校条件的限制,教具的限制,配套的教学资料相对少，缺少课程资源,使探究学习不能完全进行。
4、教师该为学生的探究提供怎样的支持？在新课程实施中，由于学生主体地位的凸现，怎样做到有效指导呢？对“以全体提高每个学生的科学素养为核心”的理解是当前课堂教学值得研究的问题。
5、教师的专业知识和科学教育要求尚有差距，科学对教师的专业知识要求很高，要懂得化学、物理、地理、生物、生理卫生等科目的知识，又要提升教学设计和教学反思能力，任重而道远。
（四）要直面这些困惑
“问渠哪得清如许，为有源头活水来”，我想，在新一轮基础课程改革浪潮中，大家还是要抓住机遇，迎接挑战，力争与时俱进，转变教师的传统教学观念，边破边立，教师进行研究性教学，学生进行研究性学习，以达成我们所期望的课程目标。
诚然，教学的优化贵在坚持，重在效用，难在突破，新课程背景下优化初中科学教学，其探讨还刚刚起步，我们坚信只要头脑活，干劲足，功底实，技能全，通过扎实努力，相信我们的教学必将在新世纪焕发青春，赋予全新的生机与活力。
参考文献
1、《科学》，浙江教育出版社，主编朱时清，7月第一版
2、《新课程标准解读》湖北教育出版社，主编郝京华，207月第1版
3、《新课程学生发展性评价》，新华出版社，主编李志宏王晓文
4月第一版
篇15：艺术教育中直觉与感知培养思考论文
艺术教育中直觉与感知培养思考论文
摘要：长久以来，在艺术教育中，感知与理智一直被分离开来，艺术与科学互相排斥。这是艺术教育的损失，也是艺术教育的误区。感受力和直觉力正是弥合感性与理性之间裂缝的一个重要因素。艺术直觉是艺术家掌握世界的方式，在艺术创作和艺术教育中都有着不可忽视的重要地位。本文通过对艺术直觉的阐释和对艺术教学中对感受力和直觉力的重要性和训练方法的分析，引发艺术教育中对这种割裂的关注。
关键词：直觉；感知；艺术教育；整合
艺术教育不是一门可以用“标准”来衡量的学科，它和感受力有关，和一个人的整体性有关。传统的艺术教育过分强调知识和技能的传授，把传授专业技能技巧作为掌握知识、发展理智的根本途径，忽略了与艺术最为相契的感受力和直觉力。
一、艺术与整合
在技术不断发展的时代里，一方面人们因为技术不断获得更多的便捷，技术替代了生存生活乃至复杂工作中的部分功能。另一方面，这种功能的替代也逐渐让人的整体性被割裂，人们成为“断片”的人，破碎的人。网络时代里，信息的“超链接”方式更是让人的思维模式在无限延伸中成为碎片。在麦克卢汉的观点里，艺术在历史中常常扮演着预言者和感知模式的调控者的角色。在今天碎片式的网络时代，更需要艺术对人们的情感和内心体验重新提供一种整合式的感知模式。在传统的教育系统中，只有理智、逻辑才是获得知识最稳固的途径，这是最正式也最有效的标准。但在今天的艺术教育里，我们可能更需要一种面向感受和情感的整合的直觉型思维的培训和感受力的教育。
二、直觉与感知
长久以来，在艺术教育中，感知与理智一直被分离开来，艺术与科学互相排斥。这是艺术教育的损失，也是艺术教育的误区。直觉与感知正是弥合感性与理性之间裂缝的一个重要因素。中国古代哲学对感知一直给予极大的重视，同样也认为感知中包含着高贵的理性和对真理的发现。亚里士多德也曾经提出过“心灵没有意象就永远不能思考”的激烈主张。古人也早就发现了直觉的存在及其价值。古希腊毕达哥拉所学派就认为：“直觉是高于观察的。”在很多人眼里，提到直觉，就会觉得那是一种模糊不定、接近胡思乱想没有说服力的一种思维和判断。但恰恰相反，在艺术创作的过程中，这种直觉的力量尽管短促却很坚定。很多艺术家常常能感受到，直觉的坚定来自内心深处一股强大的力量告诉自己艺术的方向。许多人把敏锐的感知力看成是一种天赋，实际上这种深刻的直觉下面包含着各种理解、领悟、思想、创造力，乃至你的逻辑分析能力。笛卡尔在《心灵的指导规则》一书中称，“我所理解的直觉不是感觉之动摇不定的证据，亦非从想象之胡乱堆砌而导致的错误判断，而是毫无屏障的和专注的心灵给予我们的，这种给予十分明白晓人，以至于我们对所理解的东西没有任何怀疑。”直觉并不是不可靠的'东西，有些时候，它甚至比演绎更简单更确定。艺术的直觉只能是长期教育的结果。眼睛在刚出生时是什么都看不见的，只有经过训练，才变得能够了解所见到的东西。所谓‘无邪的眼睛’是没有的。”人们喜欢把理智和逻辑归属为左半脑，直觉和灵感归属于右半脑，那么他们是否应该被放在同样的位置，受到尊重和重视？
三、艺术教育中的直觉与感知培养
1、多样化文化课程创造开放的教育语境
首先，开设多样化文化课程是为直觉力和感受力的产生创作一种开放的环境。在艺术院校设立真正丰富且具有包容力的文化课程，让学生处于一种开放的可选择的教育语境之中。目前的艺术教育，因为各种各样的因素，趋于标准化的培养过程。学分、技能、就业率，成为艺术院校追求的最大目标。大量的艺术院校形成了一个约定俗成的风气，重专业技能、轻文化素质，这着大量有心从事艺术事业的学生也是一个不良的导向。艺术教育的目的在这样的局面下显得狭窄而充满功利。经常有人说我们缺少的不是技术而是思想，而思想正是激发艺术直觉最有力的因素。众多艺术院校单一的追求就业率让艺术教育失去了原来的意义，很多课程得不到应有的重视，文化素质培养成为随意性的副科，思想和技艺的分裂，过分实用性功利性的培养目标，给很多学生和艺术爱好者带来误区。文化课程目前在很多艺术院校的教学系统里没有得到应有的重视。创作是将自己所有的心灵能量聚集在一起，这些能量不只是专业技能的熟练，更包括了所有对世界，对艺术的认识和所有文化修养的沉淀。
2、从“训练”式到“对话”式的教学
在艺术教育中，传统的教学注重模仿和灌输。临摹是美术教学中不可或缺的教学方式，但单一的临摹和经验灌输往往会使学生形成思维定势，让他们逐渐丧失创造力和想象力，甚至对生活中的美无动于衷。对话式的教学方式会更有利于保持学生丰富的想象力和创造力。教和学成为平等的两个维度，通过对话式的教学，让艺术创造在交流中碰撞，甚至这种对话可以是反叛和抗争。只有在这种真正的交流中，学生才可能激发“创造”，而不仅仅是在艺术史和教师权威的标准下畏手畏脚。艺术教学是要唤起学生内心的情感，并引导学生用自己的方式去表达。在一开始这些表达可能显得生涩，所以更需要一种更为平等的对话而不是“标准系统”的压抑。而今天网络时代的信息获取方式，让学生在课堂之外有足够的渠道获取“知识点”，这也让对话成为了可能。
3、多重实践和跨界整合
在对话式教学的基础上，艺术教育可以开发更多共同创作的实践模式，和跨学科的联系和整合。艺术教育需要更多的机会通过切身的实验去寻找真相开发潜能。各学科之间，老师与学生、学生与社会都可以建立起更多的关系，在实践的碰撞中逐渐寻找自己的艺术语言。为了让教育进入一种手与脑、理智与情感均衡发展的状态，必须让学生通过自己的材料试验寻求真相。他们不应该被“导向”任何一个既定的方向，他的大脑不应该被固定的模型填满，阅读那些描绘二手经验、无助于活跃思维的书或那些超越了理解力的书，都为时过早。教育必须成为让一个人发现并形成自身表达方式的机会，必须提供一种有意义的融合，将社会传统与个人体验、实践与判断结合起来。共同创作的模式可以激活学生除语言和文字之外的各种品质，不是从形式到形式，或者从观念到观念的转变，不是简单的套用，不是枯燥的模仿，是在不断地寻找和积累之中获得真实的体验，再返回到思维，形成新的更为清晰和准确的直觉。越来越多的教育工作者意识到，恢复人的感受力和整体性在艺术创作及艺术教育中都占据着异常重要的地位。只有这样，我们的艺术创作才更能触及生活的本质，我们的艺术教育最珍贵的功能也才能真正得以实现和延展，成为一种更为“自由”的教育。
注释：
1.(美)鲁阿恩海姆.艺术心理学新论[M].商务印书馆，1999：9.
2.(匈)拉兹洛莫霍利纳吉.运动中的视觉:新包豪斯的基础[M].中国出版集团，2016
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